- Film français sorti le 30 juin 2010

 - Réalisé par Mathieu Amalric

 - Avec Mathieu Amalric, Miranda Colclasure, Suzanne Ramsey,…

 - Comédie, Drame

            Producteur de télévision parisien à succès, Joachim avait tout plaqué - enfants, amis, ennemis, amours et remords - pour repartir de zéro en Amérique à l'aube de ses quarante ans. Il revient avec une tournée de strip-teaseuses « New Burlesque » à qui il a fait fantasmer la France : Paris ! De port en port, l'humour des numéros et les rondeurs des filles enthousiasment les hommes comme les femmes. Et malgré les hôtels impersonnels, leurs musiques d'ascenseurs et le manque d'argent, les « showgirls » inventent un monde extravagant de fantaisie, de chaleur et de fêtes. Mais leur rêve d'achever la tournée en apothéose à Paris vole en éclat : la trahison d'un vieil « ami » fait perdre à Joachim la salle qui leur était promise. Un bref aller et retour dans la capitale s'impose, qui rouvre violemment les plaies du passé...

            Mathieu Amalric, acteur à l'emploi du temps très chargé, a enfin réussi à trouver un moment pour réaliser son projet sans cesse repoussé. Le résultat n'est autre que Tournée qui a fait un passage très remarqué à la Croisette, qui a reçu un accueil critique très favorable, qui était considéré comme l'un des grands favoris pour la Palme d'Or et qui est reparti avec le très honorable prix de la mise en scène.

            Prix que l'on peut légitimement considérer comme un lot de consolation tant le film de Mathieu Amalric ne brille sûrement pas par sa mise en scène. Souvent mal cadré pour se donner un côté film indépendant, caméra à l'épaule comme s'il filmait un making-of ou un reportage sur une tournée, le long-métrage d'Amalric déçoit pas mal de ce côté-là, surtout au vu de ses illustres prédécesseurs ayant remporté le même prix. Les numéros de strip-tease, dont on peut louer l'inventivité, l'humour et la subversion, ne sont jamais filmés de manière originale, souvent du point de vue de Joachim. Le deuxième problème vient cette fois du scénario. D'abord parce que celui-ci n'est pas vraiment tourné vers la troupe de strip-teaseuse mais encore une fois vers le personnage interprété par Amalric. Sans compter le fait que l'intrigue soit assez mince puisqu'elle tourne essentiellement sur les tentatives de Joachim de retrouver une salle parisienne afin de faire son grand retour. S'en suit une importante incartade en solitaire dans la capitale qui a surtout pour but de nous éloigner du sujet et qui frôle parfois la caricature du film indépendant : misérabilisme, jeu approximatif…

            Ce dernier point fait aussi baisser la qualité du film, Amalric ayant souhaité des non-professionnels pour faire plus « vrai » (mais le but d'un vrai acteur n'est-il pas justement d'être plus vraisemblable ?). Le résultat est plus que mitigé. Les femmes de la troupe, qui jouent un peu leur propre rôle n'ont pas de difficulté à dire leurs textes et arrivent à transmettre une certaine crédibilité et sincérité au spectateur. Amalric, acteur très confirmé pour le coup, est dans l'ensemble assez juste mais n'évite pas le surjeu, souvent volontairement comique certes, dont il est assez friand (douloureux souvenirs de Quantum of Solace ou du très récent Adèle Blanc-Sec). Mais cette volonté de l'amateurisme à tout prix dessert le film lorsqu'il s'agit de rôles de second plan. Les deux enfants de Joachim n'arrivent pas à déclamer leurs dialogues sans avoir perpétuellement l'air de réciter un poème appris la veille (bon, mettons-ça sur le compte de leur jeune âge et de leur inexpérience). La scène du supermarché en est un autre exemple flagrant, qui pourtant partait d'une idée assez marrante, où la caissière déverse au final un flot d'insultes sans réussir un instant à faire croire à son personnage et à sa réaction plus qu'excessive tant elle en fait des tonnes. A côté de ça, Amalric donne des rôles à quelques uns de ses amis quant il n'en donne pas un à la rédactrice en chef de « Première » (peut-être que cela aide à avoir de bonnes critiques ?).

            Vu comme ça, le film semble être une catastrophe complète. Quand même pas. Il en ressort quelques moments touchants et entrainants, mais la plupart demeurant les trop rares numéros de la troupe du « New Burlesque ». Ces femmes, quand elles ne sont pas écartés au profit du « martyr » de Joachim, arrivent à transmettre une énergie et un humour plus que communicatifs qui sauvent plus d'une fois Tournée. Néanmoins, à cause du détournement de l'histoire sur Joachim, certaines des cinq femmes ne sont pas assez présentes pour être assez bien écrites. Celle qui s'en tire le mieux est Mimi Le Meaux (jouée par Miranda Colclasure) puisqu'elle est en fait la femme dont s'éprend Joachim. Tournée redevient intéressant lorsqu'il s'intéresse à la déception de ces femmes qui rêvent de la France et du glamour illusoire de Paris, image par laquelle Joachim les a amené à quitter leur pays natal. A ce moment-là, Tournée devient un film un peu mélancolique, pessimiste, presque dépressif, mais arrive juste à temps à redresser la barre avec un peu d'humour et une pointe d'optimisme de la part des cinq demoiselles.

