- Titre original : Balada Triste De La Trompeta

 - Film espagnol sorti le 22 juin 2011

 - Réalisé par Alex de la Iglesia

 - Avec Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang,…

 - Drame, Comédie, Guerre 

              Dans l'enceinte d'un cirque, les singes crient sauvagement dans leur cage tandis qu'à l'extérieur, les hommes s'entretuent sur la piste d'un tout autre cirque : la guerre civile espagnole. Recruté de force par l'armée républicaine, le clown Auguste se retrouve, dans son costume de scène, au milieu d'une bataille où il finira par perpétrer un massacre à coup de machette au sein du camp national. Quelques années plus tard, sous la dictature de Franco, Javier, le fils du clown milicien, se trouve du travail en tant que clown triste dans un cirque où il va rencontrer un invraisemblable panel de personnages marginaux, comme l'homme canon, le dompteur d’éléphants, un couple en crise, dresseurs de chiens mais surtout un autre clown : un clown brutal, rongé par la haine et le désespoir, Sergio. Les deux clowns vont alors s'affronter sans limite pour l'amour d'une acrobate, la plus belle et la plus cruelle femme du cirque : Natalia...

            Le dernier film de l'espagnol Alex de la Iglesia est tourné depuis quelques temps et a reçu dans le territoire ibérique un véritable triomphe critique et public. Il a aussi fait le tour des festivals et y a remporté un franc succès, notamment lors du dernier festival de Venise où il a reçu le Lion d'Argent des mains de Quentin Tarantino. Il arrive enfin sur les écrans français, à une période fort peu opportune puisque, l'été étant arrivé, ces dernières semaines voient la venue des blockbusters américains. Et cela ne fera qu'accentuer le caractère « ovniesque » de ce film furieux.  

            Allons directement à l'essentiel : Balada Triste est un très grand film. Un film pas forcément facile à voir, à appréhender mais qui est essentiel, incroyablement audacieux, énergique et outrancier. Alex de la Iglesia orchestre ici l'un des mélanges de genres les plus sidérants et réussis de ces dernières années. C'est tour à tour un film de guerre, un drame romanesque, une comédie (très) noire, un film d'horreur et de monstres et un « revenge movie » ponctuée de fulgurances gores assez marquantes. Balada Triste est, avec le Tree of Life de Malick, l'un des films les plus riches (d'interprétations et d'influences) sortis ces derniers mois. Mais à l'inverse du film de Malick, le long-métrage d'Alex de la Iglesia est d'une noirceur absolue. Un immense constat pessimiste, sans illusion sur la nature violente, bestiale qui se cache dans chaque être. Une monstruosité qui n'attend qu'un déclic pour se déchainer. Une fois que l'on a franchi le pas, il est bien difficile de revenir en arrière.  

            Le film se pose comme un duel tiré tout droit d'un western. Deux personnages apparemment opposés vont en effet s'affronter. Le premier est Javier, le « clown triste ». Celui-ci n'a pas eu d'enfance : il a assisté à l'horreur de la guerre, a vu son père devenir fou et a contribué à sa mort en tentant de le venger. Face à ce lourd passé, il est condamné à ne pas faire rire les enfants autrement qu'en étant humilié par le clown souriant, véritable vedette du spectacle. Ce dernier s'appelle Sergio et, bien que l'on ne sache rien de son passé, il est tout aussi sombre que son comparse. Alcoolique, très violent, vulgaire, il dispose pourtant d'un talent inné pour faire rire les enfants. Il les aime d'ailleurs véritablement. Le seul problème comme il le dit, c'est que s'il n'était pas devenu clown il serait devenu psychopathe. Les deux clowns se révèlent cependant assez similaires : volonté de dépasser et d'annihiler les souffrances et la violence qui se cache au fond d'eux par le biais de l'humour et en rendant les enfants joyeux ; amour pour une même femme ; une nature monstrueuse qui n'attend qu'un élément déclencheur pour éclater au grand jour.…  

            L'objet de convoitise est l'acrobate Natalia, jouée par la sublime Carolina Bang. Au départ elle est perçue comme une magnifique femme battue par son terrible petit ami (Sergio). Une princesse en détresse pour laquelle Javier tombe sous le charme qui va s'acharner à sauver. Mais assez rapidement, au détour d'une séquence dans un restaurant qui est la meilleure du film, Natalia se révèle bien plus ambigüe et perverse. Une femme qui aime vivre (trop) dangereusement et qui aime souffrir d'une certaine manière. Une femme qui cherche l'amour, la protection mais de préférence toujours accompagnée d'un coup de poing.  Une femme qui est attirée à la fois par le « bon » et la « brute », incapable donc de choisir sans éprouver par la suite un manque. Cela entraine inévitablement la souffrance des deux hommes. Une souffrance telle qu'elle va les transformer littéralement en monstre. La séquence en montage parallèle convoque deux figures devenues célèbres par les productions Universal des années 20 et 30. Le « loup-garou » Javier se cache dans une tanière perdue en forêt après avoir tenté de tuer Sergio et est condamné, pour survivre, à chasser et à dévorer les cerfs qu'il croise. Son long séjour dans la nature déteindra sur sa peau qui noircira. Le visage mutilé et recousu de Sergio après cette violente agression convoque la figure du monstre de Frankenstein et la scène de l'opération fait directement écho à celle de la création du célèbre monstre.  

