Titre original : Les Infidèles

Film français sorti le 29 février 2012

Réalisé par Jean Dujardin, Gilles Lellouche, Emmanuelle Bercot, Fred Cavayé, Michel Hazanavicius, Eric Lartigau et Alexandre Courtès

Avec Jean Dujardin, Gilles Lellouche, Guillaume Canet,…

Comédie

L’infidélité masculine et ses nombreuses variations, vues en courts-métrage par sept réalisateurs.

Le film aura fait un peu parler de lui avant sa sortie, même si cela n’a pas souvent été en de bons termes. Au départ il a eu cette polémique tellement ringarde qu’elle a même fait pouffer les Américains qui découvraient soudain à quel point ces Français, qui se moquent pourtant souvent du puritanisme outre-Atlantique, étaient en fait de véritables « Mères la Morale » coincées. Une polémique engendrée par une affiche soi-disant choquante pour l’image de la femme, critiquée par des lobbies féministes qui n’ont pas pris le temps d’envisager le fait que cette image rétrograde pouvait avoir été préméditée afin de dévaloriser les deux gus machos et crétins qui posaient au centre de la photographie. Le film risque ensuite dans désarçonner plus d’un parmi ceux qui iront en salles en croyant qu’il s’agit d’une comédie un peu beauf.

Ce n’est pas la première ni la dernière fois qu’un film est mal vendu, ou assassiné selon l’humeur, surtout depuis quelques années où les équipes marketing révèlent régulièrement une incompétence crasse encore jamais égalée (bonne chance à John Carter, littéralement sabordé et qui pourrait devenir à cause d’une poignée d’imbéciles surpayés et sans talent l’un des plus gros flop de tous les temps). Cette parenthèse étant faite, que peut-on dire du film lui-même ? D’abord qu’il est, d’un strict point de vue formel, une bien belle anomalie dans le paysage dévasté de la « comédie française ». Entre une cinquantaine de productions minables surbudgétées mettant en stars principales des comiques télé tous moins drôles, charismatiques et talentueux les uns que les autres et un Intouchables bien rassurant au succès démesuré et délirant, Les Infidèles apparait même comme l’un des projets français les plus osés de ces dernières années.

La taille ne compte pas

D’abord par sa structure inhabituelle évidemment, le film étant composé de quelques courts-métrages séparés chacun par un petit gag. Peu de lien entre eux apparemment si ce n’est ce fil rouge de « l’infidélité masculine » et la récurrence de ces deux acteurs principaux dans divers rôles. C’est autour de ces deux derniers que le film a pu voir le jour : Gilles Lellouche, acteur au potentiel très variable mais qui s’en tire ici plutôt honorablement, et évidemment Jean Dujardin, tout fraichement oscarisé et l’un des rares Français à être suffisamment bankable pour soutenir des projets parfois extrêmement « casse-gueule » (en plus d’être accessoirement la seule chose vraiment excellente à être passé de la TV au cinéma français au cours de ces dix dernières années).

Et Dujardin a bien l’intention de mettre à profit son immense popularité et les nombreux succès qu’il a à son actif afin de donner naissance à des films ambitieux, de temps en temps clairement imparfaits voire ratés, mais qui ont justement comme mérite d’exister. Quel est le principe des Infidèles ? Raconter en plusieurs petites histoires les différentes facettes de l’adultère chez l’homme. Autant de facettes à explorer dans diverses situations et mises en scène par des réalisateurs ayant des sensibilités bien distinctes. Le résultat est par conséquent un peu bancal, certains segments se révélant bien plus puissants, drôles et émouvants que d’autres.

Les scénettes qui font par exemple offices de séparations entre chaque court sont pour la plupart assez inefficaces. Elles ne servent surtout qu’à bien différencier les quelques récits. On peut aussi regretter un prologue trop tranquille de la part de Fred Cavayé, pour le moment bien plus talentueux lorsqu’il s’agit de filmer l’action plutôt que l’introduire, et le segment mettant en scène Gilles Lellouche en orthodontiste quadragénaire sortant avec une étudiante pour tromper sa vie de couple ennuyeuse. Ce dernier peine à être drôle et Lellouche a clairement du mal avec les moments d’émotions ; d’autant plus qu’il n’est que peu soutenu par un Dujardin en adulescent ringard qui tente maladroitement de se fondre dans le milieu des jeunes pour cacher sa peur du vieillissement et des engagements.

Entre rires et larmes

La surprise de ce long-métrage vient clairement de son aspect dramatique qui avait été complètement occulté par la campagne promotionnelle. Et contrairement à ce que certaines féministes proclamaient sans même avoir vu le long-métrage, Les Infidèles n’est clairement pas un film machiste. On pourrait même dire que la frange du public qui pourrait se sentir le plus insulté par le film est clairement masculine. Néanmoins, il serait réducteur de donner aux Infidèles une vision moraliste et méchante à l’encontre de ces « trompeurs ». Ce multi-film n’est au final pas tant une comédie qu’une analyse étonnamment fine de la vision masculine de la vie de couple et de l’adultère. Qu’est-ce qui peut conduire un homme à aller voir momentanément ailleurs ?