            Cependant il est difficile de ne pas se sentir déçu par ce que la critique avait considéré comme le film le plus énergique, drôle et jubilatoire de ce dernier festival de Cannes ; ce qui en dit assez long du niveau de la Sélection cette année. En fait, Tournée peu s'apparenter au très encensé Watchmen - Les Gardiens de Zack Snyder sorti l'année précédente : intéressant et potentiellement riche par le sujet et le « monde » qu'il présente mais qui pâtit d'une réalisation et d'une écriture pas à la hauteur, qui en reste au minimum syndical, voire qui s'en détourne.

* * * * *                                                                                                   

 - Film italien sorti le 16 juin 2010

 - Réalisé par Giuseppe Tornatore

 - Avec Francesco Scianna, Margareth Madé, Nicole Grimaudo,…

 - Comédie dramatique

            Surnommée Baaria par ses habitants, cette petite ville de la province de Palerme est le théâtre d'une saga familiale qui s'étend sur trois générations. Des années 30 aux années 80, de Cicco à son fils Peppino, et à son petit-fils Pietro, Baaria nous entraîne dans une odyssée peuplée de personnages habités par des passions et des utopies qui les imposent comme de véritables héros. A travers leurs amours, leurs rêves et leurs désillusions, cette fable drôle et nostalgique dresse le portrait d'une petite communauté sicilienne, microcosme où se joue une comédie humaine universelle. Durant la période fasciste, sa condition de simple berger laisse à Cicco la liberté de s'adonner à ses passions : les livres, les poèmes épiques, les grands romans d'amour populaires. Son fils Peppino va être le témoin de la famine et des injustices perpétrées pendant la Seconde Guerre mondiale qui le pousseront à s'engager politiquement...

            Le nouveau film de Giuseppe Tornatore a comme particularité d'être le premier film italien à avoir ouvert, en septembre dernier, la Mostra de Venise depuis près de vingt ans. Il y avait reçu un accueil des plus mitigé et sa situation ne s'était pas vraiment arrangée lorsqu'il fut choisi pour représenter l'Italie aux Oscars, au détriment du Vincere de Marco Bellocchio considéré comme bien meilleur. En plus d'une distribution sur le territoire français encore une fois assez médiocre pour un film d'une telle ampleur, rien de moins que 25 millions d'euros de budget, Baaria a reçu un accueil critique désastreux (mon petit doigt me dit que la présence d'une certaine Marina Berlusconi et, indirectement, de son célèbre et controversé père à la production n'y est pas pour rien).

            Le résultat est certes un brin pompeux mais c'est le sujet qui l'appelait avant tout (cette surstylisation et cette démesure ne sont pas qu'imputables à la famille Berlusconi). Il est sûr que retracer l'histoire de trois générations et l'évolution sur une cinquantaine d'années d'un petit village sicilien en une ville importante ne peut pas se faire de manière convaincante par le biais du film intimiste et statique.  Alors oui ça bouge, ça court, ça hurle, ça rit, ça en fait des tonnes mais c'est pour mieux illustrer la formidable énergie et symbiose qui règne dans cette communauté sicilienne en perpétuelle expansion. C'est en même temps de cette façon que le film, qui dure près de deux heures et demie, ne sombre pas dans une forme d'inertie. Par la liberté que lui donnait ce gros budget, Tornatore réussit à représenter de façon particulièrement fidèle l'atmosphère de la région. D'abord par des décors très réalistes, certaines rues étant parfois complètement reconstruites, mais aussi par les paysages et le climat éprouvant qui s'y dégage (agréables souvenirs de films plus anciens avec une ambiance similaire comme Le Guépard de Visconti ou la trilogie du Parrain, et particulièrement l'intermède sicilien du premier opus).