            La note d'intention était claire dès le départ avec un générique de début énergique qui entrecroisait les photos réelles de l'Espagne franquiste (et donc des partisans de Franco) avec ceux des monstres du cinéma à l'époque (dont le loup-garou et Frankenstein). Ce n'est d'ailleurs pas pour rien que Balada Triste renvoie au très célèbre Freaks de Tod Browning. Les transformations des personnages en monstres ivre de violence se font ainsi à même la peau, Javier se taillant et se mutilant le visage afin d'avoir un masque « indélébile » (moment gore sidérant). Un masque effrayant qui marque sa chute dans la folie bestiale, la même dans laquelle était tombé son père lors d'une séquence d'introduction tétanisante et à la fin de sa vie. Le film entre alors dans sa seconde partie dans une sorte d'hystérie ultra violente, une sorte de massacre grand guignolesque particulièrement dépressif. Une immense spirale dans lequel plonge les deux personnages sans aucun espoir de retour et qui est intiée par la chanson de Raphaël, qui donne le titre au film d'Iglesia, tiré du long-métrage espagnol des années 70 Sin un adios.  

            Tout comme le magnifique Labyrinthe de Pan de Guillermo Del Toro se servait de la guerre civile espagnole comme d'un arrière-plan qui faisait écho à son histoire fantastique et au parcours de la jeune héroïne, Balada Triste insert quelques évènements historiques dans sa trame principale. Javier assistera à une bataille entre les résistants et l'armée fasciste, il rencontrera Franco et lui mordra la main (il est à ce moment littéralement traité comme un chien par un homme qui le retient prisonnier afin de se venger d'une blessure qu'il a reçu de Javier des années auparavant). Une autre scène marquante voit le clown triste en pleine démence qui assiste à l'attentat qui tua en 1973 Carrero Blanco, successeur de Franco, et que l'on attribue à l'ETA. Scène assez irréelle où l'on assiste au vol d'une voiture au-dessus d'un toit et où le clown demande aux supposés terroristes de « quels cirques ils sont ». Le monde est un manège, une foire morbide, un jeu de massacre perpétuel où les clowns, chargés pourtant de faire rire et de faire oublier le malheur qui nous entoure, tirent sur la foule à coup de mitraillette et effraient les enfants.  

            Si la mise en scène des séquences des actions est parfois un poil hasardeuse (caméra secouée et images accélérées), Balada Triste regorge de séquences oniriques marquantes. Comme ce plan où le jeune Javier qui regarde son père être emmené par les milices armées alors qu'apparait derrière lui un lion placide, ou encore ce cortège funèbre qui voit toute la troupe du cirque, dont les animaux, apporter le corps de Sergio au médecin. L'une des plus impressionnantes est le cauchemar de Javier, qui le poussera au meurtre, qui flirte avec une imagerie volontairement grotesque et outrancière. Elle est, malgré l'horreur qui s'en dégage, révélatrice de l'humour très sombre mais très efficace qui traverse le film. Un humour désespéré comme dernier rempart contre cette déshumanisation de la société ; à noter que le « running gag » avec « Ghost Rider » est assez savoureux. Cela amène Balada Triste à revêtir des allures de gigantesque farce subversive accompagnée d'une bande originale réussie et rythmée.  

            Le dernier film d'Alex de la Iglesia prend une dimension assez bouleversante dans son dernier quart d'heure lorsque cette lutte à mort arrive à son terme, entrainant avec elle un final qui ne peut être heureux. Là encore, les références cinéphiles sont très fortes puisque Iglesia convoque Alfred Hitchcock avec Sueurs Froides et La Mort aux Trousses au cours de l'ascension vertigineuse du trio sur une croix immense sous laquelle repose les cadavres des travailleurs forcés de la construire par le régime franquiste. Entre les escaliers en colimaçon et les visages démesurés des statues, les deux clowns se livrent à un affrontement effrayant pour garder la « belle ». Cette scène renvoie évidemment à cet autre classique du film de monstre qu'est King Kong. La séquence se conclue, après un apogée de démence et de violence, par une chute vertigineuse, dramatique, bouleversante qui fait définitivement basculer le film dans la plus noire des tragédies. Et les derniers plans, faisant un écho inverse aux rires des enfants qui ouvrent le long-métrage, restent parmi les plus traumatisants vus sur un écran ces derniers mois.   

            Balada Triste rejoint sans problème le panthéon des tragédies grotesques, outrancières et furieuses dans lequel on retrouve le Scarface de Brian de Palma, le U-Turn d'Oliver Stone et dans une moindre mesure le Showgirls de Paul Verhoeven. Un film d'une richesse visuelle et thématique impressionnante, qui est à deux doigts de tomber dans le mauvais goût tout en réussissant à conserver un certain équilibre, et qui propulse Alex de la Iglesia comme l'un des plus grands réalisateurs européens actuels. Une immense claque qui dresse un portrait d'une noirceur absolue de l'humanité et qui hantera pendant quelques temps le spectateur qui aura fait le bon choix d'aller dans une des petites salles qui le diffusent. Et Balada Triste confirme une chose : les clowns sont bien des monstres comme les autres. 

