L'année s'achève et laisse un constat cinématographique relativement mitigé. Alors que 2013 était une belle cuvée voyant le retour en très grande forme de quelques-uns des meilleurs cinéastes en activité, 2014 apparait un poil plus faible sur le strict plan qualitatif. Certes, la production n'a globalement pas été trop mauvaise, même si plusieurs longs métrages très faibles, voire carrément lamentables, ont inévitablement terni le tableau. Beaucoup de films enthousiasmants sont à noter et pas mal d'entre eux recèlent d'immenses qualités. Toujours parmi les bons côtés, on peut ajouter qu'il y a aussi eu de réjouissantes surprises de la part de cinéastes que l'on n'attendait pas.

Malheureusement, il n'y a eu que bien peu de grands chocs esthétiques par rapport aux années précédentes. Moins de claques mémorables ou inattendues et pas assez de partis pris audacieux ou avant-gardistes, comme si 2014 était le creux entre deux vagues massives. En effet, cette année passée fut le calme avant la tempête. En effet, un tourbillon va se déchainer à partir de janvier 2015 pour durer jusqu'à la sortie du prochain STAR WARS qui couronnera douze mois d'hyper-activité cinématographique.

En attendant, l'heure est au bilan. Il est temps de dresser une liste - forcément très personnelle car conditionnée par le nombre et le choix de films que j'ai vu - de ce qu'il fallait absolument voir et ce qu'il fallait impérativement éviter. Je précise enfin que, comme j'ai eu une année plus chargée que les précédentes, je n'ai pas eu le temps (ni l'envie parfois) de rédiger une critique pour chacun des longs métrages que j'ai découvert en 2014. Néanmoins, je tacherai d'écrire quelque chose sur deux ou trois films de mon 'top' dans les semaines à venir.

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Commençons par les sommets de cinéma que nous avons eu au cours de cette année. Cette liste est hétéroclite, réunissant des longs métrages abordant des genres et des styles assez variés : on y retrouve du western, du drame poignant, de la S.F. un peu bourrine, de la comédie irrévérencieuse et du thriller anxyogène. Ca et là, des noms que l'on n'attendait pas nécessairement apparaissent au milieu de quelques valeurs sures. Ce 'top 10' contient donc de quoi satisfaire tout le monde puisqu'il est à l'image de cette année plus surprenante que réellement inoubliable.

AU PIED DU PODIUM

12 YEARS A SLAVE DE STEVE McQUEEN

LA GRANDE AVENTURE LEGO DE CHRIS MILLER ET PHIL LORD

LAST DAYS OF SUMMER DE JASON REITMAN

LES SORCIERES DE ZUGARRAMURDI D'ALEX DE LA IGLESIA

NIGHT CALL DE DAN GILROY

THE HOMESMAN DE TOMMY LEE JONES

LE 'TOP 10' DE 2014

10. EX AEQUO. A MOST VIOLENT YEAR DE J.C. CHANDOR

L'une des surprises de cette fin d'année. Avec ce troisième long métrage, Chandor dévoile un univers de plus en plus cohérent. Encore une fois, ses protagonistes sont confrontés à l'idée que leur monde et les valeurs dans lesquelles ils croient sont sur le point de disparaitre. Ils luttent alors pour survivre en bafouant parfois les idéaux qu'ils plaçaient autrefois en porte-étendards. En plus de livrer une nouvelle peinture pessimiste de cette Amérique ultra-libérale et hypercompétitive, Chandor ausculte avec ironie les rouages d'un mariage apparemment parfait dans lequel l'amour, la plus belle des vertues, sert paradoxalement à légitimer quelques écarts par rapport à la morale afin de conserver cet ordre si laborieusement établi. 

10. EX AEQUO. GONE GIRL de David Fincher

De son côté, en analysant l'enfer de la vie de couple et la terrifiante incompréhension entre les sexes à travers un polar aussi sadique et mordant que profondément déprimant, GONE GIRL s'impose comme une pierre fondamentale dans l'oeuvre de Fincher. Orchestré avec une maestria phénoménale, ce film agressif et ludique apparait comme une relecture perverse et retorse des NOCES REBELLES à la sauce BASIC INSTINCT. Sur le plan formel - montage, cadrage, lumière - ce thriller met à l'amende tout ce qui est sorti cette année. Mais c'est dans son script machiavélique et la prestation proprement hypnotisante de son actrice principale Rosamund Pike que résident sa grande violence psychologique et son terrifiant cynisme.

Ma critique

9. WE ARE WHAT WE ARE de Jim Mickle

Commençant comme un drame austère mettant en scène une famille endeuillée, ce "remake" d'un film d'horreur mexicain se démarque de sa version originale en l'inscrivant dans un cadre religieux aussi étouffant que typiquement américain. Le mystère et le suspense, parfaitement gêrés, montent graduellement avec cette histoire monstrueuse dans laquelle le cannibalisme devient la métaphore de l'embrigadement idéologique et théologique de deux gamines, prisonnières de l'ombre imposante de leur terrifiant père-ogre. Ce troublant conte morbide, saupoudré par un délectable humour noir, s'achève sur une séquence finale aussi choquante qu'effroyablement logique qui ne laissera personne indifférent.

Ma critique

8. EDGE OF TOMORROW de Doug Liman

Ca a été la surprise de la saison estivale. Au milieu des reboots, des suites et des franchises super-héroïques, EDGE OF TOMORROW ne partait pas avec un grand avantage, d'autant plus que sa star n'est toujours pas en odeur de sainteté dans son pays. Adapté d'un livre japonais inconnu et maladroitement vendu, le vilain petit canard de l'été a pourtant ridiculisé la concurrence par l'utilisation intelligente de son concept fantaisiste, son humour rafraichissant, sa poignante densité émotionnelle, et la frénésie furieuse de ses scènes d'action qui renvoient à ALIENS, STARSHIP TROOPERS et IL FAUT SAUVER LE SOLDAT RYAN. Cette métaphore littérale du "reboot" que veut orchestrer Cruise depuis une décennie marque sa renaissance définitive.

Ma critique

7. HER de Spike Jonze

En partant d'un postulat original qui aurait pu le faire tomber du côté de la charge facile contre la technologie, Spike Jonze parvient à créer une comédie romantique aussi touchante qu'intelligente. Aidé par d'excellents comédiens - dont Joachim Phoenix qui livre la meilleure performance de sa carrière - le réalisateur de MAX ET LES MAXIMONSTRES élabore un univers futuriste d'une parfaite cohérence et d'une indéniable richesse. Mélangeant une ultra-urbanisation aseptisée avec une esthétique rétro, ce monde soutient visuellement le propos de Jonze sur la façon dont la technologie moderne impacte, résout parfois et complique souvent les problématiques de toujours (l'amour et les liens sociaux).

6. INTERSTELLAR de Christopher Nolan

Même si elle était prévue pour Steven Spielberg, cette épopée spatiale est avant tout un pur produit de Nolan qui lui permet de faire évoluer son style et ses obsessions vers plus d'optimisme et d'empathie. En cela, INTERSTELLAR est le film le plus compliqué qu'il ait eu à élaborer. Mais c'est aussi son plus primordial. Bien qu'encore conceptuelle et touchée par quelques menus défauts propres à son cinéaste, cette aventure à l'ancienne rappelle l'importance de l'imaginaire, du rêve, de l'émotion, du courage et de l'originalité à l'heure où le cinéma populaire s'enferme dans le cynisme et un dangereux opportunisme. Que cet appel à la découverte soit fait par un artiste que l'on disait froid, logique et terre-à-terre est assez symbolique.

Ma critique

5. SAINT-LAURENT de Bertrand Bonello

Deux biopics sur Yves Saint-Laurent cette année pour deux propositions de cinéma radicalement opposées. Là où Jalil Lespert a fait le choix de la sécurité et d'un académisme ronflant, Bertrand Bonello, fidèle à sa réputation, rejette les clichés du genre pour livrer un film formellement audacieux et thématiquement passionnant. Inattendu et libre comme son sujet, le long métrage refuse la voie de la facilité pour élaborer un récit exigeant, au risque de perdre une partie de son public. Avec sa mise en scène sensorielle et lyrique, Bonello parvient à nous raconter YSL en nous plongeant dans son univers mental plutôt qu'en nous détaillant minutieusement ses faits et gestes historiques. Un biopic exemplaire dont bon nombre devrait s'inspirer.

Ma critique

4. THE ROVER de David Michod

Moins une croisade post-apocalyptique à la MAD MAX qu'un néo-western lorgnant vers la noirceur crépusculaire de LA ROUTE et du NO COUNTRY FOR OLD MEN de l'écrivain Cormac McCarthy, le second film du jeune réalisateur australien est un envoutant "road trip". Recu de façon mitigée à Cannes, THE ROVER a probablement souffert de sa campagne marketing qui le vendait comme un thriller haletant alors qu'il est surtout un voyage mental contemplatif. Néanmoins, sa brutalité sporadique n'a d'égale que la puissance évocatrice de ses images et le désespoir de ses personnages perdus, errant dans un désert infernal afin d'y expier leurs péchés. Les jeux de Guy Pearce et Robert Pattinson sont d'une sidérante intensité.  

3. LE VENT SE LEVE de Hayao Miyazaki

Le mythique réalisateur japonais, d'abord connu pour ses contes et son goût pour le fabuleux, achève une carrière admirable avec un long métrage testamentaire amer, romanesque et faussement introverti. Suivant la vie d'un ingénieur dont les magnifiques avions furent détournés afin de servir d'outils de guerre meurtriers, cette fresque semi-autobiographique est effectivement traitée avec une retenue qui peut froisser les amateurs d'esbrouffe. Mais le film dégage une maîtrise formelle, une passion et une telle mélancolie qu'il emporte tout sur son passage, s'imposant comme l'un des plus beaux et exigeants de son metteur en scène. Un bouleversant appel à vivre, tantôt terriblement pessimiste, tantôt incroyablement lumineux.

2. LE CONTE DE LA PRINCESSE KAGUYA D'ISAO TAKAHATA

L'autre testament de l'un des plus illustres cinéastes d'animation. Ami et rival de Miyazaki, le second pilier fondateur du studio nippon Ghibli a vu les choses en grand pour son dernier tour de piste. Patiemment élaborée pendant plusieurs années afin que chacune de ses images ressemble à une estampe animée, cette adaptation d'un conte japonais bouleverse par sa puissance émotionnelle ainsi que par la délicate féérie de son intrigue qui jongle merveilleusement entre les moments de joie et les passages plus dramatiques. Le cinéaste qui avait déjà signé le film le plus triste du monde - LE TOMBEAU DES LUCIOLES - nous assomme avec un final qui fera briller les yeux de tous les spectateurs. Le mot "somptueux" a été inventé pour ce long métrage.

1. WHIPLASH DE DAMIEN CHAZELLE

L'électrochoc de fin d'année sous la forme d'une série ininterrompue de violents uppercuts. WHIPLASH est au film musical ce que RAGING BULL est au film de boxe. Sous la forme d'un thriller dans lequel chaque morceau de batterie est mis en scène comme une séquence d'action, le film livre une passionnante réflexion sur la nécessité de faire des sacrifices psychologiques et physiques afin de créer une oeuvre d'art immortelle. Par le biais de ce duel furieux, Chazelle s'impose comme un cinéaste de génie. Chef d'oeuvre de toute une vie ou prémices d'une carrière époustouflante ? Il est trop tôt pour le dire. Mais si le film vous met déjà K.O. au bout de soixante minutes, sachez que son dernier quart d'heure vous laissera carrément en transe sur votre siège

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Passons à une seconde partie moins réjouissante - quoique - dans laquelle je vais faire le tour des dix plus mauvais films que j'ai vu cette année. Cela va du projet prometteur qui se rate en beauté au gros "blockbuster" perdu d'avance, et du long métrage signé par un auteur surévalué au faux pas déprimant d'une ancienne gloire du septième art. Là encore, il y en a pour tous les goûts, bien que ces navets ne soient souvent même pas dignes d'être visionnés lors d'une soirée entre amis avec quelques bouteilles de bière à la main.

LE 'FLOP 10' DE 2014

10. THE CANYONS DE PAUL SCHRADER

Paul Schrader est l'une des rares grandes figures du Nouvel Hollywood à avoir sû poursuivre honorablement sa carrière après le tournant des années 1980. Néanmoins, il est difficile de nier que le bonhomme a accompli la plupart de ses meilleurs travaux en tant que scénariste plutôt qu'en tant que réalisateur. En pleine perte de vitesse depuis dix ans, il s'est retrouvé coincé sur ce projet "kick-starter" entre un script un peu honteux rédigé par un Bret Easton Ellis complètement à l'ouest et un casting aussi improbable que peu enthousiaste. Se voulant hautement provocateur et subversif, ce film creux et laid sur Hollywood et ses névrosés ne choquera bien que les vieux spectateurs qui n'ont pas été au cinéma depuis trente ans. Prétentieux et ennuyeux à mourir.

9. TRANSCENDANCE DE WALLY PFISTER

Parce qu'il est le chef opérateur attitré de Christopher Nolan, Wally Pfister s'est offert pour son premier film en tant que réalisateur un immense budget, un casting cinq étoiles et un scénario classé dans la "Black List" de 2012 qui regroupait les meilleurs scripts alors non produits à Hollywood. Malgré toutes ces rassurantes cartes en main, Pfister parvient à surprendre par la médiocrité et la consternante superficialité de son "blockbuster" antispectaculaire, glacial, assez moche et surtout absolument incapable de creuser en profondeur les multiples questions passionnantes qui découlaient de son sujet. Les acteurs sont aux abonnés absents et Johnny Depp livre l'une des plus mauvaises interprétations de sa carrière.