            L'originalité du film de Tornatore est aussi d'avoir confié à des inconnus les rôles principaux et d'avoir donné à des acteurs plus connus en Italie des seconds rôles voire de quasi apparitions (à ce titre il est à se demander si la figuration de Monica Belucci se veut être un gag). Le fil rouge de l'intrigue, celui par qui est vu l'histoire, c'est Peppino qui est brillamment et majoritairement interprété par Francesco Scianna. Baaria c'est un peu un film sur sa vie, un faux-biopic sur une personne qui n'a jamais existé. Quoique... Comme dans son chef d'oeuvre Cinéma Paradiso, Baaria est en fait un film semi-autobiographique où Giuseppe Tornatore puise dans bon nombre de ses souvenirs, en plus du fait qu'il soit né à Bagheria ou autrement dit Baaria en sicilien. De même dans ces deux films, l'histoire se déroulant sur toute une vie a pour arrière-plan l'évolution de la Sicile. On peut aussi noter que le personnage principal a une passion pour le cinéma, tout comme Salvatore, le personnage principal de Cinéma Paradiso. Une séquence de Baaria semble même un hommage littéral au film qui révéla Tornatore : Peppino emmenant son fils pour la première fois au cinéma, découverte qui sera pour ce dernier une expérience tellement marquante qu'on le verra plus tard en train de collectionner des tickets d'entrées. Difficile de ne pas y voir un clin d'oeil à la relation qu'entretenait Salvatore avec le projectionniste Alfredo. Parmi tous ces personnages, il y en aurait près de deux cents, tous n'ont évidemment pas le même traitement mais on notera les belles prestations de Margareth Madé et d'Angela Molina dans le rôle de la vieille fille Sarina.

            On en vient justement à la limite du film de Tornatore, limite qui n'altère cependant que légèrement Baaria. Le problème d'un tel sujet est ici sa trop grande ambition. Tornatore ne peut complètement traiter en deux heure trente plus d'un demi siècle d'histoire familiale et d'évolution de la société sicilienne, avec en arrière plan rien de moins que celle de toute l'Italie. Il en résulte un aspect parfois un peu trop feuilletonnesque, segmenté où Tornatore utilise un peu trop souvent des ellipses et des fondus en noir. Dans le trop d'ambition, Ennio Morricone livre aussi une bande son, certes très belle, mais bien trop présente et appuyée, au risque de noyer à certains moments le long-métrage. Cependant l'émotion et la beauté du film demeure heureusement le plus souvent intact. De ce portrait d'un communiste convaincu mais qui ne réussira jamais sa carrière politique qui l'obsédait tant et qui sera bien trop souvent rattrapé par la réalité se dégage une forme de nostalgie du passé sans pour autant condamner le présent et le futur, un peu comme dans le récent L'Illusionniste. La fin en est particulièrement éloquente : les fantômes des anciens habitants « hantent » les fondations et les rues de Bagheria désormais ville moderne. Cette fin n'est d'ailleurs pas sans rappeler celle d'un grand chef d'oeuvre d'un des plus grands réalisateurs italiens, Le Dernier Empereur de Bernardo Bertolucci, où le fantôme de Pu Yi continuait à sillonner une Cité Interdite devenue un musée pour touristes. Et la mouche cachée des années durant dans la toupie de Pietro, le fils de Peppino, qui en ressort miraculeusement indemne fait évidemment écho au criquet de l'empereur chinois qui ressort de sa boite des décennies plus tard.

            Tornatore livre donc un beau film émouvant, émaillé des souvenirs de son auteur et d'épisodes  révélateurs du folklore et des traditions siciliennes, tout en étant une intéressante étude de l'évolution d'une ville à laquelle le réalisateur semble évidemment très attachés. Comme Scorsese l'avait fait pour sa ville natale dans Gangs of New-York, Giuseppe Tornatore fait une jolie déclaration d'amour à la ville qui l'a vu naître. Un hommage, certes parfois maladroit et trop ambitieux, mais qui n'en est pas moins profondément touchant, captivant, romanesque, exotique, typique et pourtant tellement universel.

* * * * *                                                                                            

 - Film français sorti le 16 juin 2010

 - Réalisé par Sylvain Chomet

 - Avec Jean-Claude Donda, Edith Rankin

 - Animation

            A la fin des années 50, une révolution agite l'univers du music-hall : le succès phénoménal du rock, dont les jeunes vedettes attirent les foules, tandis que les numéros traditionnels - acrobates, jongleurs, ventriloques - sont jugés démodés. Notre héros, l'illusionniste, ne peut que constater qu'il appartient désormais à une catégorie d'artistes en voie de disparition. Les propositions de contrats se faisant de plus en plus rares, il est contraint de quitter les grandes salles parisiennes et part avec ses colombes et son lapin tenter sa chance à Londres. Mais la situation est la même au Royaume-Uni : il se résigne alors à se produire dans des petits théâtres, des garden-parties, des cafés, puis dans le pub d'un village de la côte ouest de l'Ecosse, où il rencontre Alice, une jeune fille innocente qui va changer sa vie à jamais...

            Après quelques semaines assez dénués de sorties un tant soit peu intéressantes, L'Illusionniste arrive comme une bouffée d'air frais. Pour plusieurs raisons. D'abord c'est un film d'animation français, ce qui est suffisamment rare pour ne pas passer à côté. Il est en plus franchement réussi. Et enfin il est adapté à partir d'un scénario vieux de cinquante ans de Jacques Tati et qui n'a jamais pu être porté à l'écran. Convaincu par la femme de ce dernier, Sylvain Chomet a accepté de le réaliser par le biais du dessin animé, le meilleur support pour ce script selon elle.