NOTE à 8 / 10

 - Titre original : Beginners

 - Film américain sorti le 15 juin 2011

 - Réalisé par Mike Mills

 - Avec Ewan McGregor, Mélanie Laurent, Christopher Plummer,…

 - Comédie dramatique 

              Oliver, illustrateur à Los Angeles, collectionne les ex et les déceptions amoureuses. Quand son père Hal tire sa révérence après avoir fait son « coming-out » à 75 ans et rejoint avec entrain la communauté homosexuelle, Oliver se penche sur ses relations familiales et ses échecs sentimentaux. Et il hérite d'un chien philosophe et bavard. La dépression guette. Jusqu'au jour où il rencontre Anna…

            En soi, l'histoire peu originale d'un trentenaire aisé ayant quelques talents d'artiste qui se retrouve en plein spleen après la mort de son paternel et une succession d'échecs sentimentaux n'avait à la base rien de bien séduisante. Déjà vue de façon plus ou moins lourdaude ou prétentieuse dans un millier de productions indépendantes. Pourtant Beginners est sûrement l'une de ces productions U.S. estampillé « Sundance » (soi-disant pas produites par les studios avec quelques acteurs célèbres cherchant le temps d'un film à revendiquer leur volonté de ne pas appartenir au système) les plus sympathiques de ces derniers mois.  

            La raison ne vient pas vraiment de la mise en scène. Si elle garde un certain dynamisme par quelques idées de montage plutôt inspirée, la réalisation demeure assez classique, sans grande audace technique ou visuelle. Là où le film dispose d'un sérieux atout c'est dans son scénario. Que ce soit dans sa structure, mélangeant de façon limpide le présent et les évènements passés du héros, ou dans son écriture, par le biais de dialogues justes et souvent très drôles. Beginners refuse justement un trop fort pessimisme et un réalisme sombre qui correspondrait à la dépression du personnage. Mike Mills privilégie une sorte d'ambiance rêveuse, lunaire qui fait écho au caractère naïf, inexpérimenté du jeune héros (« beginners » voulant dire « les débutants »). Un héros qui croit tout connaitre dans la vie : vie de famille complexe, déceptions amoureuse, solitude, deuil,... mais qui ressemble plus à un nouveau-né perdu qui ne comprend pas comment fonctionne le monde et les gens autour de lui.  

             Le film tient avant tout sur les épaules d'Ewan McGregor qui interprète le personnage principal qui raconte son histoire notamment par le biais d'une voix off pas trop désagréable et plutôt bien employée. Il arrive à insuffler une certaine sympathie à son personnage qui ne parait jamais arrogant ou trop égocentrique. Avec son personnage plein de faiblesses qui le rendent attachant, McGregor a rarement été aussi juste, ce qui n'est pas une mince affaire quand on voit certains de ces derniers rôles (dont The Ghost Writer de Roman Polanski). Mais il doit faire face à une rude concurrence avec Christopher Plummer qui interprète son père défunt qui, après la mort de sa femme, lui annonce qu'il est gay depuis près d'un demi-siècle. La grande prouesse de ce grand acteur qu'est Plummer c'est de ne pas jouer son rôle avec tous ces tics agaçants et grotesques que l'on affuble en général aux homosexuels. Pas de féminisation, pas une voix ou une attitude de « grande folle hystérique ». Grande sobriété donc qui amène une certaine modernité à Beginners (que l'on doit donc à l'intelligence de Plummer). Même Mélanie Laurent ne surjoue pas même si sa meilleure scène reste celle de la rencontre avec le héros alors qu'elle est temporairement muette (scène par ailleurs assez irrésistible et réussie). A noter aussi que le chien « joue » très bien et se révèle étonnamment expressif.  

            Le film joue sur l'illusion, sur ce qui est caché. Il faut un certain temps pour que l'on puisse élucider la véritable nature des personnages. Tout comme l'homosexualité du père a été gardée secrète pendant plus de quarante ans, l'identité et le passé d'Anna sera un mystère pendant plus de deux tiers du long-métrage. Le héros est aussi difficile à cerner, d'autant plus qu'il masque son malaise et ses pensées. La scène de la soirée déguisée vers le début du film le montre grimé dans son exact opposé : le docteur Freud. Soit un psychanalyste âgé alors qu'il est un trentenaire quelques peu « immature » qui serait plus à sa place sur le divan. Seuls ses dessins permettent de voir son humeur et ses pensées dépressives (et humoristiques) ; Anna utilise au départ elle-même son carnet de notes comme intermédiaire pour la communication. Le parcours du héros est, tout au long du film, celui de la « maturité », de la compréhension de l'amour et de cette vie de couple à l'encontre de laquelle il a toujours été méfiant. Que ce soit au sujet de ses parents, constamment en froid jusqu'à la mort de la mère, au sujet de la relation qu'entretien son père sur le seuil de la mort avec un garçon aussi âgé que son fils, au sujet de ses propres échecs sentimentaux et de l'appréhension de sa relation avec Anna. Comment cela fonctionne-t-il ? Question qui sera posées explicitement par le héros lors de la dernière ligne de dialogue de Beginners.    