Ma critique

8. LA BELLE ET LA BETE DE CHRISTOPHE GANS

Difficile de dire du mal d'un film qui partait avec de si bonnes intentions. Pour une fois que des producteurs français investissaient sur un film d'aventure fantastique plutôt que sur une comédie TF1 ou sur un biopic mou du genou, il fallait que ce long métrage soit une énième relecture d'un célèbre conte qui ne parvienne jamais à la hauteur de ses illustres prédecesseurs. Malgré de jolis décors et de beaux costumes, le film ne réussit pas à faire vivre son monde imaginaire. Tout est désincarné et faux, avant de sombrer dans une surenchère visuelle aussi injustifiée que ridicule. Si cet échec vient en partie de son script bancal, des erreurs de casting fort préjudiciables annihilent aussi toute empathie et toute alchimie entre les personnages.

Ma critique

7. MALEFIQUE DE ROBERT STROMBERG

Projet élaboré afin de surfer sur toutes les modes qui gangrènent actuellement le cinéma populaire, cette relecture du conte de Charles Perrault en est une trahison intégrale. Quitte à ne pas faire les choses à moitié, il piétine aussi au passage le chef d'oeuvre produit par Disney en 1959. Vétu des oripeaux "convenables" d'un féminisme de pacotille, le film se vante de proposer le portrait complexe d'une sorcière (jamais) maléfique dont la puissance n'est pourtant perceptible qu'à l'aune de la faiblesse de ses opposants, tous réduits à des rôles d'ingrats et/ou de faire-valoirs. A l'image globale du long métrage, le monde magique qui y est dépeint n'est qu'un gloubi boulga d'influences trop évidentes pour lui conférer une personnalité propre.

Ma critique

6. THE AMAZING SPIDER-MAN 2 DE MARC WEBB

Suite du "reboot" catastrophique des aventures du super-héros Spider-man, qui avait été orchestré à la va-vite par Sony afin de ne pas perdre les droits du personnage, le nouveau film de Marc Webb copie la stratégie Marvel en élaborant un univers interconnecté afin que le studio puisse surexploiter sa licence. Raté puisque, malgré un beau résultat au box-office, Sony estime que le film n'a pas atteint ses attentes financières délirantes. On ne s'en plaindra pas. Si Webb fait illusion par son traitement de la romance liant le couple principal, et qu'il délègue les plans de haute voltige à des infographistes doués, il est incapable de mener un projet d'une telle ampleur, ignorant ce qu'il veut raconter et s'emmelant les pinceaux lors de moments embarrassants.

Ma critique

5. LES TROIS FRERES - LE RETOUR DE DIDIER BOURDON, PASCAL LEGITIMUS et BERNARD CAMPAN

Au tournant des années 1990, le groupe des "Inconnus" réunissait les trois comiques les plus drôles de France : pas un mauvais sketch à leur actif et tellement de répliques cultes qu'on pourrait en faire une encyclopédie. Lorsqu'ils se sont lancés dans le cinéma, cela a d'abord été pour le meilleur. Certes, LES TROIS FRERES et LE PARI ne sont pas des sommets de réalisation, mais leurs scénarii et l'interprétation de leurs acteurs en font des comédies très appréciables. Puis les choses se sont gâtées. Leurs films sont devenus moins marrants et le trio s'est séparé. Cette triste tentative de "come back" les montre peu inspirés, au bout du rouleau et déconnectés d'une société française qu'ils savaient autrefois décrypter. Que c'est moche de vieillir !

4. UNDER THE SKIN DE JONATHAN GLAZER

Le classique du retour d'un esthète "adulé" après plusieurs années d'absence. Ce film attendu comme le "messie" ne pouvait décevoir ceux qui ont patienté tant de temps pour le voir ! On s'extasia d'abord sur une poignée d'expérimentations visuellement pauvres et inutilement obscures, atténuant ainsi grandement leur impact dans le récit. On resta ensuite béat d'admiration devant l'interprétation stoïque d'une star de "blockbuster" venant s'encanailler dans le cinéma "art et essai". On convoqua enfin Kubrick, Lynch et Malick afin de faire hativement de Glazer leur égal. Et ce, peu importe que l'intrigue tienne sur un post-it et que la moitié des images soient sous-exposées et improvisées en caméra cachée...

Ma critique

3. WELCOME TO NEW YORK D'ABEL FERRARA

L'origine douteuse de ce projet opportuniste et bêtement provocateur n'incitait pas à en attendre grand chose. Mais il est désolant que Ferrara n'ait pu tirer qu'une oeuvre anecdotique à partir d'une affaire aussi juteuse et passionnante que celle de Dominique Strauss Kahn. Malgré l'investissement physique total de Depardieu - on n'en demandait pas tant ! - le film s'effondre dès le premier quart d'heure pour dévoiler sans fard une mise en scène obscène et plate se contentant d'aligner d'interminables scénettes, toutes mal improvisées dans la langue de Shakespeare et n'ayant d'intérêt que si l'on connait déjà le déroulement de ce sinistre scandale. Utilité zéro donc, mais un beau buzz médiatique à la clé.

2. LUCY DE LUC BESSON

L'autre surprise de la saison estivale avec EDGE OF TOMORROW. Face aux reboots, aux suites et aux franchises super-héroïques, LUCY ne partait pas gagnant. Aidé par une campagne publicitaire exemplaire, il s'est malgré tout imposé comme le plus grand triomphe de Besson. C'est pourtant son long métrage le plus naze, le plus incohérent et le plus prétentieux. Pris au premier degré, LUCY est une boursouflure repompant le moindre de ses effets chez les autres. Pris au dixième degré, ça reste un spectacle consternant, jamais "fun", vain, laborieux, moche, mal écrit et mal joué. Etrangement, il a fallu des mois au monde entier pour s'en rendre compte. Trop tard, LUCY est dorénavant devenu le plus gros succès français de tous les temps...

Ma critique

1. ADIEU AU LANGAGE DE JEAN-LUC GODARD

Avec ce mépris de la technologie qu'on lui connait, JLG s'empare de la 3D avec dédain et se fait congratuler par la presse. A jamais coincé dans cette image d'icône de la Nouvelle Vague, JLG voit chacun de ses travaux être jugés comme s'il était encore un cinéaste rebelle. Effet néfaste de la politique des auteurs, on persiste à croire que le JLG de 2014 est le même que celui d'A BOUT DE SOUFFLE. On doit alors crier avec la meute, de peur de paraitre idiot aux yeux de ceux qui ont compris cette oeuvre exigeante mélangeant philosophie de comptoir, misanthropie insupportable, sexisme écoeurant et crises de colique intestinale. En 1837, Hans Christian Anderson écrivait "Les Habits neufs de l'empereur". Beaucoup de critiques feraient bien de le relire.

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En route donc pour 2015 afin de découvrir un paquet de films alléchants (en voici déjà douze qu'il ne faudra pas rater !). Et en attendant de jubiler devant les cabrioles motorisées de Tom Hardy en Mad Max, de retourner en enfance avec mes espions favoris avec le prochain épisode de James Bond et le cinquième Mission : Impossible, ou encore de pleurer de honte devant les vélociraptors apprivoisés et le dinosaure mutant de Jurassic World, je vous souhaite à tous une bonne année !

Etant fort occupé à réviser ses examens, l'auteur de ces lignes n'a pas le temps d'aller dans son cinéma Art et Essai pour savourer le dernier blockbuster de Philippe Garrel en vue d'en faire une critique. En attendant que YSL, L'Amour est un crime parfait et bien d'autres encore passent à la casserole, voici un petit biscuit cinéphilique inutile mais rigolo comme tout pour patienter :

LES PREVISIONS POUR LES OSCARS 2014

Parce qu'en plus d'être critique amateur, L'Ecran Masqué est également oracle - il fait ça au noir. Et plutôt que de deviner les prochains numéros gagnants du loto, devinons ensemble le palmarès de cette année. Un exercice d'autant moins facile que celui de l'année dernière fût des plus surprenants.

Or donc :

Meilleurs effets spéciaux :

Gravity

Le Hobbit : la Désolation de Smaug

Iron Man 3

The Lone Ranger, Naissance d'un Héros

Star Trek Into Darkness

On commence doucement avec une catégorie facile. Aucune surprise ici, la réponse est tellement évidente que les autres nominations relèvent au mieux du gag. Rares sont en effet les films à avoir autant révolutionné le monde des effets spéciaux : une date aussi importante que The Abyss ou Avatar. Il est strictement impossible que Gravity perde.

Vainqueur : Gravity

Probabilité : 100 %

Meilleur mixage de son :

Capitaine Phillips

Gravity

Le Hobbit : la Désolation de Smaug

Inside Llewyn Davis

Du Sang et des Larmes

Rares sont les films à se démarquer dans cette catégorie, et il ne fait pratiquement aucun doute que l’Académie récompensera le travail époustouflant qui a été fait sur Gravity, tant ce film survole les autres nominés cette année, mélangeant différentes ambiances sonores et utilisant parfaitement le format IMAX. Reste une possibilité pour Capitaine Phillips grâce à la technique « je filme en secouant la caméra pour faire réel », technique qui a bien marché avec Démineurs, Slumdog Millionaire, La Vengeance dans la Peau, La Chute du Faucon Noir, etc…

Vainqueur : Gravity

Probabilité : 99,9 %

Meilleur montage sonore

All Is Lost

Capitaine Phillips

Gravity

Le Hobbit : la Désolation de Smaug

Du Sang et des Larmes

Sauf grosse surprise – comme la non-consécration de No country for old men il y a cinq ans dans cette catégorie – Gravity devrait l’emporter, pour les mêmes raisons que précédemment.

Vainqueur : Gravity

Probabilité : 99,9 %

Meilleure direction artistique

American Bluff

Gravity

Gatsby le Magnifique

Her

12 Years a Slave

Cela devrait se jouer entre 12 Years a Slave - c'est le genre de film conçu pour ce prix - et Gravity. Comme l'Académie a récompensé Avatar dans cette catégorie, Gravity a toutes ses chances. Reste qu'une telle consécration ne fera qu'accentuer le flou qui règne de plus en plus sur les différences entre les rôles respectifs de la direction artistique, des effets spéciaux et de la photographie...

Vainqueur : Gravity

Probabilité : 60 %

Meilleurs costumes

American Bluff

The Grandmaster

Gatsby Le Magnifique

The Invisible Woman

12 Years a Slave

Une catégorie délicate. Ni Coleen Atwood ni Sandy Powell n’ont travaillé sur un film sorti cette année. Cela se jouera donc entre 12 Years a Slave et l’épouvantablement vulgaire Gatsby Le Magnifique.

Vainqueur : 12 years a slave

Probabilité : 50,5 %

Meilleure musique

John Williams (La Voleuse de Livres)

Steven Price (Gravity)

William Butler et Owen Pallett (Her)

Alexandre Desplat (Philomena)

Thomas Newman (Dans l'ombre de Mary - La promesse de Walt Disney)

Absences regrettables – pour ne pas dire incompréhensibles – de La Vie Rêvée de Walter Mitty, All is lost et 12 years a Slave. Présence étonnante de Gravity, dont la musique est certes immersive mais peu harmonieuse. Présence exaspérante de l’éternel John Williams qui part en roue libre dans La Voleuse de Livres, mais qui a gagné suffisament de points sur sa carte de fidélité donc bon... Thomas Newman et Alexandre Desplat ont leur chance, même s’ils ne se renouvellent pas ou peu.

Vainqueur : De ce que j’ai entendu, peut-être Desplat

Probabilité : 30 %

Meilleur montage

American Bluff

Capitaine Phillips

Dallas Buyers Club

Gravity

12 Years a Slave

Absence surréaliste du Loup de Wall Street, alors que c’était une des seules catégories où le film pouvait décrocher une statuette. La technique « je fais bouger la caméra avec une image granuleuse pour donner un rythme » - école Démineurs - fera donc gagner Capitaine Phillips. American Bluff peut aussi avoir ses chances pour son côté "punch". Présence surprenante de Gravity, qui comporte un nombre de plan relativement faible et quasi-intégralement monté dès la pré-production.

Vainqueur : Capitaine Philipp

Probabilité : 80 % 

Meilleure photographie

The Grandmaster

Inside Llewyn Davis

Prisoners

Nebraska

Gravity

Si on en croit la tendance indiquée par les quatre derniers films récompensés dans cette catégorie – Avatar, Inception, Hugo Cabret et L’Odyssée de Pi – le lauréat sera un film largement modélisé numériquement, probablement en 3D et remportera également l’oscar des meilleurs effets visuels. Ce sera donc Gravity. On se réjouira pour le génial Emmanuel Lubezki – qui aurait déjà dû l’avoir pour Les Fils de l’homme, et on sera déçu qu’il obtienne la statuette pour un film en très grande partie numérique. On sera également déçu pour le génialissime Roger Deakins, qui l’a honteusement raté l’année dernière alors que Skyfall était une merveille visuellement, et qui ne l’aura peut-être jamais - en tout cas pas cette année même si son travail sur Prisoners est extraordinaire. Cela étant, comme souvent, la liste des nominés dans cette catégorie est enthousiasmante – deux français en compétition cette année tout de même.

Vainqueur : Gravity

Probabilité : 99 % 

Meilleur scénario original

Dallas Buyers Club

American Bluff

Her

Nebraska

Blue Jasmine

Des scénarios tellement originaux que deux d'entre eux sont inspirés de faits réels. Blue Jasmine est nominé pour son avant-gardisme et son absence total de manichéisme, contrairement à Gravity - c'est Télérama qui sera content, qu'on se le dise, un film en temps réel au plus près de ses personnages, c'est bien quand ça date de la Nouvelle Vague, mais pas ailleurs. Absence regrettable de Prisoners.

Vainqueur : Her

Probabilité : Aléatoire

Meilleur scénario adapté

12 Years a Slave

Le Loup de Wall Street

Before Midnight

Capitaine Phillips

Philomena

Se jouera entre Le loup de Wall Street et 12 years a slave. Ce dernier, (beaucoup) moins vulgaire, part avec un net avantage.