            Si L'Illusionniste était assez attendu c'est certes parce qu'il a été souvent repoussé mais aussi parce que Sylvain Chomet a réalisé en 2003 Les Triplettes de Belleville. Et bonne nouvelle, L'Illusionniste répond à presque toutes les attentes qu'on avait placé dans le projet. D'un point de vue esthétique d'abord. Le film de Chomet, fait de manière « artisanale » c'est-à-dire en 2D, révèle une finesse et une simplicité dans le dessin qui le rend immédiatement séduisant. Les décors sont à la fois détaillés, assez réalistes pour paraitre suffisamment crédibles tout en gardant une certaine fantaisie inhérente au sujet et au héros du film. Que ce soit les landes écossaises cachées dans un brouillard mystérieux, région que Chomet connait d'ailleurs plutôt bien, ou les paysages et les décors rétros de la ville d'Edimbourg, l'atmosphère que dégage le long-métrage n'est justement pas sans rappeler celle que dégageaient les comédies et les drames français de la fin des années 50. En plus de la simplicité du dessin, l'universalité du film de Chomet vient aussi du peu de dialogue, les personnages baragouinant un anglais et un français volontairement incompréhensible dont n'émergent que quelques mots aidant à comprendre l'intention. De même ce peu de dialogue amène Chomet à favoriser un comique d'image comme avec les séquences mettant en scène le lapin du magicien. Ce comique est évidemment celui de Tati mais aussi celui d'acteur comme Chaplin ou Buster Keaton ; c'est en cela que L'Illusionniste peut rappeler la première demi-heure de Wall-E qui, loin d'être muette, était dénué de tout dialogue.

            Cependant L'Illusionniste n'est pas vraiment un film principalement destiné aux enfants. D'abord pour son rythme et sa mise en scène. Le long-métrage étant assez lent mais surtout réalisé de manière un peu trop classique et statique (trois ou quatre travelings sur ces une heure quarante et qui semblent malheureusement bien trop décalés par rapport au reste). Certes ce parti pris est un hommage aux films de l'époque mais il entraine quelques baisses de régime lorsque la trame fait un peu du surplace. Le jeune public pourra aussi être désarçonné par l'humour qui y est relativement peu présent et pas forcément des plus « efficaces » (dans le sens qu'il est plus dans le non-dit et l'imagé que dans le gag direct, les clins d'oeil, etc... d'un film comme Shrek ou des autres productions animé du type de celles produites par Dreamworks). Et le film de Chomet est avant tout un long-métrage nostalgique qui s'intéresse principalement à la vieillesse, ce qui le rapproche assez de la mélancolie de Là-haut. Il illustre aussi sur le passage, parfois difficile, d'une génération à une autre. D'un côté Tatischeff, le vieux magicien clairement identifié comme Tati lui-même que ce soit par son physique, ses attitudes, sa démarche... Chomet pousse ce parallélisme à un tel point que, dans une formidable mise en abime, il fera entrer son héros dans une salle de cinéma où il verra son vrai double à l'écran lors d'une projection de Mon Oncle. Ce magicien peine à continuer son métier passé de mode face à un nouveau public plus passionné par le rock (le groupe Britoons qui singe allègrement les Beatles). C'est donc le récit d'un homme qui lutte pour ne pas être jeté de la société et qui s'acharne à s'adapter à ce monde qu'il ne comprend plus et qui ne le comprend plus.

            Sans jamais tomber dans un passéisme qui en ferait un film uniquement pour le troisième âge, L'Illusionniste garde au contraire une certaine forme d'espoir. Certes le magicien n'aura pas droit à son retour triomphal, à sa « résurrection » et il écrira même vers la fin du long-métrage à sa protégée que les magiciens n'existent pas. Mais cet espoir s'incarne dans le personnage d'Alice qui va évoluer aux côtés du magicien dont elle semble fascinée. Venant d'un village perdu dans la lande écossaise, elle s'affirme peu à peu comme une citadine modèle après son déménagement à Edimbourg. Elle cherche d'abord à ressembler aux mannequins qu'elle croise dans les magasins et elle y parviendra à un tel point qu'elle deviendra un modèle pour les nouvelles arrivantes (scène sublime où la situation est enfin renversée : Alice après avoir admiré et envié de nombreuses femmes chics est enfin à son tour regardé avec envie par une jeune fille qui vient visiblement de la campagne). La dernière étape pour elle sera de se dégager de l'aile protectrice du magicien pour enfin vivre sa propre vie et quitter ce monde de l'enfance où elle restait émerveillée par la magie et qui pensait, jusqu'au mot décisif de Tatischeff, que les magiciens existaient vraiment. Elle décide de vivre avec quelqu'un d'aussi jeune qu'elle, s'émancipant enfin de sa relation père/fille avec Tatischeff, laissant seul ce dernier qui accepte de partir pour la laisser libre mais symbolisant surtout ce passage définitif d'une nouvelle génération.