            Le long-métrage de Mike Mills est aussi un film sur l'émancipation. Que devient-on quand nos parents meurent ? Que faire d'autant plus lorsque ceux-ci n'ont pas été de vrais modèles notamment au niveau relationnel ? Le personnage principal va devoir accepter son passé et ses démons. En premier, il doit d'abord rétablir un lien avec son père qui, autrefois continuellement absent, avait fini par disparaitre. Il doit ensuite accepter ce nouvel arrivant qu'est ce beau-père du même âge que lui et comprendre l'amour que ce dernier porte à son paternel. La dernière étape est évidemment de construire une relation durable avec Anna et de ne pas reculer comme il l'avait fait lors de ces précédentes aventures (c'est toujours lui qui était parti). Le chemin du héros doit l'amener à comprendre les actes de ses parents afin de pouvoir construire un couple en essayant d'éviter de reproduire les erreurs, les regrets de ceux-ci. Le héros doit dépasser cette peur de l'engagement qui le suit depuis son enfance et à sortir de cette solitude qui ne l'amène qu'à communiquer avec son chien. Ce dernier ne supporte d'ailleurs pas d'être séparé de son maître mais une des scènes les plus importantes et symboliques de Beginners voit le personnage principal qui se retrouve obligé de s'en séparer temporairement.  

            Le long-métrage de Mike Mills est donc une belle bouffée d'humour et d'émotions. Un film à la fois plein de tendresses, d'intelligence et de subtilités portés par des acteurs impliqués et inspirés qui ne souffre que de quelques baisses de régimes et d'un étirement en longueur un peu trop perceptible lors du dernier tiers. Mills se montre comme un metteur en scène assez prometteur, mais aussi comme un étonnant scénariste et, plus encore, comme un directeur d'acteurs brillant. 

NOTE à 7 / 10

 - Titre original : Jodaeiye Nader az Simin

 - Film iranien sorti le 08 juin 2011

 - Réalisé par Asghar Farhadi

 - Avec Leila Hatami, Peyman Moadi, Shahab Hosseini,…

 - Drame

                 Lorsque sa femme le quitte, Nader engage une aide-soignante pour s’occuper de son père malade. Il ignore alors que la jeune femme est enceinte et a accepté ce travail sans l’accord de son mari, un homme psychologiquement instable…

            Une Séparation est un véritable triomphe dans les divers festivals où il est passé, notamment celui de Berlin où il a obtenu deux Ours d'argent pour ses interprètes et l'Ours d'or, ainsi qu'un beau succès en France malgré son peu d'exposition médiatique. Une Séparation c'est aussi l'un des rares films iraniens à atteindre nos contrées. Et c'est là que réside la force du film d'Asghar Farhadi : être un reflet de l'oppression qu'exerce le régime sur ce pays meurtrie.  

            Une Séparation est un film « double ». C'est avant tout un drame intimiste sur une famille qui se déchire mais qui va cependant devoir faire face ensemble à une épreuve inattendue et douloureuse. C'est l'acceptation par la jeune fille du divorce inéluctable de ses parents. Epreuve apparemment insoutenable mais qui a avant tout pour but d'endurcir les personnages, de les faire murir. Le scénario est écrit avec une extrême minutie et précision, faisant surgir une multitude de sentiments, d'arrière-pensées jamais directement exprimées mais toujours facilement perceptibles ; le film refusant de prendre le spectateur par la main et de tout lui expliciter. On peut reprocher le rythme parfois trop lent de ce long-métrage mais sa longue exposition et ses longs silences se révèlent souvent payants, renforçant l'atmosphère anxiogène et donnant une plus grande profondeur psychologique aux différents personnages.  

            Mais le film de Farhadi peut aussi être vu sous l'angle du thriller. En effet le personnage du père, Nader, qui est brillamment et subtilement interprété par Peyman Moadi, est accusé d'avoir commis un acte aux conséquences dramatiques. Le réalisateur, de façon assez perverse et maligne, ne montrera jamais si le héros a commis cette acte, ni même s'il sait ce qu'il a vraiment fait. Le doute est omniprésent et l'on est toujours coincé dans la position du spectateur, de la fille pour être plus exact, qui observe et souffre en essayant de déterminer ce qui s'est vraiment passé. Essayer de déterminer la nature de l'autre, ce qui se cache sous ses masques qu'une pression sociale inimaginable est en train de faire voler en éclat. Une Séparation, sans trop y paraitre, est un miroir terrifiant de la société iranienne. Une société où la justice se fait de façon douteuse, dans des conditions contestables. Une société où la religion prend une trop grande place dans la vie privée et dans le rapport homme/femme.  