Vainqueur : 12 years a slave

Probabilité : 60 %

Meilleur acteur dans un second rôle

Barkhad Abdi (Capitaine Phillips)

Jonah Hill (Le Loup de Wall Street)

Michael Fassbender (12 Years a Slave)

Bradley Cooper ( American Bluff)

Jared Leto (Dallas Buyers Club)

Absence surprenante de Bobby Cannavale, l’acteur qui sauve le film bien bancal de Woody Allen. Il faut dire que son rôle n’est pas oscarisable : tout en subtilité, il arrive à rendre touchant un personnage minable qui fait de son mieux pour plaire. Préférons un rôle bien plus « « « extrême » » », celui de Jared Leto, peut-être touchant, mais qui ne sera malheureusement récompensé que pour le côté « oh, il joue un transexuel, oh la la ! ». 

Vainqueur : Jared Leto (Dallas Buyers Club)

Probabilité : 99 %

Meilleure actrice dans un second rôle

Jennifer Lawrence (American Bluff)

Julia Roberts (Un été à Osage County)

June Squibb (Nebraska)

Lupita Nyong'o (12 Years a Slave)

Sally Hawkins (Blue Jasmine)

On va pas se fatiguer, faisons confiance aux Golden Globes...

Vainqueur : Jennifer Lawrence (American Bluff) ?

Probabilité : Aléatoire

Meilleure acteur

Chiwetel Ejiofor (12 Years a Slave)

Matthew McConaughey (Dallas Buyers Club)

Christian Bale (American Bluff)

Leonardo DiCaprio (Le Loup de Wall Street)

Bruce Dern (Nebraska)

The Immigrant n’étant pas encore sorti aux USA, le remplaçant de Joachim Phoenix devrait être a priori Matthew McConaughey. Parce qu’il a maigri, et que cela marche toujours pour faire croire que l’on joue extrêmement bien – coucou Christian Bale ! Parce qu’il joue bien de fait, et qu’il est sympathique. Parce que c’est un type que personne ne prenait au sérieux et qu'il est temps de l'homologuer. Parce que le combo histoire vraie/SIDA/amaigrissement marche toujours, et que le film a été fait dans le but de recevoir des prix d'interprétation. Parce que si des fois le racolage ridicule est sévèrement puni - et là c'est Forest Whitaker qui a la haine, aucune nomination pour cette croûte à Oscars mine de rien - cela marche parfois.

Vainqueur : Matthew MacConaughey (Dallas Buyers Club)

Probabilité : 99 %

Meilleure actrice

Cate Blanchett (Blue Jasmine)

Sandra Bullock (Gravity)

Judi Dench (Philomena)

Meryl Streep (Un été à osage County)

Amy Adams (American Bluff)

LA catégorie maudite. Car voyez-vous, depuis une dizaine d’années, l’Académie des Oscars, pas misogyne pour un sou, ne daigne considérer une performance féminine de premier plan que s’il s’agit d’un biopic ou de l’interprétation d’une hystérique. C’est ainsi que les interprétations putassières de Marion Cotillard ou de la pauvre Meryl Streep furent couronnées, et que Natalie Portman fût oscarisée pour avoir couché avec son Doppelganger, quand elle ne se doigte pas devant sa mère - heureusement, mais heureusement bon Dieu, qu'aucune actrice de La Vie d'Adèle n'a été nominée... C’est donc tout logiquement que la statuette récompensera le cabotinage de Cate Blanchett, insupportable en camée névrosée, parce que tout le monde s'est mis d'accord pour la trouver géniale. Et tant pis si c’est de loin l’interprète qui s’en tire le plus mal dans le film de Woody Allen...

Vainqueur : Cate Blanchett (Blue Jasmine)

Probabilité : 99 %  

Meilleur réalisateur

Alfonso Cuaron (Gravity)

Steve McQueen (12 Years a Slave)

Alexander Payne (Nebraska)

David O. Russell (American Bluff)

Martin Scorsese (Le Loup de Wall Street)

Très improbable qu’Alfonso Cuaron ne l’obtienne pas, tant il a révolutionné la mise en scène. Parce que la scène d’introduction est tout simplement la scène la plus dingue de 2013. Parce qu’il le méritait déjà pour Les Fils de l’homme, et que son génie est évident.

Vainqueur : Alfonso Cuaron pour Gravity

Probabilité : 99 %

Meilleur film

Dallas Buyers Club

Her

Le Loup de Wall Street

American Bluff

Nebraska

Philomena

Gravity

Capitaine Phillips

12 Years a Slave

Absence regrettable de Prisoners, et de beaucoup d'autres. Il est dommage que les membres de l'Académie aient une mémoire de poisson rouge et nominent quasiment les mêmes films, tous sortis à la fin de l'année, pour chaque catégorie. Trop avant-gardiste formellement, Gravity ne sera probablement pas le récipiendaire du prix ultime, hélas. On va donc avoir droit à une victoire à la Shakespeare in Love pour un film calibré pour la cérémonie : 12 Years a Slave et American Bluff sont effectivement favoris.

Vainqueur : Je n'y crois pas trop, mais je dis Gravity parce que ça me plairait bien. Ce serait vraiment un choix audacieux.

Probabilité : Aléatoire

Voilà voilà...

Je vous l'avais bien dit que ce serait inutile.

Après une année aussi phénoménale où beaucoup de grands réalisateurs ont présenté leurs derniers bébés [voir à cette occasion le top 15 et le flop 15 de 2013], la suivante apparait un peu chiche. Il est vrai qu'elle est dépourvue du prochain Martin Scorsese, puisque ce dernier a finalement pu caser son Loup de Wall Street pour ce Noël, ou encore du nouveau thriller de Michael Mann intitulé Cyber, qui portera sur le milieu du cyber-terrorisme et qui a été reporté au premier semestre de 2015. Elle est aussi privée du film qui aurait dû l'illuminer : le mystérieux Tomorrowland de Brad Bird, le projet le plus excitant de ces prochains mois, a été repoussé à mai 2015 aux Etats-Unis. Cela signifie-t-il que la tempête est passée et que nous sommes revenus à une période de calme ? 

Peut-être, mais cela ne veut pas dire que l'année sera morne. Quelques titres alléchants se bousculent déjà sur le calendrier. Il y a d'abord les candidats aux oscars qui ne sortiront qu'en janvier-février et parmi lesquels on compte American Bluff de David O. Russell (The Fighter, Happiness Therapy) et Twelve Years a Slave de Steve McQueen (Sham​e). On verra aussi le retour de Paul Thomas Anderson avec Vice Caché, de Christophe Gans avec La Belle et la Bête, de Spike Lee avec sa version d'Old Boy, de Clint Eastwood avec le musical Jersey Boys (Christopher Walken fait partie de la distribution), du duo Denis Villeneuve/Jack Gyllenhaal après Prisoners avec Enemy, de Spike Jonze avec Her, de George Clooney avec The Monuments Men, de Lars Von Trier avec son dyptique porno The Nymphomaniac, de Michel Hazanavicius avec son premier film américain The Search, de Fred Cavayé avec Mea Culpa, de Bennett Miller avec Foxcatcher (qui annonce une prestation impressionnante de Steve Carrell), de Hayao Miyazaki avec Le Vent se lève, ou encore de Fabrice de Welz avec Colt 47. Autant de propositions de cinéma aussi intéressantes que différentes. Mais je vais me focaliser sur dix d'entre elles, classées par ordre alphabétique, car elles retiennent particulièrement mon attention.

 1 – Big Eyes de Tim Burton (date de sortie inconnue)

Cela fait quelques années que l’on a fait un trait sur Tim Burton. Son parcours est l’un des plus dramatiques dans le cadre du cinéma contemporain. Animateur brillant, il s’était imposé à la fin des années 1980 comme l’un des plus jeunes prodiges du septième art en se voyant confier les rênes de la première adaptation cinématographique de Batman. Un carton démentiel à l’époque qui lui donna les pleins pouvoirs auprès des studios afin de s’imposer comme un réalisateur de génie. En effet, Burton est l’un des très rares metteurs en scène à pouvoir se targuer d’avoir enchainé quatre chefs d’œuvre à la suite avec Edward aux mains d’argent, Batman – le défi, Ed Wood (son meilleur film à ce jour) et le très méchant pastiche Mars Attack !. Epuisé par le « development hell » de son Superman Lives ! et son très bon Sleepy Hollow, Burton fut mis aux commandes du « remake » de La Planète des Singes. Dévoré par la machine hollywoodienne, Burton ne s’en est pas remis.

Au début des années 2000, il a survécu « sous perfusion » grâce à d’intéressants films imparfaits : Big Fish, Charlie et la chocolaterie et le sinistre Sweeney Todd dont la dernière scène montrait frontalement la mise à mort du cinéaste gothique de Burbank par un enfant. Marié, rangé et père pour la première fois, Tim Burton a lentement annoncé dans ses derniers films l’inévitable obligation pour « Edward » de quitter son château afin de vivre dans la société des hommes. Ses deux derniers longs métrages sont représentatifs du désastre : l’innommable Alice au pays des merveilles, en 3D et produit par Disney, le montrait fini, broyé, vendu. C’était le sujet parfait pour Burton mais le résultat final allait à l’encontre de ses idéaux de jeunesse. Les « freaks » représentaient dorénavant l’incarnation du mal et les héros (capitalistes) se complaisaient dans une normalité victorieuse. Le dévoiement du message initial de Burton fut confirmé avec Dark Shadows où l'ultime image voyait une famille de commerçants se ressouder en regardant bruler les ruines du château d’Edward aux mains d’argent.

Autant dire qu’on n’attendait plus rien du cinéaste après une telle hérésie. Pourtant son prochain projet est de loin le plus intéressant qu’il ait eu entre les pattes depuis au moins une décennie. D’abord parce qu’il voit le retour de Burton sur un terrain plus modeste, moins surbudgété et moins englouti sous un gloubi-boulga d’effets numériques qu’il ne sait visiblement pas du tout maîtriser. Ensuite parce qu’il s’est abstenu de replacer son ami (horriblement) cabotin Johnny Depp et sa femme (horriblement) cabotine Helena Bonham Carter dans des rôles importants, et ce, pour la première fois depuis Big Fish ! De plus, le scénario de ce Big Eyes, très différent de ce que fait habituellement Burton, est écrit par Scott Alexander et Larry Karaszewski, qui ont débuté avec le script… d’Ed Wood (on leur doit aussi Man of the Moon et Larry Flint de Milos Forman). Enfin, Burton s’est libéré de l’influence du producteur Richard D. Zanuck, récemment décédé, qui paraissait le tirer vers le bas depuis qu’ils s’étaient rencontrés sur La Planète des Singes.

Certes, Burton conserve Danny Elfman, autrefois excellent compositeur qui semble avoir viré en mode automatique, et garde le directeur de la photographie français Bruno Delbonnel qui est capable du pire (Harry Potter et le Prince de Sang-Mêlé, Dark Shadows) comme du meilleur (Un Long Dimanche de Fiançailles, Inside Llewyn Davis). Certes, le film est produit et distribué par The Weinstein Company, dirigé par un Harvey « Scissorhands » Weinstein actuellement en plein démêlé avec Olivier Dahan pour Grace de Monaco et Bong Joon-ho pour Le Transperceneige qu’il veut bêtement modifier à sa guise. Et certes, Alexander et Karaszewski ont récemment écrit les scripts de Cody Banks – agent secret et de Percy Jackson – La Mer des monstres. Mais on est en droit d’espérer que leur retour au biopic (un genre qui leur a toujours réussi) permettra à ce film cher à leurs cœurs (ils le produisent et ont failli le réaliser) de signer la renaissance de Burton. Big Eyes relatera les déconvenues judiciaires de la peintre Margaret Keane (Amy Adams), connue pour ses portraits d'enfants aux « gros yeux », avec son mari (Christoph Waltz) qui revendiquait la paternité de ses œuvres dans les années 1960.

 2 - Godzilla de Gareth Edwards (14 mai)

Pas la peine de présenter le plus fameux monstre japonais de l’Histoire du cinéma qui fit les belles heures du studio Toho dans une flopée de « kaiju eiga » comme Godzilla d’Ishiro Honda en 1954, Le Fils de Godzilla de Jun Fukuda en 1967 ou encore Le Retour de Godzilla de Koji Hashimoto en 1984. Le lézard géant, inventé pour canaliser le traumatisme de l’holocauste nucléaire après le largage des bombes atomiques sur Hiroshima et Nagasaki, avait traversé l’océan Pacifique à l’occasion du non-évènement réalisé par Roland Emmerich en 1998. Si son « blockbuster » ne lésinait pas sur la quantité de destructions massives, il repompait surtout les Jurassic Park de Spielberg en alignant tous les poncifs imaginables dans le cadre du grand spectacle hollywoodien de masse. Au final, la seule chose plaisante dans cette bête entreprise d’américanisation d’un « mythe » japonais était son tout premier « teaser » humoristique dans lequel Godzilla écrasait avec son pied le squelette du plus grand prédateur qui ait jamais foulé la Terre (le T-Rex).

Gareth Edwards, le cinéaste britannique qui a réalisé pour une bouchée de pain le très admiré Monsters avec lequel il a dévoilé une prodigieuse maîtrise des effets spéciaux, a logiquement atterri au poste de metteur en scène pour ce « reboot » étasunien. Produit encore une fois par Legendary Pictures et co-écrit par Max Borenstein, Dave Callaham, Frank Darabont et David S. Goyer, à qui l’on doit les « reboots » de Superman et de Batman avec Man of Steel et la trilogie The Dark Knight, ce nouveau Godzilla revient aux fondements du mythe au point de réemployer la silhouette originale de la bestiole. Le musicien français Alexandre Desplat va composer la bande originale et Seamus McGarvey opère à la photographie (on lui doit notamment les magnifiques images de Reviens-moi et d’Anna Karenine réalisés par Joe Wright).