            L'Illusionniste est donc un film réussi qui, sous son apparence de simplicité sur la forme mais aussi sur la trame principale, parvient à dégager des thématiques vraiment matures et mélancoliques sans jamais se départir d'une certaine forme d'optimisme doublé d'une bande son des plus élégantes composée par Chomet lui-même. A l'inverse de ce que croit le personnage principal, L'Illusionniste nous prouve que les magiciens existent bien.

* * * * *                                                                                                   

 - Film français sorti le 05 mai 2010

 - Réalisé par Gaspar Noé

 - Avec Nathaniel Brown, Paz de la Huerta, Cyril Roy,…

 - Fantastique, Drame

            Oscar et sa soeur Linda habitent depuis peu à Tokyo. Oscar survit de petits deals de drogue alors que Linda est stripteaseuse dans une boite nuit. Un soir, lors d'une descente de police, Oscar est touché par une balle. Tandis qu'il agonise, son esprit, fidèle à la promesse faite à sa soeur de ne jamais l'abandonner, refuse de quitter le monde des vivants. Son esprit erre alors dans la ville et ses visions deviennent de plus en plus chaotiques et cauchemardesques. Passé, présent et futur se mélangent dans un maelstrom hallucinatoire...

            Le nom de Gaspar Noé a résonné dans toutes les oreilles en 2002. C'est avec son Irréversible que le Festival de Cannes avait eu cette même année l'un des plus grands scandales de son histoire : violence extrême, scènes de sexe explicites, défonçage de crâne avec un extincteur, viol en plan fixe et en temps réel,... Mais depuis plus grand-chose. Il y a pile un an, il présentait enfin, dans une copie largement imparfaite, son souvent repoussé Enter the Void (un temps bêtement traduit par « Soudain le vide » qui avait fait la joie de nombreux critiques de la presse). Projeté à la fin d'une sélection qui s'était révélée très riche et s'étant fait volé le statut de « scandale de Cannes » par l'Antichrist de Lars Von Trier, le film de Noé était passé dans l'indifférence générale. Il a donc fallu un an pour que Noé puisse enfin sortir le fameux film dont il rêve depuis près de vingt ans.

            Disons-le tout de suite : l'intérêt d’Enter the Void n'est sûrement pas dans son histoire. En effet, Noé « adapte » « Le Livre tibétain des Morts » ou « Bardo Thödol », c'est-à-dire qu'il essaye de faire vivre au spectateur l'expérience de la mort telle qu'elle est décrite dans le livre ; une séquence dans les escaliers permet d'ailleurs à un des protagonistes d'en résumer les différentes étapes afin que le public ne se sente pas perdu durant les deux heures qui vont suivre. Sujet oblige, le film est donc obligatoirement vu à la première personne, le spectateur devenant pendant deux heures et demie cet Oscar. C'est là où Enter the Void atteint sa première limite : il est assez difficile (ou désagréable) de s'identifier et de s'attacher à un jeune junkie ni très subtil et encore moins intelligent. De ce point de vue, la virtuosité est vraiment technique puisqu'elle amène de nombreux et brillants plans séquences. La première demi-heure en est le meilleur exemple : un très long plan séquence subjectif entrecoupé d'une belle scène de trip lorsqu'Oscar se retrouve sous acide. La voix off, c'est-à-dire le monologue intérieur d’Oscar, est travaillée de manière à lui donner une sonorité particulière et Noé pousse le vice jusqu'à recréer les battements de paupières de manière constante. Cette audacieuse introduction, qui rappelle celle du film Strange Days de Kathryn Bigelow, est aussi le moyen de présenter tous les personnages qui vont émailler les très nombreuses visions d'Oscar après son exécution. Ce plan s'achève évidemment brutalement avec la mort d'Oscar par une balle de la police venue l'arrêter ; illustrant parfaitement le thème de prédilection de Noé : le risque de tout perdre en un instant.