            Cette lutte judiciaire entre deux familles va rapidement prendre une dimension sociale. En effet celle-ci va devenir l'image d'une lutte de classe entre cette famille un peu aisée et la famille victime complètement défavorisée et démunie qui se sent persécutée. Un rapport de force très tendu, révélateur des malaises qui gangrènent la société iranienne. L'autre point fort d'Une Séparation est son refus du manichéisme. D'un côté le film est (très) loin d'être une apologie du régime mais il refuse aussi de céder dans l'excès inverse, c'est-à-dire le dénigrement systématique. Il aurait été facile, et même aveuglément acclamé par les critiques, de montrer les femmes martyrisées et victimes de ces hommes tout puissants qui ont, entre autres, la religion pour eux. Sauf que le film montre aussi des hommes fragiles, qui souffrent même s'ils acceptent souvent le système. Les femmes aussi souffrent, probablement plus, mais cette position intenable les amènent à avoir un comportement parfois très agressif à l'encontre de leur conjoint. Néanmoins il s'agit toujours de personnages forts, qu'ils soient hommes ou femmes.  

            Le film pâtit aussi de cette ambiance parfois très lourde, rendant son visionnage souvent éprouvant pour le spectateur. Mais la mise en scène est aussi assez efficace et appropriée au sujet, la caméra étant toujours proche des personnages. L'aspect réaliste de la réalisation (image pâle, caméra portée) lui confère un caractère documentaire, pris sur le vif et assez nerveux lors des confrontations parfois physiques. Les acteurs ne déméritent pas non plus et leurs récompenses sont bien justifiées. Aucun ne surjoue et préfère rester sobre dans l'ensemble afin de ne pas trop expliciter leurs personnages et garder ainsi une part de mystère, d'inaccessibilité. Cela n'empêche pourtant pas l'empathie, y compris pour le personnage colérique du mari de la femme victime. Seule la jeune actrice interprétant la fille du couple au bord du divorce n'arrive pas complètement à assurer dans son rôle (très) complexe et probablement trop grand pour elle ; cela est bien compréhensible sachant que même des adultes n'auraient pas forcément réussi à relever ce défi.  

            Malgré l'ambiance assez oppressante et le caractère très déprimant du film, presqu'intégralement dénué d'humour, et son rythme parfois en dents de scie, Une Séparation est une oeuvre des plus intéressantes et dont le relatif succès en France est à encourager surtout dans une période où notre cinéma national a perdu l'habitude de faire des films ayant une portée politique interrogeant les fondements de notre société. Un film qui tente de lier divertissement (par le biais du « thriller » et du film d'enquête), émotions (drame familial) et un certain sous-texte amenant le spectateur à remettre en question ce qu'il est et ce qu'il croit. 

NOTE à 6,5 / 10

 - Titre original : X-Men – First Class

 - Film américain sorti le 01 juin 2011

 - Réalisé par Matthew Vaughn

 - Avec James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon,…

 - Action, Fantastique

                 Avant que les mutants n'aient révélé leur existence au monde, et avant que Charles Xavier et Erik Lehnsherr ne deviennent le Professeur X et Magneto, ils n'étaient encore que deux jeunes hommes découvrant leurs pouvoirs pour la première fois. Avant de devenir les pires ennemis, ils étaient encore amis, travaillaient avec d'autres mutants pour empêcher la destruction du monde, l'Armageddon. Au cours de cette opération, le conflit naissant entre les deux hommes s'accentua, et la guerre éternelle entre la Confrérie de Magneto et les X-Men du Professeur X éclata...

            S'il y a bien une licence « Marvel » qui a souffert d'une exploitation abusive tout en n'ayant jamais eu le droit à un seul film  décent au niveau de sa mythologie, instaurée par son créateur Stan Lee, c'est celle des X-Men. Il y a certes eu deux premiers épisodes sympathiques par Bryan Singer, mais rien de très mémorable notamment au niveau des scènes d'actions. Mais la franchise a véritablement chuté avec X-Men 3, abandonné au dernier moment par Matthew Vaughn pour « différends artistiques » et remplacé au pied levé par le tâcheron notoire Brett Ratner. Puis vint le film de trop avec X-Men Origins : Wolverine de Gavin Hood. Les fans ne se sont d'ailleurs pas remis de l'insulte qu'a constituée cette production de la Fox. Le public et la critique ont été unanimes quant à la médiocrité du long-métrage, au point que le nouveau film sur le mutant griffu incarné par Hugh Jackman, The Wolverine, a pour ambition de reprendre tout depuis le départ.  