Mais le plus grand argument que réserve ce « blockbuster » réside dans le casting surprenant qu’il est parvenu à réunir : Aaron Taylor-Johnson (le héros de Kick-ass), dans le rôle du personnage principal, Bryan Cranston (la série « Breaking Bad », Drive, Argo), la très jolie et talentueuse Elizabeth Olsen (Martha Marcy May Marlene, Very Good Girls, le « remake » d’Old Boy par Spike Lee), David Strathairn (Good Night and Good Luck, Lincoln), Ken Watanabe (Mémoires d’une Geisha, Inception), Akira Takarada (devenu célèbre grâce au premier Godzilla) et Juliette Binoche. La présence de cette dernière concentre l’intérêt pour ce film. L’actrice française a toujours été vue comme une comédienne privilégiant les œuvres modestes et dramatiques. Son refus de participer à Jurassic Park, alors que Spielberg la courtisait depuis quelques temps, est assez célèbre. Pourquoi a-t-elle soudain accepté de jouer dans ce nouveau Godzilla ? 

Deux explications sont possibles. La première est d’ordre financière : la production a allongé un très gros cachet ou celle-ci a besoin d’argent et a accepté un rôle « alimentaire » qu’elle n’aurait jamais daigné prendre au début des années 1990. La seconde est d’ordre artistique : le scénario et son personnage ont une densité inattendue qui démarquerait Godzilla de la totalité des « blockbusters », y compris ceux réalisés par rien de moins que Spielberg. Si la promotion est encore relativement discrète une fois sorti du cadre du Comic Con, le peu d’affiches que l’on a vu semble annoncer un film à la fois respectueux mais aussi assez sombre qui n’entend pas se moquer du mythe qu’il aborde. La bande annonce dévoile de son côté des images d’apocalypse assez poétiques et une ambiance premier degré laissant penser que l’excellent Pacific Rim de Guillermo Del Toro n’était qu’un encas.

 3 - Gone Girl de David Fincher (12 novembre)

David Fincher a eu du mal à embrayer après le « remake » américain du premier best-seller suédois « Millenium » intitulé The Girl With the Dragon Tattoo. Ses films suivants auraient logiquement dû être les adaptations des deux autres livres « Millenium », The Girl Who Played with Fire et The Girl Who Kicked the Hornets’ Nest, mais il semblerait que la production de la trilogie soit stoppée indéfiniment. Les raisons sont multiples : Daniel Craig est trop occupé avec le rôle de James Bond qu’il doit reprendre à l’occasion de deux ultimes films (le prochain est de nouveau réalisé par Sam Mendes pour novembre 2015) ; les chiffres du box-office pour le premier épisode sont loin d’être démesurés, même s’ils sont assez exceptionnels compte tenu du fait qu’il s’agissait d’une superproduction « R » (interdite aux mineurs non accompagnés aux USA) ; et Fincher lui-même ne semble pas emballé par l’idée de transposer les deux autres romans parait-il beaucoup plus faibles.

Néanmoins, Fincher a vu tous ses autres précédents projets être jetés à l’eau : l’arlésienne Rendez-vous avec Rama à partir du chef d’œuvre de la littérature science-fictionnelle écrit par Arthur C. Clarke, le film de « serial-killer » Torso tiré d’une BD et mettant en scène l’incorruptible Elliot Ness, une autre adaptation de BD avec le très sombre Black Hole, le long métrage culinaire avec Keanu Reeves intitulé Chef ou encore la réinterprétation extrêmement ambitieuse technologiquement parlant de 20.000 Lieux sous les mers. Ce n’est qu’assez récemment que l’on a appris que Fincher revenait dans son domaine de prédilection : le thriller. En effet, Fincher a acquis une grande renommée avec quelques pépites du genre comme Alien 3, Fight Club, Zodiac, Panic Room et bien sûr le mythique Se7en. Produit par la Fox, Gone Girl est adapté du roman éponyme de Gillian Flynn, traduit en français par « Les Apparences ».

Le pitch est le suivant : Amy, jeune femme au foyer, et son mari, Nick, forment en apparence un couple modèle. Victimes de la crise financière, ils ont quitté Manhattan, leur vie aisée, leur travail dans la presse, pour s'installer dans la petite ville du Missouri où Nick a grandi. Le jour de leur cinquième anniversaire de mariage, celui-ci découvre dans leur maison un chaos indescriptible : les meubles sont renversés, les cadres aux murs sont brisés et il n’y a plus aucune trace de sa femme. Tous les soupçons portent évidemment sur Nick mais l'enquête qui s'ensuit prend vite une orientation inattendue. Développée au départ afin d’être un véhicule pour l’actrice Reese Witherspoon, qui se contente finalement du poste de productrice, Gone Girl oppose Ben Affleck dans le rôle de Nick et Rosamund Pike dans le rôle d’Amy. Tout le monde connait le premier puisqu’on le perçoit comme un acteur autrefois médiocre qui a su faire une brillante reconversion dans la mise en scène avec The Town et le récent Argo. Il est actuellement victime de l’injuste « bashing » des ayatollahs « geeks » qui ne supportent pas de le voir incarner Bruce Wayne dans la suite de Man of Steel, Batman vs. Superman de Zack Snyder.

La seconde est moins connue, a été découverte dans l'exécrable épisode de James Bond Meurs un autre jour (où elle était clairement la seule bonne surprise) et a eu depuis une carrière en dents de scie alternant le médiocre (La Colère des Titans, Clones) avec le haut du panier (Jack Reacher, Orgueil et Préjugés, The World’s End). Ce rôle pourrait la faire définitivement décoller, d’autant plus qu’elle a damné le pion à des actrices confirmées comme Charlize Theron, Natalie Portman, Emily Blunt ou encore Abby Cornish. Les habituellement comiques Neil Patrick Harris et Tyler Perry complètent le casting et incarnent des personnages secondaires assez loin de ceux qu’ils ont l’habitude d’interpréter. Le tournage est en train de s’achever et a été fait en 6K (très haute définition) par Jeff Cronenweth, le directeur de la photographie des deux derniers films de Fincher. On ignore encore si Gone Girl a le potentiel pour flirter avec Se7en et Zodiac ou s’il s’avèrera dans la veine du mineur The Game. Quoiqu’il en soit, le cinéaste perfectionniste n’a rien perdu de ses habitudes puisqu’il referait chaque scène une cinquantaine de fois. 

 4 - Interstellar de Christopher Nolan (5 novembre)

Ce film, comme tous les derniers films de Christopher Nolan,  est extrêmement attendu par la communauté des cinéphiles. Le cinéaste britannique qui avait fait d’impressionnants débuts avec le percutant Memento a grimpé les échelons très vite. D’abord en gérant de manière admirable l’envoutant Insomnia, un « remake » supérieur à sa version originale canadienne, puis en osant s’atteler au « blockbuster » avec Batman Begins. Le fait que ce dernier ait été écrit par Nolan lui-même, une anomalie en soit dans le domaine du film de divertissement actuel, n’y est pas pour rien puisqu’il a amené son auteur à développer son univers ténébreux et ses thématiques angoissées pour les inclure dans une grande production hollywoodienne. A partir de cette date, Nolan, épaulé par son jeune frère scénariste Jonathan Nolan, a enchainé les gros projets avec son chef d’œuvre Le Prestige, son polar tétanisant avec la suite Batman – The Dark Knight et son passionnant labyrinthe Inception.

Jusqu’au premier hic avec l’ultime épisode de sa trilogie sur l’homme chauve-souris en 2012, The Dark Knight Rises. Le long métrage montrait les limites du style de Nolan : ses défauts, déjà présents dans ses œuvres précédentes, tendaient à prendre le pas sur ses qualités. Face à son premier et inévitable échec artistique, Christopher Nolan s’est retrouvé à un tournant décisif de sa carrière. Deux possibilités s’offraient à lui : persister dans ses travers comme si de rien n’était ou chercher à se renouveler. Avec Interstellar, il semble heureusement avoir choisi la seconde option. C’est un projet de longue date qui n’a pas été initié par lui. Une première depuis Batman Begins. Co-écrit par Jonathan Nolan et l’astrophysicien Kip Thorne pendant les années 2006-2007, ce space-opera devait être réalisé par Steven Spielberg, afin de rendre hommage à son père, avant qu’il ne décide malheureusement de lâcher l’affaire.

Logiquement, c’est donc Christopher Nolan lui-même qui le remplace. Ce projet se démarque a priori de ce que le cinéaste anglais a fait précédemment. Connu pour son obsession envers les intrigues « réalistes », Interstellar devrait l’obliger à sortir de son terrain habituel pour aller dans l’espace et filmer des vaisseaux spatiaux voyageant dans différentes dimensions à l’aide de trous noirs. Le but de ces aventuriers, si l’on s’en fie aux rumeurs, serait de trouver les moyens de résoudre les nombreux problèmes climatiques touchant la Terre dans le futur. Le tournage en Islande et dans les studios de Los Angeles s'est achevé dans la plus grande discrétion et les photos prises à la volée n'ont rien laissé filtré sur cette épopée intersidérale. Et autant ne pas parler de cette première bande annonce ne laissant rien présager d'autre qu'une jolie montée émotionnelle que l'on espère retrouver dans le film. Si Hans Zimmer reste à la musique, Nolan a dû se séparer de son directeur de la photographie attitré, Wally Pfister, qui est parti réaliser son (premier) long métrage de S.F. conceptuelle, Transcendance, avec Johnny Depp. A sa place, Nolan a embauché Hoyte Van Hoytema, le directeur de la photographie de Tomas Alfredson à l’occasion de Morse, du sublime La Taupe et de sa prochaine aventure d’heroic-fantasy Les Frères Cœur-de-lion prévue pour 2015. 

Au casting, on retrouve l’habituel Michael Caine dans un petit rôle et Anne Hathaway, la Catwoman de The Dark Knight Rises, en premier personnage féminin. Mais pour le reste, Nolan a fait peau neuve. Matt Damon a un caméo, Casey Affleck, Topher Grace et Jessica Chastain jouent des membres de l’équipage, et l’ultra-charismatique Matthew McConaughey écope du personnage principal et confirme son « come-back » fulgurant après La Défense Lincoln, Killer Joe et Mud. Le film est produit conjointement par la Paramount et la Warner Bros. Sachant que Nolan est ce qui s’apparente le plus à un nouveau Spielberg, que ce soit en termes de réception par le public et d’autorité auprès des studios qui lui confient les pleins pouvoirs, il est facile de savoir pourquoi Interstellar sera l’un des gros morceaux de 2014 et un furieux compétiteur à la prochaine course aux oscars.

 5 - Jupiter Ascending d’Andy et Lana Wachowski (23 juillet)

Le film suivant est aussi un « space-opéra ». Mais à l’inverse d’Interstellar, on peut déjà affirmer que le prochain long métrage d’Andy et Lana Wachowski sera moins porté sur le réalisme. Les mythiques réalisateurs de Matrix et de ses deux suites controversées, Matrix Reloaded et Matrix Revolution, n’aiment pas qu’on leur dise quoi faire. Ils recherchent l’indépendance à tout prix et se livrent à fond dans chacun de leur nouveau projet, et ce, même si le public n’est pas enclin à les suivre. En 2008, ils réalisaient leur chef d’œuvre Speed Racer, un film expérimental délirant et terriblement jubilatoire qui fut la risée d’une critique dépassée avant d’être boudé par les spectateurs. Ce flop massif a rendu difficile la concrétisation de leur film suivant encore plus ambitieux : Cloud Atlas.

Là encore, le film indépendant le plus cher depuis Apocalypse Now est passé inaperçu, même si les rares ayant osé tenter le voyage en sont ressortis plus qu’enthousiastes. On pouvait penser qu'ils étaient finis, définitivement rejetés par Hollywood, mais la Warner, l’unique studio actuel à soutenir les grands cinéastes, persiste à croire en eux. Les Wachowski ont donc encore les mains libres pour cette fois. Bien qu’ils ne puissent pas mettre en scène Cobalt Neural 9, une romance gay entre un soldat américain et un Irakien lors d’un conflit irakien parallèle impliquant notamment l’assassinat du président George W. Bush, ils se sont tournés vers un projet plus énorme avec Jupiter Ascending. 

Le film se déroule dans un futur assez lointain où Jupiter Jones, une immigrée russe qui nettoie les toilettes pour survivre, est poursuivie par Caine, un chasseur de prime interplanétaire génétiquement modifié. Ce dernier a été envoyé par la Reine de l’Univers car le destin de Jupiter risquerait de bouleverser l’équilibre du cosmos. La raison ? La signature génétique de Jupiter serait aussi parfaite que celui de la Reine qui pourrait alors être détrônée. Jupiter est incarnée par Mila Kunis (Black Swan, Ted) et Caine a les traits de Channing Tatum (21 Jump Street, Magic Mike). Le reste de la distribution n’est pas en reste puisqu’on y trouve Sean Bean (GoldenEye, Le Seigneur des Anneaux), Eddie Redmayne (Les Misérables), Doona Bae et James D’Arcy (tous les deux dans Cloud Atlas) ainsi que le metteur en scène Terry Gilliam dans un petit rôle décrit comme vital. 

Le tournage s’est effectué en 3D, une première (toute indiquée) pour les Wachowski, dans les studios anglais puis dans la ville de Chicago. La musique est déjà composée par l’excellent Michael Giacchino, qui avait écrit la B.O. fantastique de Speed Racer, afin que les Wachowski et leur directeur de la photographie John Toll (Cloud Atlas, Tonnerres sous les Tropiques, Gone Baby Gone, Le Dernier Samouraï et La Ligne Rouge, rien que ça) puissent élaborer leurs séquences en fonction de la bande son. Récemment, Andy et Lana Wachowski ont annoncé que les effets spéciaux de ce Jupiter Ascending étaient beaucoup plus complexes que ceux de Matrix, Speed Racer et Cloud Atlas. Quand on sait leur immense complexité technologique et quand on voit la première bande annonce qui nous en met plein les mirettes, on ne peut être que rêveur devant la folie visuelle que risque d’être ce « blockbuster ».