            Jusque là on est plutôt convaincu par l'audace et la maîtrise de Noé, et ce, même avant le premier long « plan » du film. Afin de faire entrer le spectateur dans l'ambiance de son long-métrage, Gaspar Noé le commence par un générique de début (qui fait aussi office de celui de fin) assez particulier et génial : complètement pop, effréné et à effets stroboscopiques et épileptiques, il fait évidemment écho au générique et à la fin d'Irréversible. Mais c'est après la mort d'Oscar que le film « commence » vraiment et c'est à partir de là que l'on commence à être partagé. Encore une fois du côté technique c'est absolument irréprochable. Les images sont sublimes, audacieuses, envoutantes et elles sont doublées d'une bande son vraiment prenante. Tout y est pour plonger le spectateur dans une ambiance troublante et viscérale. Pendant ces deux heures et demie on ne cesse d'être secoué, que ce soit par les plans aériens tourbillonnants au-dessus d'un Tokyo fantasmagorique, par la tristesse bouleversante de Linda (jouée par Paz de la Huerta, tantôt émouvante, tantôt exaspérante) après la mort de son frère, par la violence de certaines séquences... Ce dernier aspect peut d'ailleurs rebuter un certain nombre de spectateurs car si cette violence n'atteint pas le niveau de celle d'Irréversible elle est d'un extrême réalisme ; parfois pas loin de la complaisance lorsque Noé nous ressert pour la troisième fois le flashback traumatique de l'accident qui tua les parents des deux héros. Cette mise en scène audacieuse s'essouffle aussi à un moment, lorsqu'Oscar survole la ville pour observer sa soeur essayant de faire son deuil. La répétition du même schéma, qui est certes logique par rapport aux différentes étapes de l'au-delà énumérés au début du film, finit par lasser sérieusement, d'autant plus que certaines séquences étaient assez dispensables (notamment la scène de l'avortement et la scène de sexe saphique avec Linda). C'est dans cette partie que le film aurait grandement mérité d'être raccourci d'une petite demi-heure. Mais Noé se rattrape lors des vingt dernières minutes en nous offrant entre autres un plan séquence, que n'aurait pas renié Brian de Palma et qui semble tout droit sortir de son Snake Eyes, où la caméra se balade au-dessus des pièces multicolores d'un Love Hôtel et où l'on assiste aux ébats sexuels variés d'un grand nombre de couples.  

            A l'instar du récent Avatar de Cameron mais surtout du 2001 : L'Odyssée de l'espace de Kubrick qui est le modèle de Gaspar Noé, Enter the Void revendique avant tout son appartenance au cinéma « de la sensation ». Mais là où Avatar proposait en plus une intrigue classique mais très riche et construite et où 2001 amenait à une très forte réflexion philosophique et métaphysique sur l'Homme et sa place dans l'Univers, Enter the Void apparait comme étant au final d'une certaine vacuité. Son plus grand défaut est sans nul doute qu'une fois après avoir vécu l'expérience de ce trip, une seconde vision n'est absolument pas nécessaire, voire pourrait même être préjudiciable au film. Car une fois la découverte passée que reste-il ? Le peu d'histoire se retrouve concentré dans une petite demi-heure où Oscar, après avoir été tué, revoit en flashbacks désordonnés des morceaux de son ancienne existance. C'est ce passage qui permet surtout de donner une certaine épaisseur aux personnages présents directement ou indirectement dans le plan séquence initial. C'est aussi cette partie du film qui permet d'étoffer l'élément central d'Enter the Void, c'est-à-dire la relation entre Oscar et sa soeur (leur traumatisme commun, leur « pacte de sang » leur interdisant de se séparer, leur sentiments ambigus,...). Mais rapidement le film finit par tourner à vide en enchainant des séquences assez agaçantes de puérilité : l'inévitable scène du gosse qui découvre ses parents en train de faire l'amour ; une transition (très) maladroite entre un ébat sexuel et un allaitement ; une scène où Noé, pour instaurer le doute chez le spectateur au sujet de la relation entre Oscar et Linda, ne trouve rien de mieux que de montrer le premier en train de renifler les culottes de la seconde ;... C'est un peu là où réside tout le paradoxe de Noé : son indéniable et formidable audace technique et sa grande faiblesse d'écriture ; sa tendance au voyeurisme et à la « provocation » gratuite (le gros plan sur le foetus avorté, le plan « subjectif » du pénis pénétrant dans un vagin) qui cache en fait une véritable naïveté voire une certaine forme de romantisme. Le meilleur exemple de ce paradoxe réside dans la fin d'Enter the Void où toute cette violence, cette tristesse, cette souffrance souvent insoutenable et dérangeante s'achève par un coït sublime permettant la réincarnation d'Oscar.

            Avec ce film, Gaspar Noé aurait pu frôler le chef d'oeuvre.  Mais Enter the Void pâtit de son parti pris : être un « gigantesque plan séquence subjectif ». Et qui dit plan séquence dit aussi une certaine forme de temps réel, et ce, même si Noé s'amuse à brouiller le passé, le présent et le futur tout comme il se délecte aussi à brouiller l'espace. Et outre l'aspect technique réussi de cette démarche cela nous amène à assister à de longues séquences parfois inutiles, comme lorsque l'on est obligé d'assister aux ébats interminables entre Linda et son petit ami pour que la première apprenne enfin la mort de son frère. Mais si la finalité du film nous apparait comme assez vaine, on en demeure cependant pas moins impressionné par l'audace du film, faisant d'Enter the Void le film (français) le plus suicidaire et audacieux de ces dernières années.