            A un degré moindre, les X-Men étaient alors dans le même état que la licence Batman après le double massacre scandaleux orchestré par l'incompétent  Joel Schumacher et avant l'arrivée salvatrice de Christopher Nolan. Même démarche que le Batman Begins : quand la recette ne fonctionne plus, il est temps d'en reprendre les bases. X-Men - Le commencement veut donc montrer l'origine du conflit qui va opposer le professeur Charles Xavier (Professeur X) et Erik (futur Magneto). Pourquoi ont-ils eu une telle divergence d'opinion ? Comment les mutants ont-ils été découverts ? Et d'où viennent quelques-uns des mutants les plus iconiques de la série (Mystique en premier lieu). Beaucoup de questions qui nécessitent ainsi un très grand retour en arrière qui ne tiendra pas vraiment compte de la cohérence avec les deux précédents « mauvais garnements ». Le but est de relancer dignement cette mythologie dans le cadre cinématographique. Si l'on se réfère aux terribles déceptions qu'ont constitué X-Men 3 et Wolverine, le film de Matthew Vaughn y parvient haut-la-main. Néanmoins si on le rapproche de l'ensemble de la production filmique mettant en scène les super-héros, X-Men - Le commencement est très loin de tutoyer les sommets atteints par Batman le défi de Burton, Spider-man 2 de Raimi ou The Dark Knight de Nolan. 

            Il faut aussi préciser que ce nouveau X-Men n'est rien de moins que le plus « mauvais » film de la courte mais prometteuse carrière de Vaughn. Cependant il faut quand même féliciter ce dernier d'avoir largement réussi à limiter les dégâts. Il faut dire que la production a dû subir de nombreuses difficultés qui auraient pu sérieusement couler le long-métrage. Il y avait en effet fort à faire entre les six scénaristes chargés de regrouper les différents scripts et projets avortés en un seul long-métrage, le tournage débutant dix mois avant la sortie en salle amenant certains effets spéciaux à ne pas être finalisés (et ça se voit malheureusement) et une campagne marketing suicidaire (photos officielles douteuses, affiches scandaleusement immondes et un nombre effarant de « teasers » qui, mis bout-à-bout, doit dévoiler au moins la moitié du résultat final). Quand on prend en compte tous ces paramètres, la réussite d’X-Men - Le commencement parait même miraculeuse. 

            Cela tient en plusieurs points. Le plus important est le fait que le film se passe presque intégralement au début des années 60, ce qui en fait l'un des premiers films de super-héros à se dérouler principalement dans le passé. Le film exploite d'ailleurs intelligemment le contexte paranoïaque de la Guerre Froide et son paroxysme atteint avec la Crise des missiles de Cuba, crise que les mutants seront chargés de désamorcer. D'un point de vue esthétique, Matthew Vaughn emprunte beaucoup à la série James Bond à l'époque « Sean Connery », ce qui lui confère une identité assez sympathique au niveau des décors et des costumes délicieusement kitsch. De même, la mégalomanie du méchant n'est pas loin de le faire passer pour un de ces « bad-guys » qu'affrontait 007 dans les premiers épisodes (celui-ci se terrant par exemple dans un sous-marin et ayant pour ambition de faire démarrer la troisième guerre mondiale). De plus X-Men - le commencement  possède un côté « globe-trotter », exotique typique des grosses productions de ces années-là, entrainant un changement constant de lieux, de pays. Il faut enfin noter l'effort, assez inattendu, fait pour le respect des langues (Kevin Bacon parlant allemand ; Michael Fassbender passant de l'espagnol au français...) notamment dans un pays réputé allergique aux sous-titres.  

            L'autre bon point est son casting plutôt bien pensé, surtout pour les quatre acteurs principaux. Kevin Bacon est absolument jubilatoire et charismatique en méchant ayant un plan démoniaque. La jeune Jennifer Laurence tout juste révélée par Winter's Bone livre aussi une prestation réussie dans le rôle de la mutante Mystique, femme bleue qui peut prendre l'apparence de n'importe qui, et qui explore un peu plus que dans les épisodes précédents son passé et sa personnalité. Reste que sa relation avec le « gentil » professeur Xavier, bien qu'intéressante, est trop survolée. De même, son changement de camp est bien vite expédié malgré quelques séquences annonciatrices (notamment une scène où elle tente de séduire Erik/Magneto et une autre où elle se montre nue, telle qu'elle est vraiment, devant un Xavier assez froid). C'est là une des particularités du film de Vaughn : le méchant est bien plus sympathique que le héros qui se révèle assez manipulateur et parfois même en contradiction avec le discours qu'il prône et soutiendra plus tard. Ce dernier, à l'inverse de beaucoup d'autres mutants, n'a en effet pas à cacher son pouvoir. Si l'excellent James McAvoy est un peu en retrait, son personnage possède ainsi une ambiguïté assez inattendue.  

            Mais la véritable star du film c'est Michael Fassbender en Magneto. D'ailleurs il est très probable que le film ait récupérée quelques parcelles des scénarios élaborés pour le film qui était prévu sur son personnage. C'est simple, toutes les meilleures scènes sont avec lui. Que ce soit l'attaque du bateau du terrible Sebastian Shaw (très « bondienne » par son ambiance), la scène de la banque suisse où il use de son pouvoir pour torturer quelqu'un en lui arrachant son plombage dentaire et surtout la vendetta très « tarantinesque » dans une auberge sud-américaine lorsque celui-ci est à la recherche d'ancien nazis. Sa relation avec Xavier est évidemment le fil rouge de ce long-métrage car elle permet de comprendre la lutte qui les opposera par la suite ainsi que la paralysie du professeur. Le futur Magneto est aussi intimement lié au méchant principal puisque ce dernier a notamment tué sa mère et s'est servi du jeune Erik comme cobaye. Et si le final est en demi-teinte, affaibli par des effets spéciaux peu convaincants et quelques combats assez mal mis en scène, Vaughn réussit à y distiller quelques audaces. Comme ce duel final entre Erik et Shaw sous forme de passation de pouvoir tandis que Xavier essaye de reprendre le contrôle psychique pour forcer son ami à ne pas assouvir sa vengeance. Ou encore cette image des missiles, retournés par Magneto contre leurs envoyeurs, pour punir ces hommes « qui ne font que suivre aux ordres », répétant les mêmes erreurs du passé.  