 6 - La Grande Aventure Lego de Chris Miller et Phil Lord (19 février)

Impossible de ne pas inclure un film d’animation dans ce classement des longs métrages les plus attendus pour l’année prochaine. On aurait pu mettre l’un des deux films de Ghibli, le dernier Miyazaki intitulé Le Vent se lève ou l’ultime Takahata qui s’appelle L’histoire de la princesse Kaguya, mais j’en avais parlé l’année dernière lors d’un précédent compte-rendu. J’aurai pu parler du prochain Pixar, The Good Dinosaur, mais il a été repoussé à 2015. Ce n’est peut-être pas un mal lorsque l’on voit la précipitation avec laquelle le brillant studio tend à sortir ses derniers longs métrages, et ce, parfois en dépit de leur qualité. Alors il faut se tourner vers La Grande Aventure Lego. Il est sûr qu’un tel projet ne semble pas franchement alléchant. On ne compte pas le nombre de films ratés ayant été adaptés d’un jeu : les Transformers ou Battleship, l’adaptation à 200 millions de dollars de « Touché Coulé » (n’oublions jamais !), sont là pour en attester.

Et pourtant, ce long métrage animé a plusieurs arguments à faire valoir qui laissent penser qu’il pourrait s’agir de l’un des plus chouettes films d’aventures de ces prochains mois. Tout d’abord parce que la licence LEGO crée par la célèbre société danoise est beaucoup plus inventive et inoubliable que beaucoup d’autres jouets. L’élaboration d’un film, a fortiori d’animation, ne parait pas saugrenue. De fait, les petites figurines ont fait les grandes heures des amateurs de « stop-motion » à l’occasion de courts métrages parfois très inspirés. La surprise est que, malgré ce que la bande annonce laisse penser, La Grande Aventure Lego a été élaboré en images de synthèse. L’idée de génie est de faire croire que le film a le charme suranné des mouvements en « stop-motion » tout en bénéficiant de la liberté totale de mise en scène que confèrent les images numériques.

Ce parti pris assez audacieux n’est pas surprenant lorsque l’on se penche sur le nom des deux réalisateurs qui ont la tâche de mener ces aventures : Phil Lord et Chris Miller. Un duo peu connu à qui l’on doit pourtant deux longs métrages très réussis. Le premier était un hilarant film d’animation connu sous le titre génialement absurde de Tempêtes de boulettes géantes ; le second était l’adaptation « live » de la « teen-serie » policière ringarde « 21 Jump Street ». Dans les deux cas, ils s’agissaient de projets casse-gueule que ces cinéastes ont transcendé pour livrer des films de divertissement de très haute tenue. A l’image du prochain film des Wachowski, La Grande Aventure Lego relate une histoire d’Elu. Emmet, un lego ordinaire, est évidemment pris par erreur pour le Maître Constructeur pouvant sauver le monde. Il se retrouve entrainé contre son gré dans un périple des plus mouvementés avec pour but de mettre hors d’état de nuire un redoutable despote. 

Si en termes visuel mais aussi d’humour, le film semble assurer comme les deux précédents longs métrages de Lord et Miller, il ne met pas de côté le casting de voix. Emmet est doublé par Chris Pratt tandis que le tordant Will Ferrell donne sa voix au méchant Lord Business. Elisabeth Banks, Morgan Freeman (en éternel guide à la voix grâve) et Liam Neeson complètent la distribution. Profitant du nombre de personnages ayant eu droit à leurs figurines Lego, Lord et Miller ont incorporé au récit Batman et Superman à l’occasion de leur première rencontre cinématographique avant la suite du Man of Steel de Zack Snyder. Et histoire de compléter la Ligue des Justiciers avant l’hypothétique « blockbuster » prévu pour 2016 ou 2017, Wonder Woman et Green Lantern seront aussi de la partie. Une fois n’est pas coutume, ce film d'animation américain, qui sera surement le plus intéressant en 2014 avec Dragons 2, est produit par… la Warner. Oui, encore elle.

 7 - Maggie de Henry Hobson (date de sortie inconnue)

Il existe surement un monde parallèle dans lequel Arnold Schwarzenegger est un grand acteur et pas uniquement ce monstre de charisme qui fit le bonheur de trop rares réalisateurs brillants à l’occasion de films d’action inoubliables. Un monde où le bodybuilder d’origine autrichienne ne serait pas uniquement connu pour avoir été le Terminator ou les héros musclés de Conan le barbare, Predator, Last Action Hero et Total Recall. D’une certaine manière, Schwarzenegger est l’un des acteurs les plus malchanceux de l’Histoire du cinéma puisqu’il s’est retrouvé dans bon nombre de navets alors qu’il aurait pu tenir la vedette de quelques-uns des plus grands films jamais faits. Dans les années 1990, Paul Verhoeven le voulait dans le rôle du colossal Franc Hagen dans ce qui aurait dû être le plus incroyable film médiéval de tous les temps : Crusade. James Cameron le voulait en nouveau Charlton Heston pour le « remake » de La Planète des Singes avant que ce dernier ne soit laissé aux malencontreuses mains de Burton et d’un Mark Wahlberg paumé.

Pour son « come-back » à la fin de son mandat de gouverneur de Californie, Schwarzy devait revenir avec le drame équestre Cry Macho produit par Al Ruddy (Million Dollar Baby, Le Parrain). Malheureusement, le destin en a décidé autrement. Si son choix de tenir le premier rôle dans le divertissant Le Dernier Rempart de Kim Jee-woon était des plus honorables, le film n’a pas du tout eu le succès escompté. Au final, le retour de Schwarzy se fait par la petite porte, avec des projets faciles : des caméos dans Expendables 1 et 2, les futures suites de Terminator et de Conan, un énième « actioner » bourrin intitulé Sabotage. L’acteur est emprisonné dans ses rôles illustres, à l’instar de son ami Sylvester Stallone qui est condamné à rejouer indéfiniment Rocky et Rambo. Les deux hommes ont justement enfin droit à leur premier vrai face-à-face cinématographique avec Evasion, lui aussi passé inaperçu. Mais la donne pourrait changer avec ce drôle de projet mené par l’inconnu Henry Hobson et intitulé Maggie.

A l’origine, il y a un scénario classé dans la « Black List » annuelle des meilleurs scripts encore non produits. Le film voit la toute première confrontation de Schwarzenegger avec une invasion de zombies. Immédiatement, vous vous dites « Oh, un énième film de morts-vivants, un énième blockbuster, un énième film d’action ! ». Les sites de cinéma ont d’ailleurs largement diffusé cette idée dès que l’annonce de Schwarzenegger dans le rôle principal fut faite. Or il s’agit là d’un gigantesque malentendu puisque son personnage est à contre-emploi de ce qu’il a fait auparavant. Maggie est un petit film de dix millions de dollars, un drame indépendant aux faux-airs de « road-movie ». A priori, pas ou très peu de dézinguages de morts-vivants à la sulfateuse. Schwarzy y interprète un père de famille qui tente d’empêcher sa fille unique, contaminée par un virus, de se transformer doucement mais surement en zombie. La lente mutation de la gamine renvoie ici de manière métaphorique à la lente propagation d’une grâve maladie, un peu comme c'était le cas dans La Mouche de David Cronenberg.

C’est alors qu’un autre projet abandonné de Schwarzenegger revient en tête. Un homme barbu (un changement de look salvateur pour l’acteur qu’Evasion confirmait déjà), cigare au bec, voyant sa fille unique être infectée alors qu’ils sont seuls au milieu d’une horde de montres s’apprêtant à dominer le monde au détriment des humains, évoluant dans un récit apocalyptique sur la solitude, le deuil, la maladie,… Autant d’éléments qui semblent venir directement du phénoménal scénario que Mark Protosevich avait écrit à la fin des années 1990 pour l’adaptation de Je suis une Légende par Ridley Scott et dans lequel Schwarzenegger devait incarner Robert Neville, le dernier homme sur Terre. Un film depuis dévoyé par l’horrible Akiva Goldsman, le « yes-man » Francis Lawrence et l’acteur « cool » Will Smith qui ont transformé ce film fantastique extrêmement violent et déprimant en un « blockbuster » pour ados fans de CGI ignobles. A l’instar de Crusade, Schwarzy ne s’est jamais vraiment remis de l’abandon de ce projet qui aurait dû être l’un des plus grands chefs d’œuvre de sa carrière. Abigail Breslin incarne la jeune fille malade et remplace au pied levé Chloe Moretz, indisponible pour cause d’agenda surchargé, et Joely Richardson joue sa mère. Le tournage en Nouvelle Orléans est sur le point de s’achever et le film devrait sortir vers la fin de 2014.

 8 - Noé de Darren Aronofsky (9 avril)

Le film suivant est vraisemblablement ce qui peut se rapprocher le plus d’une version 2014 du Prometheus de Ridley Scott : un grand réalisateur, un vaste sujet, de somptueuses images évocatrices qui flattent la rétine, un casting intéressant ainsi qu’un fort potentiel pour se vautrer dans le message bigot et dans le clip de propagande « made in Bible Belt ». Il y a d‘abord le cinéaste à la barre. Darren Aronofsky a été révélé en 2000 avec Requiem for a dream, la meilleure pub antidrogue jamais faite aux effets de montage ringards et au scénario abominablement putassier. Après ce coup d’essai surestimé, Aronofsky a notamment enchainé avec l’étrange et pompeux The Fountain puis le touchant drame The Wrestler qui avait surtout comme grande qualité d’amener le « come-back » temporaire de Mickey Rourke. Le cinéaste new-yorkais à la subtilité de la Panzer Division était revenu ensuite avec le sympathique thriller Black Swan, qui repompait l’œuvre de Satoshi Kon, ce qui lui avait valu d’être dans les petits papiers des studios, des critiques et du public.

Malgré son gout pour les histoires morbides, Aronofsky a plusieurs fois failli être à la tête d’un « blockbuster » : Batman Begins, The Wolverine ou encore le « remake » de Robocop. Ses premiers pas dans la grosse production vont se faire avec ce Noé qu’il porte depuis quelques années. Et vendre à la Paramount une version sombre, adulte et écologique du célèbre épisode biblique de Noé, un homme choisi par Dieu pour construire une arche afin d’y rassembler un être vivant de chaque espèce et de chaque sexe pour recréer le monde après le Déluge, n’a pas été sans peine. Une bande dessinée a même été faite afin de donner aux producteurs potentiels une idée de l’ampleur visuelle du scénario d’Aronofsky. Après le carton de Black Swan, le cinéaste est parvenu à recevoir un budget de 120 millions de dollars et a réuni une belle distribution : Russell Crowe, qui revient au péplum après Gladiator, dans le rôle de Noé, Jennifer Connelly, Ray Winstone, Anthony Hopkins et Emma Watson.

Entendons-nous : même aux yeux d’un cinéphile athée, les films basés sur des récits religieux peuvent être intéressants : l’inoubliable Dix Commandements de Cecil B. DeMille ou encore les controversés La Dernière Tentation du Christ de Martin Scorsese et La Passion du Christ de Mel Gibson en attestent. Et l’heure est au retour du film biblique avec des projets comme Paradise Lost d’Alex Proya ou encore le film sur Moïse que doit réaliser Ridley Scott avec Christian Bale. La question est de savoir à qui s’adresse Noé. Au public de la « Bible Belt » ? La première bande annonce « leaké » (depuis remplacée par celle-ci, plus officielle et moins polémique) le laisse penser avec sa tonalité glorieuse et sa tagline consternante : « rediscover the most important event of our history ». Mais là où l’on pourrait s’inquiéter devant la perspective d’un prêchi-prêcha chrétien, de nombreux échos de personnalités croyantes ayant mis la main sur le script laissent penser que le film ne caresserait pas le mythe dans le sens du poil.

De plus, de récentes projections-test avec des croyants ont engendré des réactions mitigées. Et la Paramount de découvrir soudainement en post-production la noirceur et la violence du film. Panique à bord ! Le studio essaye actuellement d’enlever au cinéaste la possibilité de faire son « director’s cut ». Mais le metteur en scène n’est pas réputé pour aimer les concessions, surtout quand il a précisé la teneur de son approche avant l’obtention de son feu vert. Une lutte épique s’annonce jusqu’en mars prochain et l’on ne comptera bientôt plus les articles qui vont prédire le futur naufrage du plus célèbre des bateau avec le Titanic. Difficile de dire ce que donnera ce péplum disposant des plans parmi les plus complexes que la boite d’effets spéciaux ILM ait jamais eu à traiter. Une grande fresque sur la noirceur humaine ? Un tract « new-age » ? Une baudruche pour culs-bénis ? Un succès international ou l’un des plus embarrassants flops-nanards de ces prochaines années ? Le suspense est entier.

 9 - The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson (19 mars)

De la nouvelle vague des bons réalisateurs américains apparus à partir de la fin des années 1990, Wes Anderson est l’un des plus atypiques de par son esthétisme pop. Féru de cinéma européen, et particulièrement français, Anderson déploie de film en film un univers coloré, fou et poétique qui est immédiatement reconnaissable. Pour l’instant, il est épargné par le retour de bâton qui frappe souvent les cinéastes ayant une patte et un monde si rapidement identifiable lorsqu’ils commencent à tourner en rond (Tim Burton, Jean-Pierre Jeunet,…). On peut même dire que son précédent film, le très beau Moonrise Kingdom, était l’un de ses meilleurs longs métrages. Après La Famille Tenenbaum, La Vie Aquatique, A bord du Darjeeling Limited ou encore le film d’animation Fantastic Mr. Fox, Wes Anderson s’attaque maintenant à un projet a priori dans la droite lignée de ses travaux précédents tout en bénéficiant du plus large budget de sa carrière. Son septième film, qui ouvrira la prochaine Berlinale en février, s’intitule The Grand Budapest Hotel. Il s’agit cette fois encore d’une comédie dramatique ayant des airs de film choral.

L’action se déroule pendant l’entre-deux-guerres dans le somptueux « Grand Hotel de Budapest » et suit le grand concierge du lieu, Gustave H., et son ami, le jeune groom Zero Moustafa. Si le second est joué par l’inconnu Tony Revolori, le premier est incarné par un immense acteur qui n’est pas un habitué de la comédie puisqu’on l’a souvent vu dans les rôles de méchants : Ralph Fiennes (La Liste de Schindler, Le Patient Anglais, Strange Days, The Constant Gardener, SkyFall), qui remplace Johnny Depp pour qui le personnage était originellement prévu. Qu’un acteur de sa trempe tienne le haut d’une affiche extrêmement prestigieuse alors qu’on l’a trop souvent réduit à des seconds rôles ces dernières années est déjà en soi quelque chose de réjouissant (surtout si on lui ajoute une moustache du plus bel effet). Les deux héros se retrouvent impliqués dans un vol de tableau et dans un imbroglio au sujet d’un gigantesque héritage au cours d’une période de grands changements pour l’Europe.