* * * * *                                                                                               

 - Film britannique sorti le 21 avril 2010

 - Réalisé par Matthew Vaughn

 - Avec Aaron Johnson, Nicolas Cage, Chloe Moretz,…

 - Action, Drame

            Dave Lizewski est un adolescent gavé de comics qui ne vit que pour ce monde de super-héros et d'incroyables aventures. Décidé à vivre son obsession jusque dans la réalité, il se choisit un nom - Kick-Ass - se fabrique lui-même un costume, et se lance dans une bataille effrénée contre le crime. Dans son délire, il n'a qu'un seul problème : Kick-Ass n'a pas le moindre superpouvoir... Le voilà pourchassé par toutes les brutes de la ville. Mais Kick-Ass s'associe bientôt à d'autres délirants copycats décidés eux aussi à faire régner la justice. Parmi eux, une enfant de onze ans, Hit Girl et son père Big Daddy, mais aussi Red Mist. Le parrain de la mafia locale, Franck D'Amico, va leur donner l'occasion de montrer ce dont ils sont capables...

            Repoussée un long moment notamment à cause d'une production mouvementée par des studios trop frileux, l'adaptation du comics « Kick-Ass » a réussi à voir le jour de manière complètement indépendante permettant ainsi une liberté totale au réalisateur Matthew Vaughn. Et à la différence du tout récent Adèle Blanc-Sec de Luc Besson, Vaughn réussit haut la main son adaptation de bande dessinée.

             Le réalisateur britannique a pour le moment signé un parcours sans faute : Stardust, le mystère de l'étoile, un film fantastique pour enfants assez réussi et surtout le très sous-estimé à sa sortie Layer Cake, film de gangster fortement inspiré des longs métrages de Martin Scorsese et qui offrait l'un des meilleurs rôles à l'actuel James Bond, Daniel Craig. Avec Kick-Ass il s'attaque au film de super-héros, genre très en vogue depuis les grandes réussites que sont X-men de Bryan Singer et surtout la trilogie Spider-man de Sam Raimi. Cette dernière est l'une des inspirations principales du film tant par la voix off du jeune héros, omniprésente et parfois agaçante, que par le personnage lui-même, ersatz de Peter Parker, complètement maladroit et timide avec les filles entre autres. Mais à l'instar du Inglourious Basterds de Tarantino et du Avatar de Cameron, il est impossible de limiter Kick-Ass à un genre tant les tonalités varient d'une séquence à l'autre, voire carrément d'un plan à l'autre. Car Kick-Ass est aussi une comédie fortement inspiré des « teen movies » à l'américaine, un film d'action avec ses séquences de bagarres et de fusillades, un « revenge movie » avec la quête meurtrière de Big Daddy et de Hit Girl, un drame lors de certaines séquences plus intimistes et introspectives… 

            Ce mélange des genres plutôt inhabituel dans les « films de super-héros », que l'on a tendance à penser tout public, peut surprendre voire rebuter. A l'image de cette séquence du film où Kick-Ass décide pour la première fois de passer à l'action en combattant deux voleurs de voitures. Le début du combat est d'une violence surréaliste, complètement fun, la rendant agréable et amusante, à l'image de la séquence qui ouvre le film où l'on voyait un super-héros s'élançant courageusement d'un gratte-ciel avant de violemment s'écraser sur la voiture tout en bas. En un plan le ton change : Kick-Ass s'aperçoit que l'un des deux brigands lui a planté un couteau dans le ventre. La panique et l’horreur s'installe et alors que Kick-Ass tente de s'échapper, n'ayant plus trop conscience de ce qui se passe, il se fait violemment renverser par une voiture. Kick-Ass est un projet marginal et c'est ce qui l'a rendu difficile à monter et à financer. C'est un film qui se veut fun, amusant, surréaliste, excessif (notamment dans ses scènes de violence) et qui contrebalance cet aspect par des séquences plus ancrée dans la réalité et plus dérangeante. Vaughn cherche, et réussit, à ne pas faire tomber son long-métrage dans la caricature excessive et jouissive en rappelant souvent que dans la réalité cela ne se passe pas aussi bien. Le personnage qui bénéficie le plus de ce double traitement, et à qui il est nécessaire d'ailleurs, est la désormais fameuse Hit Girl ; personnage qui était d'ailleurs la raison principale du refus des studios de produire le film qui souhaitaient le supprimer du scénario. Car s'il est super jouissif et drôle de voir une gamine de sa taille découper des adversaires quatre fois plus haut qu'elle, il est important de rappeler aux spectateurs que ce qu'il regarde est aussi extrêmement dérangeant : à la fin du film c'est quand même une fillette qui se fait violemment frapper au visage par un adulte (d'où une nécessaire déréalisation pour ne pas faire tomber non plus le film dans l'abjection et la complaisance).