            X-Men - Le commencement possède ainsi en sous-texte quelques idées audacieuses, y compris dans sa mise en scène (la transformation subjective de Hank McCoy en Fauve qui rappelle une bagarre filmée de façon similaire dans le Layer Cake de Vaughn). Mais toutes ces bonnes idées sont effleurées malgré la longue durée du film. Faute d'avoir su faire des choix. Le film est donc clairement imparfait, ce qui est d'autant plus rageant car on arrive à discerner le potentiel qu'il aurait pu avoir. La victime d'une production chaotique qui arrive à demeurer attachante et divertissante. Une victime aussi de quelques choix et de scènes moins inspirés, surtout celles ayant un rapport avec les très jeunes mutants (la scène des noms étant sur le papier une bonne idée mais paraissant au final assez facile, les clins d'oeil faciles et redondants). Reste un divertissement honnête, correctement mis en boite, qui essaye d'éviter de réitérer les erreurs du passé en tirant un trait sur les deux épisodes précédent. Un film de super-héros qui cherche à se démarquer par son contexte et son atmosphère très « pulp » des sixties. Le plus mauvais film de Vaughn malheureusement, mais clairement le meilleur film sur les X-Men à ce jour. Et l'apparition surprise d'une « gest-star » arrive à racheter, en une trentaine de secondes jouissives, les années de mauvais traitement qu'elle avait subit. 

NOTE à 6,5 / 10

 - Titre original : La Conquête

 - Film français sorti le 18 mai 2011

 - Réalisé par Xavier Durringer

 - Avec Denis Podalydès, Florence Pernel, Bernard Le Coq,…

 - Comédie dramatique, Thriller, Biopic

                 Le 6 mai 2007, alors que les Français s'apprêtent à élire leur nouveau chef de l'Etat durant le second tour de l'élection présidentielle, Nicolas Sarkozy, sûr de sa victoire, reste cloîtré chez lui, en peignoir, sombre et abattu. Toute la journée, il cherche à joindre Cécilia qui le fuit. Les cinq années qui viennent de s'écouler défilent : elles racontent l'irrésistible ascension de Sarkozy, semée de coups tordus, de coups de gueule et d'affrontements en coulisse. C'est l'histoire d'un homme qui gagne le pouvoir et perd sa femme...

            Contrairement aux américains qui tentent d'exorciser au plus vite leurs « traumatismes » sur le grand écran, les Français se montrent beaucoup plus prudents dans ce qui est d'aborder des phénomènes de sociétés qui fâchent, qui plus est quand ils sont relativement récents. L'annonce du nouveau film de Xavier Durringer sur l'ascension au pouvoir de l'actuel président de la République, Nicolas Sarkozy, ne pouvait de ce fait qu'être alléchante. Peut-être est-ce alors à cause des attentes démesurées que l'on avait mises dedans qui amènent le film à être une amère déception.  

            Avec un tel sujet, La Conquête aurait dû faire l'effet d'une « bombe » cinématographique et aurait dû se montrer artistiquement à la hauteur pour marquer le coup. Hélas, la mise en scène est à peine au niveau d'un téléfilm, Durringer ayant visiblement préféré faire du « théâtre filmé », là où il aurait été plus judicieux d'y mettre du rythme et de l'audace. On peut néanmoins nuancer sa responsabilité dans cet échec car il semble avoir été bien limité par son « petit » budget. Cela donne par exemple des séquences surréalistes où, pour faire croire qu'il y a dix milles personnes dans une salle, on n'en filme que trente au premier plan (et on rajoute les bruits d'une foule en délire). Le film est souvent composé de plans fixes alors que le centre même du film est le portrait d'un homme hyperactif. Ou comment montrer que l'on n'a pas eu les moyens de ses ambitions. Aucune séquence n'est marquante, la photographie est dénuée d'originalité et il n'y a aucun effet de montage singulier. La structure du récit est elle-même très lourde puisqu'elle est composée de « flashbacks » entre cette journée du 6 mai, où la probable absence de l'épouse du président au bureau de vote fait office de « suspense », et tout le parcours qui a précédé.  