Mis en scène, écrit et produit par Wes Anderson, The Grand Budapest Hotel est avant tout le plus beau casting qu’est parvenu à réunir le réalisateur à ce jour, ce qui n’est pas peu dire lorsque l’on voit quels acteurs ont répondu présent lors de ses précédents films. On croisera ainsi, parfois le temps d’une seule scène, rien de moins que l’excellente Saoirse Ronan (qui sera aussi dans Maintenant c’est ma vie de Kevin MacDonald), Tilda Swinton (qui figurera dans le prochain Jim Jarmusch, Only Lovers Left Alive), Edward Norton, Bill Murray, Adrien Brody, Willem Dafoe, Jeff Goldblum (enfin de retour !), Harvey Keitel, Judd Law, Matthieu Amalric, Léa Seydoux, les habituels Owen Wilson et Jason Schwartzman, F. Murray Abraham ou encore Tom Wilkinson. Si vous ne considérez pas cela comme le casting de l’année, voire même de la décennie, qu’est-ce qu’il vous faut de plus ?!

Tourné en Allemagne dans le grand magasin Karstadt de Görlitz puis dans les studios de Babelsberg, le film ne se départit pas de quelques-uns des collaborateurs habituels d’Anderson. Parmi eux, on retrouve Alexandre Desplat, qui sera une nouvelle fois très occupé cette année et qui avait déjà composé la très chouette B.O. de Moonrise Kingdom, ou encore le très talentueux directeur de la photographie Robert D. Yeoman qui ne se lasse pas de composer ces sublimes plans symétriques caractéristiques du style du cinéaste (le film aurait d’ailleurs été tourné sous plusieurs formats). Puisqu’il est produit par Scott Rudin, l’un des producteurs les plus sensés de Hollywood qui a souvent eu le nez creux pour financer et supporter quelques-uns des plus grands films américains de ces dernières années, on peut être amené à penser que ce The Grand Budapest Hotel risque d’être l’un des plus gros morceaux de cinéma de l’année prochaine. La première bande annonce confirme tous les espoirs qu’on avait mis dans le projet et annonce un bonbon acidulé, jubilatoire, inventif et peut-être aussi un peu cruel qui sera absolument inratable en salles.

 10 - The Imitation Game de Morten Tyldun (fin de l'année)

Le dixième film de cette liste sera l'un des plus gros concurrent à abattre lors de la course aux oscars concernant les longs métrages sortis pendant l'année 2014. En effet, The Imitation Game bénéficie de plusieurs atouts de taille dans sa manche. Il s'agit d'abord d'un biopic, un genre qui a toujours eu les faveurs des cérémonies à récompenses puisqu'il permet de conjuguer le vrai parcours d'un personnage hors normes avec des interprétations admirables d'acteurs qui se livrent corps et âmes afin de leur ressembler et les comprendre. De plus, ces prestigieux castings évoluent dans de somptueux décors aussi minutieusement reconstitués que magnifiquement rétros. En bref, le biopic est un genre cinématographique qui brille non seulement par ses scénarios denses relatant des histoires bigger than life pourtant bien réelles, mais aussi par ses performances de comédiens et sa direction artistique flamboyante.

The Imitation Game dispose de tous ces valeureux attributs. Il y a d'abord le beau sujet historique : la carrière du méconnu et néanmoins capital mathématicien, informaticien et crypto-analyste anglais Alan Turing. Ce scientifique de génie a joué un rôle crucial dans le dénouement de la Seconde Guerre mondiale en parvenant à décrypter la machine Enigma et en permettant ainsi aux alliés d'intercepter et de comprendre les communications cryptées de l'armée allemande. Ses découvertes ont entrainé les prémices de la science informatique, le développement de cet outil révolutionnaire qu'allait devenir l'ordinateur et le début d'une réflexion sur l'intelligence artificielle. Comme toute figure d'exception, Turing cachait aussi une part "sombre" : il était homosexuel à une époque où l'être équivalait à un crime. Lorsque son secret fut découvert, il perdit son travail et évita la prison en "acceptant" d'être castré chimiquement en prenant des oestrogènes. Le 7 juin 1954, il se suicida en avalant une pomme pleine de cyanure (la même qui servira de logo-hommage à l'"Apple" de Steve Jobs).

Ce n'est que tout récemment que la reine Elizabeth II l'a gracié à titre posthume. Le film tombe donc à pic puisqu'il intervient en pleine phase de réhabilitation du personnage. Tiré de la biographie Alan Turing : The Enigma d'Andrew Hodges, le scénario a été écrit par l'inconnu Graham Moore. Cependant, celui-ci avait malgré tout figuré à la première place de la "Black List" de 2011, ce qui amena l'acteur-producteur Leonardo DiCaprio à se l'accaparer sur le champ pour le développer sous la houlette de l'éternel studio Warner Bros. Bien que souhaitant évidemment incarner le rôle principal, DiCaprio a fini par quitter le navire avant que le studio ne fasse de même. Mais un projet pareil ne saurait rester seul très longtemps. Le réalisateur norvégien Morten Tyldum, à qui l'on doit le thriller norvégien très apprécié Headhunters, s'est rapidement et logiquement retrouvé au poste de metteur en scène pour faire ses inévitables premiers pas dans le cinéma anglophone. 

Le spectacle devrait être assuré puisque quelques artistes renommés se sont joints à la fête. Parmi eux, on retrouve le musicien britannique Clint Mansell, qui composera la bande originale après avoir crée les thèmes souvent mémorables des films de Darren Aronofsky, ainsi que le chef opérateur espagnol Oscar Faura (The Machinist, Les Yeux de Julia, et surtout les deux sublimes films de Juan Antonio Bayona L'Orphelinat et The Impossible). Mais c'est dans son casting que réside la carte maîtresse de The Imitation Game. Au milieu de Keira Knightley (Pirates des Caraïbes, Orgueil & Préjugés, Reviens-moi et Anna Karenine), de Mark Strong (Kick-ass, La Taupe, John Carter et Zero Dark Thirty), de Matthew Goode (Watchmen et Stoker) et de cette sacrée trogne de Charles Dance (Alien 3 et Last Action Hero), on retrouve le génial Benedict "Sherlock" Cumberbatch (Reviens-moi, La Taupe, Cheval de Guerre, Star Trek Into Darkness et Le Hobbit) qui devrait avoir là LE personnage qui lui assurera un tremplin définitif à Hollywood.

Bien qu'étant parti en Nouvelle Zélande et n'ayant depuis qu'une disponibilité limitée pour mettre à jour ce blog, je publie malgré tout mon flop et mon top de cette année, car je ne résiste pas à l'envie de faire avec vous le bilan de 2013. Néanmoins, je n'exclue pas la possibilité de les mettre ultérieurement à jour lorsque j'aurai vu la poignée de longs métrages qui m'intéresse et qui sont prévus jusqu'au 31 décembre (je pense notamment au The Immigrant de James Gray, au Capitaine Philips de Paul Greengrass et au Cartel de Ridley Scott). Sur ce, commençons par les quinze plus vilains petits canards de 2013.

1 - Die Hard 5 : Une Belle Journée pour mourir de John Moore

Malgré l’enthousiasme de la presse lors de sa sortie, le quatrième opus de Len Wiseman avait fini par mettre tout le monde d’accord sur le fait qu’il avait détruit l’iconique héros d’action John McClane. Mais la Fox, Bruce Willis et le minable John Moore ont relevé le défi. Grâce à eux, Die Hard 4 est devenu un sympathique blockbuster. Pendant 90 minutes, ils tuent le personnage puis violent joyeusement son cadavre. Qu’une telle production à gros budget aussi mal foutue ait pu voir le jour est scandaleux. S’il a survécu aux frangins Gruber, on peut d’ores et déjà assurer que McClane ne s’en relèvera pas.

2 - Malavita de Luc Besson

Besson sort de sa retraite pour la énième fois pour notre plus grand malheur. Cette fois-ci, il entraine dans sa chute un Robert De Niro ayant déjà bien bousillé sa carrière.  Personne ne ressort indemne de l'aventure, à part le génialement je-m'en-foutiste Tommy Lee Jones. Une inepte suite indirecte des Affranchis de Martin Scorsese digne d'un téléfilm français pantouflard. Comme Besson est aigri, tous les Français y sont décrits comme des crétins-racistes-violeurs. Et comme Besson a un complexe d'infériorité, il y vénère les américains, même dans leurs travers. Une purge nauséabonde.

3 - Suspect de Scott Walker

D’un pitch prometteur tiré d’une histoire vraie, Scott Walker élabore un film catastrophique dont le montage analphabète, qui rendrait fier Marc Forster, détruit le peu d’atmosphère envoutante qui aurait pu découler des quelques panoramas de l’Alaska. On passe du coq à l’âne sans jamais prendre le temps de se poser deux minutes, on emploie des ficelles absurdes et on saupoudre ça d’une photographie ignoble. L’enquête patine perpétuellement pour aboutir à une conclusion décevante. Nicolas Cage cachetonne, John Cusack galère à composer un psychopathe et seule Vanessa Hudgens s’en tire honorablement.

4 - Machete Kills de Robert Rodriguez

Cette suite d’une parodie-hommage aux séries B/Z/films d’exploitation déjà très mollassonne tient ses (non)promesses. L’absence de blagues amène à questionner le sérieux ou le je-m’en-foutisme de l’entreprise. Entre les jets de sang numériques, la redite des moments supposés « cultes » du premier Machete, les clins d’œil vomitifs envers La Guerre des Etoiles, la tripotée de stars « has been » venant se prostituer pour un ultime éclat de gloire et la réalisation feignante, cette parodie de parodie n’est qu’un épisode devant annoncer un troisième opus a priori encore plus à la ramasse.

5 - The Bay de Barry Levinson

Encore un énième « found footage movie » ne justifiant jamais son parti pris de mise en scène qui brise toute implication émotionnelle du spectateur. Le réalisateur oscarisé de Rain Man s’extasie à l’idée de prendre un risque dans sa carrière et découvre, dix ans après tout le monde, une mode cinématographique déjà usée jusqu’à la moelle. Quand les plans daignent avoir une meilleure définition qu’une vidéo de Skype, c’est pour montrer un casting inexpressif qui n’est pas dirigé. Une heure et demie de voix off, ponctuée de trois « jumps scares », qui lorgne piteusement vers [Rec] et Les Dents de la Mer.

6 - Gangster Squad de Ruben Fleischer

Ce projet au casting prestigieux était alléchant car il ressuscitait l’ambiance sombre et glamour des années 40 devenue rare au cinéma depuis Le Dahlia Noir. Mais les « reshoots » et la sortie en février auraient dû mettre la puce à l’oreille. Ca copie à tout-va, ça n’innove en rien, ça se veut violent mais ça n’a pas de scène choc, ça se veut élégant mais ça ne ressemble qu’à un sous-Incorruptibles réalisé par un sous-Zack Snyder. Sean Penn est lamentable, Ryan Gosling joue les minets, la juvénile Emma Stone en femme fatale est un gros « miscast » et les nombreux seconds couteaux n’ont que cinq minutes pour exister.

7 - World War Z de Marc Forster

Marc Forster enchaine un nouveau blockbuster ainsi qu’un nouveau « developpment hell » destructeur pour cette adaptation d’un livre passionnant. On lorgne vers tout mais on ne réussit rien du tout : le drame familial est abandonné au bout de trente minutes, l’analyse géo-politique est effleurée et l’action est illisible. Un film d’horreur pour gamins, complètement incohérent et qui réserve son lot de fous rires involontaires. Brad Pitt y est très mauvais et le tout s’achève sur un non-climax annonçant une suite qui portera sur la guerre du titre dont on n’a évidemment pas vu une miette.

8 - Jack le chasseur de géants de Brian Singer

Une idée crétine qui débouche sur une catastrophe industrielle de grande ampleur. Des effets spéciaux ayant dix ans de retard et une direction artistique plagiaire enveloppent un scénario qui ne sait pas choisir entre le divertissement infantilisant et le film d’aventure flirtant avec l’héroic fantasy. L’interprétation est à l’ouest et la mise en scène sans inspiration peine à apporter le caractère épique souhaité par ce blockbuster de pacotille. Ponctuellement prenant, mais surtout très ennuyeux par son rythme absurde, son climax raté ainsi que par l’innofensivité et la non-inventivité incontestable de l’ensemble.

9 - Les Ames Vagabondes d’Andrew Niccol

Avec « Twilight », Stephenie Meyer avait réduit le vampire à une figure frigide à la sensiblerie mièvre. Avec Les Ames Vagabondes, elle rabaisse la S.F. à un niveau prépupère afin de faire l’apologie mormone du retour à la terre en cercle fermé. Andrew Niccol révèle que son Time Out n’était pas une erreur mais bien la première étape de sa vertigineuse décadence artistique. Après Kristen Stewart, Saoirse Ronan fait ce qu’elle peut avec un personnage de jeune fille inactive énamourée de deux tétards transparents. Vide, cucul, mal rythmé, moche et minimaliste comme un mauvais téléfilm de « SyFy ».

10 - La Chute de la Maison Blanche d’Antoine Fuqua

Un film anachronique hésitant entre hommage aux ersatz de Die Hard sortis après le classique de John McTiernan, parodie des longs métrages patriotiques des années 90 et actionner burné ne lésinant pas sur l’hémoglobine. On ne sait jamais vraiment sur quel pied danser mais le premier degré prétentieux semble malgré tout prévaloir au final. Une mise en scène efficace mais impersonnel, un casting ennuyé, un scénario plagiant trois décennies de cinéma d’action et des effets spéciaux absolument ignobles accompagnent ce spectacle amusant, complètement paranoïaque, ethnocentré et emphatique.