            D'un point de vue plus technique, le film se révèle très inspiré. Si les costumes, les décors et les effets spéciaux sont plutôt réussis, ce n'est pas le point le plus fort de Kick-Ass. Son premier avantage est sa réalisation dynamique et audacieuse (dont la séquence magistrale où Hit-Girl tente de sauver son père et Kick-Ass des griffes de tortionnaires mafieux est l'apogée), là où la majorité des films de ce type sont filmés avec un académisme assez navrant. Le metteur en scène auquel on pourrait rapprocher le style de Vaughn dans Kick-Ass est évidemment Quentin Tarantino, par le nombre de référence à la « sous-culture », par sa séquence animée façon Kill Bill, mais aussi par la reprise de musiques et de chansons pour accompagner les séquences (dont une de Ennio Morricone tiré de Et pour quelques dollars de plus de Sergio Leone). Cela dit, Vaughn refait quelques allusions à Martin Scorsese en reprenant la scène culte de Taxi Driver (dont le héros Travis adoptait une démarche semblable au personnage de Kick-Ass : échapper à sa condition minable en accomplissant un acte « héroïque » aux yeux de tous mais qui se révèle quelques peu réactionnaire) ou encore avec le plan final, rappelant Les Affranchis, voyant un des personnages tirer sur le spectateur. Si la plupart des acteurs sont très convaincant, dont un Nicolas Cage délirant enfin revenu à son niveau d'antan, la vraie révélation du film, et déjà de l'année, est Chloe Moretz. Au même titre, l'année dernière, que Sam Worthington dans Terminator Renaissance ou Christoph Waltz dans Inglourious Basterds, elle efface à un tel point ses partenaires que, tout comme Tom Cruise dans Entretien avec un vampire, on finit par presque s'ennuyer lorsqu'elle n'est pas à l'écran. Nul doute que l'on a devant nous une future Natalie Portman qui avait débuté sa carrière avec le rôle de Mathilda, une jeune fille qui voulait devenir tueuse à gage, dans le film Léon de Luc Besson. De même Kick-Ass est aussi l'occasion de revoir l'un des meilleurs acteurs apparus sur les écrans ces dernières années : Mark Strong (et son emploi du temps est chargé avec prochainement rien de moins que Robin des Bois de Ridley Scott, A marche forcée de Peter Weir, The Eagle of the Ninth de Kevin Macdonald, Green Lantern de Martin Campbell et John Carter of Mars d'Andrew Stanton).

            Mais Kick-Ass est avant tout une relecture, une analyse de ces mythes modernes que sont les super-héros. Après les deux films de Christopher Nolan, Batman Begins et The Dark Knight, et l'adaptation de Watchmen - Les Gardiens par Zack Snyder, le cinéma continue à s'interroger sur ces « surhommes ». Sont-ils de grands héros que l'on doit « vénérer » ? En sauvant et parfois tuant arbitrairement, même pour le bien, ne deviennent-ils pas les porte-étendards d'une justice arbitraire au-dessus des lois ? Un homme qui porte un masque et un costume pour chasser le crime peut-il être autre chose qu'un être dérangé ? Après tout Big Daddy n'est pas un sosie de Batman pour rien. Il est porteur d'un violent traumatisme qui l'entrainera dans une vendetta personnelle qu'il fera passer pour l'accomplissement de la justice, tout comme le héros de Bob Kane mais aussi Spider-man. D’'ailleurs un super-héros peut-il exister dans la vie réelle et sans son essence même que sont les superpouvoirs ? C'est tout le parcours de Dave qui reculera à chaque fois face au danger bien trop fort pour lui. Kick-Ass est une lutte entre le fantasme ultime d'un geek mal dans sa peau qui se rêve l'idole de tous, le défenseur de la justice contre le crime et surtout le petit ami de la plus belle fille du lycée qu'il n'aurait jamais dû pouvoir se faire dans la vie réelle, et la réalité bien plus violente où l'imaginaire n'a plus vraiment sa place. Ce réel sans espoir, ni droiture, ni fantaisie est personnifié par le « bad guy » D'Amico (Mark Strong) qui refuse de voir l'amour de son fils pour les comics et qui déteste férocement tous les super-héros. D'où un final hystérique et excessif en totale opposition avec le ton du film afin de souligner la victoire définitive de Dave sur ce réel devant lequel il avait toujours reculé et qui l'avait empêché de s'accomplir définitivement en tant que super-héros. 

            Kick-Ass est donc un film de super-héros surprenant, à la fois amusant et prenant tout en se révélant bien plus profond par son analyse de cette « sous-culture » devenue incontournable. Mais de toute façon il faut impérativement voir ce film subversif pour son personnage génial de Hit-Girl. Subversif au point même de faire d'une fillette de onze d'apparence tout à fait respectable le personnage le plus « badass » de ces dernières années.

* * * * *