            Structure donc affreusement classique qui n'est pas aidée par le scénario de Patrick Rotman ; et s'il y avait un bien un point qui était très attendu dans La Conquête c'était bien celui-là. Hormis quelques piques bien senties et efficaces (dont une comparaison assez cocasse faite par Sarkozy entre Dominique de Villepin sortant de l'eau et Ursula Andress dans la scène mythique du premier James Bond ; allusion trop populaire qui déplait au premier ministre de l'époque amenant Sarkozy à faire une analogie plus « noble » avec « le dieu grec qui était beau »). Mais dans l'ensemble, la plupart de ces phrases assassines sont déjà connues. Le film en lui-même ne révèle rien de nouveau, une page « Wikipédia » étant presque aussi instructive sur cette période et ces personnages. Certains points ou affaires sont presque mis aux oubliettes comme l'affaire Clearstream qui doit se contenter de cinq petites minutes. Le problème vient peut-être aussi de la surmédiatisation hexagonale de tous ces évènements qui font que la plupart des Français les connaissent déjà ; le film pourrait alors mieux fonctionner sur le marché étranger car ce dernier est moins au courant de ceux-ci.  

            Le film doit aussi faire face à un autre dilemme. Le sujet étant bien contemporain, l'équipe de La Conquête semble avoir eu peur de prendre parti. En effet, fallait-il céder à la critique facile ou tomber dans l'apologie, amenant les réfractaires à hurler à la propagande, une année avant l'élection présidentielle (car c'est bien connu, les Français n'ont pas assez de maturité intellectuelle et peuvent se faire influencer par un film des mois auparavant) ? Le résultat transparait dès les premières secondes avec la phrase « même basé sur des faits-réels, ce film reste avant tout une fiction ». Il n'y a pas encore eu de meilleur moyen pour dire que l'on a reculé devant l'obstacle, effrayé par l'importance et la difficulté du projet. S'ajoute à cela une des pires bandes originales composées ces dernières années. C'est simple, il n'y a que deux morceaux grand guignolesques qui sont répétés bruyamment et « ad nauseam » pendant au moins une séquence sur deux. Le compositeur Nicola Piovani fait même sortir les grands violons lors de la séparation entre Nicolas Sarkozy et Cécilia, laissant le spectateur assez perplexe sur la réaction qu'il doit avoir (est-ce une note d'humour ? De l'idiotie complète ?).  

            L'interprétation des acteurs est néanmoins révélatrice de la réelle ambition de La Conquête. L'objectif n'était visiblement pas de faire un film réaliste, cruel et sans concession du monde politique actuel, de ses rapports aux médias et au reste de la population. Non, la volonté de l'équipe semble d'avoir essayé de faire une version « live » des « Guignols de l'info », mais bien moins drôle encore que ceux d'aujourd'hui. Les acteurs sont aux diapasons avec cette idée et se plonge plus dans l'imitation que l'interprétation. Cependant, et de manière inattendue, cela fonctionne assez bien, le film prenant alors des airs de jeux de massacres réjouissant. Mais c'est bien pauvre pour satisfaire les attentes. Denis Podalydès livre une prestation plutôt convaincante (d'autant plus que le choix de cet acteur pour ce rôle n'était pas le plus évident), Samuel Labarthe est crédible en Dominique de Villepin et Bernard Le Coq est même impressionnant en Jacques Chirac. Mais face à ces « caricatures volontaires », Florence Pernel qui incarne Cecilia se montre plus sensible, sobre et donc plus en retrait alors que son rôle est crucial. Les personnages secondaires sont par contre très anecdotiques, voire même embarrassant dans le cas de Pierre Charon interprété par Dominique Besnehard.  

            Au lieu d'avoir un film sérieux et riche (comme les américains ont réussi à le faire avec quelques perles comme JFK d'Oliver Stone ou Les Hommes du Président d'Alan J. Pakula) on se retrouve avec une gentille comédie française comme on en produit des dizaines chaque année. Une comédie teintée de drame puisque le film ne raconte que l'histoire d'un politicien ambitieux qui perdra sa femme une fois à la plus haute fonction d'état, cela permettant ainsi d'humaniser un personnage aussi « extrême » et « haut en couleurs » que Sarkozy. On peut aussi y voir quelques rivalités assez tendues mais connues de tous, permettant alors l'élaboration de quelques coups tordus et trahisons. Une déchéance inéluctable (celle de Chirac) et une ascension fulgurante en parallèle (celle du "nain" qu'il n'arrivera jamais à controler). Une peu de bling-bling et de grossiereté pour faire politiquement incorrect. Et c'est tout. Seule « anomalie » donc à cette comédie : un sujet au départ audacieux. Sur un thème contemporain, on avait eu récemment de l'autre côté de l'Atlantique The Social Network qui analysait parfaitement, sous toutes ses coutures et de façon plutôt objective le phénomène de société contemporain qu'était « Facebook ». Le film avait lui-même été accusé d'opportunisme de longs mois avant sa sortie. Mais visiblement tout le monde ne peut pas être Sorkin ou Fincher. Reste le fait que La Conquête a (ré)ouvert une brèche qui, on peut toujours rêver, permettra la production d'oeuvres françaises traitant de sujets plus actuels et osant aborder de nouveau et sans crainte des domaines comme la politique.  

NOTE à 4,5 / 10