11 - Iron Man 3 de Shane Black

On annonçait le retour de Shane Black, les retrouvailles de Robert Downey Jr avec le cinéaste de Kiss Kiss Bang Bang, un récit plus dramatique et un méchant d’envergure. Mais malgré une promotion alléchante, il apparait que le studio Marvel n’a pas élevé ses ambitions. Le film a tous les défauts imaginables de rythme et d’écriture, mais il dispose aussi d’une facture esthétique interchangeable. Outre le cabotinage de Downey Jr, la fadeur des nombreux personnages secondaires et le manque de dynamisme des scènes d’action, ce film d’un cynisme gonflant aboutit sur un quasi-aveu d’échec de Shane Black.

12 - Les Misérables de Tom Hooper

Retranscrire le pavé de Victor Hugo en comédie musicale avait un intérêt cinégénique. Mais le surévalué Tom Hooper livre un film sans lyrisme ni souffle épique. Sur trois longues heures faites de gros plans d’acteurs immobiles en train de chanter, seules la première image et les deux dernières minutes font entrevoir ce qu’aurait pu être ce projet en des mains plus expertes. Avec sa direction artistique jamais valorisée, l’objet est si laid qu’on croirait qu’un hybride de Tim Burton et de Jean-Marie Poiré en tenait les rênes. Anne Hathaway sauve de justesse ce pompeux navet friqué handicapé par son défi technologique.

13 - Parkland de Peter Landesman

L’assassinat de JFK continue de fasciner mais cette fois-ci, cela ne donne pas une œuvre passionnante. Point de paranoïa, point de remise en question, point d’enquête mais un voyeurisme parfois mal placé. L’effritement du « rêve américain » est grossièrement exposé par les réactions décousues de personnages éparpillés. On ne sait pas trop ce que veut montrer le film ni où il veut en venir, mis à part son parallélisme lourdingue entre le président américain et son supposé meurtrier. Mais James Badge Dale a l’occasion de montrer l’étendue de son talent grâce à l’unique personnage touchant et approfondi du film.

14 - Insaisissables de Louis Leterrier

Un énième ersatz recopiant le style et les thématiques de Christopher Nolan. Au final, ce n’est qu’un banal film de braquage (Inception) avec quelques prestidigitateurs (Le Prestige). Après deux tiers décortiquant le moindre rouage des tours de magie, annihilant tout effet de surprise, le dernier tiers enchaine les « twists » absurdes qui ne sont évidemment jamais expliqués. Le casting joue très mal (mention spéciale à Mélanie Laurent) et Leterrier noie son film sous des effets de caméra pour que le spectateur ne s’aperçoive pas qu’on le prend pour un idiot. Un film sur la magie pour ceux qui n’aiment pas la magie.

15 - The Grandmaster de Wong Kar-wai

Un tournage plein d’accidents et une post-production sans fin : il n’en fallait pas plus pour créer une aura autour du dernier né du cinéaste asiatique le plus aimé par les critiques bobos. Mais la montagne a accouché d’une souris. Le projet s’est perdu en chemin et a été amputé d’un bon tiers de son histoire aux vues des multiples ellipses absurdes. Tantôt biopic superficiel, tantôt « revenge movie », tantôt romance ampoulée, ce film de kung-fu est d’une incohérence narrative délirante. Outre le fait qu’il s’embarrasse de sous-intrigues inutiles, Kar-wai ne rend pas service aux rares combats d’une illisibilité crispante.

Les nominations pour la 85^ème Cérémonie des Oscars ont été dévoilé il y a quelques jours par Emma Stone et Seth MacFarlane (« American Dad », Ted) qui présentera la soirée du 24 février prochain. Comme d’habitude, il y a les choix très évidents (parfois prévisibles avant même la sortie officielle du film concerné) et des oublis plus ou moins regrettables. En termes de chiffre, le Lincoln de Steven Spielberg part évidemment favori avec 12 nominations. Il est cependant très peu probable qu’il ressorte comme le grand vainqueur de la soirée et celui-ci risque surtout de réitérer ce que le film de David Fincher, L’Etrange histoire de Benjamin Button, avait fait quelques années auparavant (pleins de nominations mais quasiment pas d’oscars à l’arrivée). En seconde position vient le somptueux L’Odyssée de Pi d’Ang Lee qui résiste étonnement avec 11 nominations. A égalité pour la troisième et quatrième position, on retrouve deux produits typiques des oscars, et donc des adversaires potentiellement dangereux : Les Misérables de Tom Hooper (comédie musicale adaptée d’un « show » adulé de Broadway) et Happiness Therapy de David O. Russell (fausse comédie mais vrai drame à tendance « indé »). Chacun a huit nominations et tous les deux sont des « crowd pleasure » comme le furent Le Discours d’un roi du même Hooper ou bien le Slumdog Millionaire de Danny Boyle. Vient ensuite un autre film populaire avec le très beau Argo de Ben Affleck (7 nominations). Il y a enfin un triplé pour 5 nominations avec l’absolument passionnant Zero Dark Thirty de Kathryn Bigelow, le réussi Django Unchained de Quentin Tarantino et Amour de Michael Haneke, qui bénéficie d’un « buzz » européen et américain assez délirant. Dans les petits « derniers », on retrouve le premier beau film Les Bêtes du Sud Sauvage de Benh Zeitlin (4 nominations), SkyFall de Sam Mendes (5 nominations mais pas celle du meilleur film ; un hommage sera fait pour les 50 ans de la franchise « James Bond » avec, normalement, Adele qui chantera la chanson-titre du dernier épisode et la présence de tous les acteurs ayant porté le célèbre costard de l’agent britannique) et Le Hobbit - partie 1 : Un voyage inattendu de Peter Jackson (3 nominations).

MEILLEUR COURT-METRAGE

Asad

Buzkashi Boys

Curfew

Death of a Shadow

Henry

MEILLEUR COURT-METRAGE D’ANIMATION

Adam and Dog

Fresh Guacamole

Head Over Heels

The Simpson - The Longest Daycare

Paperman

MEILLEUR COURT-METRAGE DOCUMENTAIRE

Inocente

Kings Point

Mondays at Rcine

Open Heart

Redemption

MEILLEUR DOCUMENTAIRE

5 Caméras Brisées

The Gatekeepers

How to Survive a Plague

The Invisible War

Sugar Man

MEILLEUR EFFETS SPECIAUX

Le Hobbit - partie 1 : Un voyage inattendu

L’Odyssée de Pi

Avengers

Prometheus

Blanche Neige et le Chasseur

Probabilité : Ça se jouera entre Le Hobbit et L’Odyssée de Pi. Ce sera probablement le second qui bénéficie d’une plus grande côte de popularité (succès public et meilleure réception critique). L’effet « Seigneur des Anneaux » s’est un peu estompé depuis toutes ces années.

Mon choix : WETA ayant été de très nombreuses fois récompensé, je penche pour L’Odyssée de Pi dont le défi technique de taille (recréer numériquement un tigre) est admirablement remporté. D’autant plus qu’il faut y ajouter les nombreuses séquences oniriques et poétiques vraiment sublimes.

MEILLEUR SON

Argo

Les Misérables

L’Odyssée de Pi

Lincoln

SkyFall

Probabilité : Zero Dark Thirty.

Mon choix : Zero Dark Thirty.

MEILLEUR MONTAGE SONORE

Argo

Django Unchained

L’Odyssée de Pi

SkyFall

Zero Dark Thirty

Probabilité : Zero Dark Thirty.

Mon choix : Zero Dark Thirty.

MEILLEUR MONTAGE

Argo (William Goldenberg)

L’Odyssée de Pi (Tim Squyres)

Zero Dark Thirty (Dylan Tichenor, William Goldenberg

Lincoln (Michael Kahn)

Happiness Therapy (Jay Cassidy, Crispin Struthers)

Probabilité :Vraisemblablement, ce sera soit Argo ou Zero Dark Thirty. Et ce dernier part avec l’avantage d’être une longue chronique se déroulant sur une décennie et nécessitant un montage habile afin de garder un rythme, une concision et une précision parfaite.

Mon choix: Zero Dark Thirty. Rien que la dernière demi-heure est une leçon de découpage et de rythme.

MEILLEURS DECORS

Anna Karenine

Le Hobbit – partie 1 : Un voyage inattendu

Les Misérables

L’Odyssée de Pi

Lincoln

Probabilité : Les Misérables devrait l’emporter vu son statut conjoint de « comédie musicale » et de « film historique ». Anna Karenine devrait souffrir de son parti-pris (un paysage parfois symbolisé par un « simple » fond peint). Néanmoins, Lincoln peut être un sérieux concurrent. Quant au Hobbit, il ne bénéficie pas d’une aussi grosse côte de popularité que ses concurrents et il utilise davantage de CGI que la trilogie du Seigneur des Anneaux.

Mon choix : SkyFall est mystérieusement absent alors qu’il s’agissait clairement de l’une des catégories les plus évidentes à son sujet (manoir recrée de toutes pièces dans la campagne anglaise tandis qu’une ville abandonnée, un casino flottant, des souterrains londoniens et des gratte-ciels chinois ont été reproduits à Pinewood). Vu que le gagnant évident est écarté pour des raisons de « lobbying » (que vient faire là L’Odyssée de Pi avec son bateau et sa piscine ?), je me tourne vers la sublime direction artistique d’Anna Karenine, d’autant plus que la Terre du Milieu a déjà été plusieurs fois primée.

MEILLEURE CHANSON ORIGINALE

Chasing Ice (« Before My Time »)

Ted (« Everybody Needs A Best Friend »)

L’Odyssée de Pi (« Pi’s Lullaby »)

SkyFall (« SkyFall »)

Les Misérables (« Suddenly »)

Probabilité : Puisque la chanson d’Adele a réussi à se caser parmi les nominés malgré la polémique sur la présence des quelques notes du thème de 007 composées bien antérieurement, « SkyFall » devrait l’emporter sans problème. Son gros succès la conforte dans sa position de « favorite ».

Mon choix: SkyFall évidemment, absolument magnifique, puissante et condensant à elle-seule cinquante ans de tradition « bondienne ».

MEILLEURE MUSIQUE

Anna Karenine (Dario Marianelli)

Argo (Alexandre Desplat)

L’Odyssée de Pi (Mychael Danna)

Lincoln (John Williams)

SkyFall (Thomas Newman)

Probabilité : Vraisemblablement l’une des pires catégories. Où est Michael Giacchino pour John Carter ? Où est Howard Shore pour Le Hobbit et surtout pour l’envoutante B.O. de Cosmopolis ? Pourquoi nominer l’une des plus plates compositions de Desplat quand celui-ci livre (pour une fois) trois excellentes compositions cette année avec Zero Dark Thirty, Moonrise Kingdom (très injustement boudé cette année) et Les Cinq Légendes (autre perdant au box-office avec le film d’Andrew Stanton, et l’Académie n’aime pas s’embarrasser de « loosers ») ? Et où est Jonny Greenwood pour la musique de The Master ? Présence inattendue de  Thomas Newman, mais on pourra regretter qu’il soit nominé alors que les compositions infiniment supérieures de feu-John Barry n’ont jamais eu le droit à la moindre considération. Mais sa B.O. pour SkyFall est toujours meilleure que les précédentes tambouilles de David Arnold. John Williams est en mode mineur et n’est nominé que pour la forme ; le gagnant devrait être Mychael Danna.

Mon choix : Par défaut donc, la B.O. assez réussie de L’Odyssée de Pi.

MEILLEUR MAQUILLAGE

Hitchcock (Julie Hewett, Martin Samuel, Howard Berger)

Le Hobbit - partie 1 : Un voyage inattendu (Peter Swords King, Richard Taylor, Rick Findlater)

Les Misérables (Lisa Westcott)

Probabilité : A moins que le biopic sur Hitchcock ne fasse illusion avec ses déroutants maquillages amenant Anthony Hopkins à ressembler à un piètre hybride entre lui-même et le mythique réalisateur anglais, ce devrait être Le Hobbit dont la défaite semble quasiment inenvisageable.

Mon choix: Le Hobbit.

MEILLEURS COSTUMES

Anna Karenine (Jacqueline Durran)

Les Misérables (Paco Delgado)

Lincoln (Joanna Johnston)

Blanche Neige (Eiko Ishioka)

Blanche Neige et le Chasseur (Colleen Atwood)

Probabilité : Que des films « historiques » encore une fois. Toujours pas de S.F., de SkyFall ou de Hobbit. Absence encore une fois regrettable de The Master et celle, plus surprenante, de Django Unchained. L’oscar ira à celui qui a la plus grande popularité entre Lincoln ou Les Misérables. Ce devrait être le film d’Hooper, au style plus pompier et extravagant.

Mon choix : Anna Karenine. Car quitte à faire dans le « film à costumes », autant choisir le plus beau et le plus chatoyant.

MEILLEURE PHOTOGRAPHIE

Anna Karenine (Seamus McGarvey)

Django Unchained (Robert Richardson)

L’Odyssée de Pi (Claudio Miranda)

Lincoln (Janusz Kaminski)

SkyFall (Roger Deakins)

Probabilité : Absence de The Master qui aurait dû être l’un des plus sérieux concurrents. Il faut dire que cette catégorie est très chargée et ne dispose d’aucune fausse note. Mais Roger Deakins devrait l’emporter : son sacre n’a été que trop longtemps repoussé au profit d’autres chefs opérateurs moins talentueux que lui.

Mon choix: Toute consécration autre que celle de SkyFall est grotesque. La simple séquence à Shanghai suffit déjà pour en faire le grand gagnant. Si on ajoute le passage fantasmagorique à Macao et celui, infernal, dans la lande écossaise embrasée, il parait impossible de bouder Deakins.

MEILLEUR FILM ETRANGER

Amour (Autriche)

Kon-Tiki (Norvège)

No (Chili)

Royal Affair (Danemark)

Rebelle (Canada)

Probabilité : Amour. Aucun doute possible vu ses nominations annexes, y compris celle, très saugrenue, dans la catégorie « meilleur film ».

Mon choix : N’en ayant vu aucun, je m’abstiens de trancher.

MEILLEUR FILM D’ANIMATION

Rebelle

Frankenweenie

L’Etrange Pouvoir de Norman

Pirates ! Band of Misfits

Les Mondes de Ralph

Probabilité : Les deux plus évidents sont Frankenweenie et Norman. L’un est produit par Tim Burton, l’autre dispose des mêmes influences que le réalisateur gothique. Tous les deux ont été des « flops » plus ou moins relatifs. Reste à savoir si l’Académie privilégiera la qualité ou la marque déposée. Malheureusement, cette dernière option risque de prévaloir avec le triomphe de Frankenweenie.

Mon choix : Il n’y a pas, parmi les nominés, la présence du meilleur film d’animation U.S. de l’année (et de très loin) : Les Cinq Légendes. D’avance, cette catégorie est rendue caduque par cette mise à l’écart aux profits de grands noms ayant davantage fait leurs preuves que DreamWorks (Pixar, Burton, Aardman, Disney). Et ce, même si ces quatre films sont pour le moins bancals (Rebelle étant même assez mauvais). Le seul choix valable est donc Norman.

MEILLEUR SCENARIO ORIGINAL

Amour (Michael Haneke)

Django Unchained (Quentin Tarantino)

Moonrise Kingdom (Wes Anderson, Roman Coppola)

Zero Dark Thirty (Mark Boal)

Flight (John Gatins)

Probabilité : Le script de Mark Boal puisqu’il dispose d’un sujet complexe nécessitant d’immenses recherches et un talent indéniable dans l’écriture scénaristique afin de ne pas perdre le spectateur.

Mon choix: J’aurai bien dit Django Unchained ou Moonrise Kingdom afin de donner un lot de consolation à Quentin Tarantino ou à Wes Anderson qui se retrouvent boutés hors de la catégorie « meilleur réalisateur ». Mais le script de Mark Boal est d’une précision et d’une clarté assez hallucinante. Il dépeint précisément le milieu de l’espionnage et les nombreux rebondissements de cette traque rocambolesque, tout en n’oubliant pas de conférer une humanité poignante à son personnage principal absolument fascinant. On peut néanmoins noter l’absence encore une fois regrettable de Paul Thomas Anderson pour The Master.

MEILLEUR SCENARIO ADAPTE

Argo (Chris Terrio)

Les Bêtes du Sud Sauvage (Lucy Alibar, Benh Zeitlin)

L’Odyssée de Pi (David Magee)

Lincoln (Tony Kushner)

Happiness Therapy (David O. Russell)

Probabilité : Argo bénéficie de l’avantage « Black List » dans laquelle il avait figuré en bonne position. Lincoln peut bénéficier de l’apport du dramaturge Tony Kushner qui avait écrit l’un des meilleurs films de Spielberg (Munich). Mais Happiness Therapy prendra les devants. On n’en parle pas beaucoup mais ce « crowd pleasure » pourrait bien créer la surprise dans les catégories dites « majeures ».

Mon choix: En l’état, soit le très riche L’Odyssée de Pi (film qui est cependant surtout magnifié par sa mise en scène) soit Argo, qui est un modèle d’efficacité, d’intelligence, d’originalité et de divertissement comme on en fait rarement.

MEILLEURE ACTRICE DANS UN SECOND ROLE

The Master (Amy Adams)

Les Misérables (Anne Hathaway)

The Sessions (Helen Hunt)

Lincoln (Sally Field)

Happiness Therapy (Jacky Weaver)

Probabilité : Difficile à prévoir, mais Anne Hathaway part avec une légère avance. Bien qu’il ne soit pas encore visible en France, on dit que son court rôle est clairement le plus marquant du film. Ce serait elle qui donnerait l’une des plus belles scènes des Misérables avec son « I Dreamed a Dream ».

Mon choix : Amy Adams par défaut, puisque l’unique autre actrice dont j’ai vu le film est Sally Fields.Et bien que son personnage soit assez beau, il n’a pas assez d’impact dans l’histoire à l’inverse du rôle incarné par l’actrice de The Master.

MEILLEUR ACTEUR DANS UN SECOND ROLE

Argo (Alan Arkin)

Django Unchained (Christoph Waltz)

Happiness Therapy (Robert de Niro)

The Master (Philip Seymour Hoffman)

Lincoln (Tommy Lee Jones)

Probabilité : Ici, que des acteurs confirmés ayant déjà obtenu un oscar. L’absence de Leonardo DiCaprio, encore jamais récompensé, est à pointer comme le plus gros oubli de la sélection. Sa mise à l’écart systématique est devenue si évidente qu’elle en est insultante et cela est tout sauf à l’honneur de l’Académie. Celui dont on dit qu’il est le « voleur de scènes » dans Django Unchained devra encore prendre son mal en patience. Soyons heureux de voir De Niro de retour dans, parait-il, son meilleur rôle depuis quinze ans. Mais l’affaire se jouera entre Jones et Hoffman avec un petit avantage pour la prestation fascinante de ce dernier.

Mon choix: Hoffman se démarque clairement avec son interprétation toute en subtilité, en charisme et en monstruosité masquée.

MEILLEURE ACTRICE

Amour (Emmanuelle Riva)

Happiness Therapy (Jennifer Lawrence)

Zero Dark Thirty (Jessica Chastain)

Les Bêtes du Sud Sauvage (Quvenzhané Wallis)

The Impossible (Naomi Watts)

Probabilité : Nominations dans l’ensemble assez prévisibles. On pourra regretter l’emballement un peu précoce dont fait l’objet la très (trop ?) jeune Wallis qui livre néanmoins une prestation plus qu’admirable dans le film de Zeitlin. Présence surprise de Riva, à la place d’une Marion Cotillard pour De rouille et d’os. Difficile de trancher par contre. Il y a peu, les deux favorites étaient Jennifer Lawrence et Jessica Chastain. Mais l’arrivée de Riva instille le doute et il n’est pas impossible que l’on récompense une actrice en fin de carrière plutôt qu’une comédienne dans la fleur de l’âge. Ce serait alors un oscar plus pour la reconnaissance que pour un meilleur rôle.

Mon choix : Jessica Chastain. Wallis et Lawrence sont encore trop jeunes, et Watts devrait plutôt voir sa chance arriver avec ses deux prochains biopics sur Lady Diana et Marilyn Monroe. Riva dispose d’un rôle trop évident (une femme malade et mourante, un classique pour les prix d’interprétation). Chastain parce qu’elle est l’héroïne d’un thriller d’espionnage, genre pourtant très machiste. Parce que c’est un rôle pas stéréotypé « oscar » et que celui-ci nécessite un certain charisme. Chastain enfin parce qu’en plus d’être la plus belle actrice actuellement, c’est aussi et surtout la plus talentueuse de sa génération avec jusque-là un parcours sans faute. Et accessoirement parce que l’on sait tous depuis The Tree of Life qu’elle y aura droit.

MEILLEUR ACTEUR

Lincoln (Daniel Day Lewis)

The Master (Joachim Phoenix)

Flight (Denzel Washington)

Les Misérables (Hugh Jackman)

Happiness Therapy (Bradley Cooper)

Probabilité : Signalons l’absence scandaleuse de Liam Neeson pour le meilleur rôle de sa carrière dans Le Territoire des Loups ainsi que celle de Matthew McConaughey dont le rôle extrême de « Killer Joe » était hallucinant. Deux prestations mises automatiquement de côté par la nature des films dans lesquels ils ont œuvré. A la place, on a pris Hugh Jackman, dont le seul (très) bon rôle reste celui du Prestige, et Bradley Cooper, qui n’avait jusque-là jamais impressionné personne. Washington parvient aussi à se faire une place pour son rôle de pilote de ligne alcoolique dans le succès surprise de Zemeckis. Mais ces trois-là ne font que de la figuration car les jeux se feront entre Joachim Phoenix (autre alcoolique soumis au « Maitre » d’une secte) et Daniel Day Lewis qui ressuscite Abraham Lincoln. Weinstein ayant abandonné The Master en cours de route et Phoenix ayant fait quelques insinuations acerbes envers l’Académie, c’est Lewis qui devrait remporter la mise, bénéficiant du statut d’icône vénéré qui entoure son personnage et devenant pour le coup le premier acteur à être récompensé pour un film de Spielberg ainsi que le premier à remporter trois fois la statuette dorée.

Mon choix: Daniel Day Lewis. Je n’aime pas concéder les récompenses aux artistes en ayant déjà obtenu. Mais force est d’avouer que seuls Lewis et Phoenix se démarque. L’acteur de The Master aurait pu avoir ma préférence : c’est un grand acteur prêt à tout pour élever un film et il n’a encore que rarement été honoré par ses pairs. Mais son rôle appelle trop à une performance extrême comme adorent les oscars. De plus, Phoenix est souvent enclin à surjouer. The Master n’est clairement pas la meilleure partition de sa carrière. A l’inverse, Lewis, qui a aussi un personnage « cliché », est étonnement sobre et en retenue malgré ses antécédents. Et il parvient sans peine à entourer son personnage de cette fameuse aura quasi mythologique qui entourait son modèle historique. Difficile d’attribuer à Lewis les mêmes qualificatifs que pour les interprétations exagérées et tape-à-l’œil d’une Meryl Streep (La Dame de Fer) ou d’une Marion Cotillard (La Môme).

MEILLEUR REALISATEUR

L’Odyssée de Pi (Ang Lee)

Lincoln (Steven Spielberg)

Amour (Michael Haneke)

Happiness Therapy (David O. Russell)

Les Bêtes du Sud Sauvage (Benh Zeitlin)

Probabilité : De loin la pire catégorie. Les deux gros favoris l’ont déjà eu (une fois pour Ang Lee et deux fois pour Spielberg). Et les trois autres sont de loin les moins intéressants. Quid de Paul Thomas Anderson dont The Master aurait dû marquer le triomphe ? Quid de Quentin Tarantino qui aurait pu faire un second choix tout aussi appréciable ? Quid de Wes Anderson ? Quid de Ben Affleck ? Quid de Joe Carnahan ? L’Académie a refusé de renominer Kathryn Bigelow après le bug de 2009 qui avait vu la consécration de la première réalisatrice de la compétition après plus de 80 cérémonies misogynes. La présence de Michael Haneke semble relever de la vaste blague tant elle apparait décalée. Et celle du sympathique Zeitlin sidère tant son film est entouré d’une « hype » excessive (surtout quand on sait le nombre de grands réalisateurs infiniment plus confirmés ayant patienté des décennies pour être ne serait-ce que nominés). Là aussi, difficile de prévoir ce qui prévaudra entre la sureté ou la nouveauté tant aucun n’est satisfaisant. David O. Russell apparait comme le choix le plus probable.

Mon choix : Par principe, j’aurai dit David O. Russell afin de récompenser quelqu’un qui n’a encore jamais reçu d’oscar. Mais Ang Lee survole toute la sélection à mes yeux. Et de très loin.

MEILLEUR FILM

Amour

Argo

Django Unchained

Les Misérables

L’Odyssée de Pi

Lincoln

Zero Dark Thirty

Les Bêtes du Sud Sauvage

Happiness Therapy

Probabilité : Il est très difficile de trancher contrairement aux années précédentes où seuls deux longs métrages se démarquaient clairement (Slumdog Millionnaire/L’Etrange Histoire de Benjamin Button ; Avatar/Démineurs ; The Social Network/Le Discours d’un Roi ; The Artist/Hugo Cabret). On peut déjà essayer de faire un peu de place en écartant les films qui ne bénéficient ni d’une nomination dans la catégorie « meilleur réalisateur », ni d’une flopée de nominations dans les prix d’interprétations. Ne reste donc comme sérieux candidat que Lincoln pouvant titiller la fibre patriotique (mais Spielberg a déjà été de nombreuses fois récompensées), L’Odyssée de Pi (le fait qu’il soit un conte technologique comme Avatar ou Hugo Cabret ne l’avantage pas), Amour (peu probable, d’autant plus que la présence de ce film francophone dans une catégorie censée être réservée aux films anglophones laisse perplexe), Les Bêtes du Sud Sauvage (qui peut souffrir de son statut de « premier film à très petit budget »). Il ne reste donc, et c’est a priori l’option la plus probable, que le sacre de Happiness Therapy.

Mon choix : Zero Dark Thirty car c’est une fresque passionnante et contemporaine qui bénéficie d’un scénario, d’une réalisation et d’un casting absolument parfait. En deuxième choix, je me reporterai bien entendu sur le merveilleuxL’Odyssée de Pi.

Récompenses en fonction de la probabilité :

Happiness Therapy : 3 oscars [film, réalisateur, scénario adapté]

Les Misérables : 3 oscars [actrice dans un second rôle, costumes, décors]

Zero Dark Thirty : 4 oscars [scénario original, montage, son, montage sonore]

SkyFall : 2 oscars [photographie, chanson originale]

Amour : 2 oscars [film étranger, actrice principale]

L’Odyssée de Pi : 2 oscars [effets visuels, musique]

Lincoln : 1 oscar [acteur principal]

The Master : 1 oscar [acteur dans un second rôle]

Frankenweenie : 1 oscar [film d’animation]

Le Hobbit - partie 1 : Un voyage inattendu : 1 oscar [maquillage]

Récompenses en fonction de mes choix :

Zero Dark Thirty : 6 oscars [film, actrice principale, scénario original, montage, son, montage sonore]

L’Odyssée de Pi : 3 oscars [réalisateur, effets visuels, musique]

The Master : 2 oscars [acteur principal, actrice dans un second rôle]

SkyFall : 2 oscars [photographie, chanson originale]

Anna Karenine : 2 oscars [décors, costumes]

Lincoln : 1 oscar [acteur principal]

Argo : 1 oscars [scénario adapté]

L’Etrange Pouvoir de Norman : 1 oscar [film d’animation]

Le Hobbit - partie 1 : Un voyage inattendu : 1 oscar [maquillage]