Les réponses sont nombreuses. Dans le prologue, ce sont deux hommes très proches qui y vont de manière compulsive, sans autre raison explicable. Le personnage incarné par Dujardin se demandera si le fait qu’ils ont l’habitude de coucher dans la même pièce avec des partenaires différentes n’est pas le signe d’une homosexualité refoulée. Mais le segment réalisé par Cavayé laisse penser qu’il s’agit du point de vue de ces femmes trompées qui ne voient en leurs maris volages que des « baiseurs compulsifs » et immatures. Le second segment est clairement le meilleur du film car il amène un changement très violent de tonalité. C’est au cours de ce second segment que se révèle véritablement la gravité du sous-texte des Infidèles.

Celui-ci raconte vingt-quatre heures de la vie d’un homme, incarné par Dujardin, qui se retrouve dans un hôtel pour un congrès en tout point inintéressant. La quarantaine bien tassée, il est momentanément loin de sa famille. Mille tentations s’offrent à lui. Sauf qu’il y a un hic : il n’arrive pas à être infidèle. Toutes ses tentatives échouent et les quelques « proies » susceptibles le considérèrent comme un ringard pas drôle (il se fait même voler la vedette par un handicapé bien trop charismatique pour lui). Il finit sa nuit sur une tentative de la dernière chance, complètement désespérée et tellement improbable qu’elle surprend la « tentatrice » elle-même. Ce récit de près d’un quart d’heure est celui qui met le mieux en scène Jean Dujardin, magnifiquement pathétique comme dans les deux OSS 117 de Michel Hazanavicius. Il n’est donc pas surprenant de découvrir que c’est le réalisateur oscarisé qui a signé la réalisation de ce morceau voyant Dujardin enchainer les blagues ratées et les silences douloureux qui vont avec tout en dressant le portrait d’un looser en pleine décadence comme l’était George Valentin dans The Artist. Et après une nuit de vaines tentatives à la débauche, le personnage principal n’a plus qu’à envoyer un message d’amour désabusé à sa femme qu’il a vainement tenté d’oublier pendant quelques heures.

Un gars et des filles

Survient ensuite l’ennuyeux segment avec Gilles Lellouche, plus classique et moins touchant, montrant un quadragénaire au top de sa forme (cool, élégant, friqué) qui fricotte avec une jeunette. Une seconde jeunesse illusoire tant le décalage entre les deux générations est flagrant. Le réveil sera brutal et le héros, comme dans la séquence précédente, reviendra au bercail la queue entre les jambes. Le troisième court-métrage est clairement le plus abouti et le plus marquant. Réalisé par Emmanuelle Bercot, il met en scène un couple à la ville et à l’écran : Jean Dujardin et Alexandra Lamy, qui s’étaient d’ailleurs rencontré sur l’excellente minisérie « Un gars/Une fille » qui les avait révélé tous les deux. Abordant cette fois-ci la forme d’un quasi huis-clos, le segment raconte la dispute d’une nuit entre un mari et sa femme lorsque cette dernière, faisant semblant d’être libérée sur le sujet, amène son mari à confesser une relation extraconjugale.

La discussion ne se déroule pas aussi pacifiquement que prévu, le choc étant évidemment rude et humiliant pour l’autre partenaire. La séquence finit par prendre l’apparence d’un combat de boxe où chaque éclat est entrecoupé par de courtes périodes d’accalmie pendant lesquelles les deux opposants ne cessent de se tourner autour, de se jauger, avant de se débattre à nouveau l’un avec l’autre. La puissance émotionnelle dégagée par les deux comédiens n’est que renforcée par la mise en abime réelle de leur propre couple. Le court-métrage peut alors être perçu comme le simili-remake du Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick qui mettait en scène un véritable couple de l’époque, Tom Cruise et Nicole Kidman. Le film débutait d’ailleurs aussi par la violente révélation d’un adultère qui venait briser en éclat l’image de cette famille moderne parfaite, avant de révéler un certain parallélisme au niveau du comportement (la femme n’est pas moins « coupable » que l’homme).

Si le court-métrage ne reprend pas l’errance nocturne ni l’orgie sectaire du long-métrage de Kubrick, il se conclut sur une scène faisant écho à ce dernier. Après la tempête qui s’est conclue par une étreinte passionnée, le couple se regarde le lendemain matin comme si de rien n’était. Mais ces regards sont lourds par la révélation des secrets quelques heures auparavant. Mais l’enfant à leur côté ignorera peut être à jamais ce qu’il s’est passé sous son toit cette nuit-là. Lui-seul est plus important qu’eux et c’est pourquoi il doit être le plus protégé. Et s’il y a encore un retour à la normalité, celui-ci ne s’est pas fait par le mensonge mais par la vérité et le sexe (renvoyant au mot final de Kidman dans Eyes Wide Shut, disant que la chose la plus capitale pour sauver son couple était de « baiser »). On peut aussi ajouter que le personnage de Dujardin, dans le segment réalisé par Hazanavicius, est une relecture du personnage de Tom Cruise qui errait dépité à la recherche d’une conquête extraconjugale mais échouait à chaque fois à franchir le pas alors qu’il était régulièrement à deux doigts de conclure l’affaire.

Trompeurs malgré eux

Les deux derniers segments seront quant à eux nettement plus légers. Le premier, décalé voire absurde, montre une réunion des « Infidèles anonymes » qui ressemblent plus à un cours à l’école primaire qu’à une cure entre adultes. Les « infidèles », c’est-à-dire ces personnages pris la main dans le sac apparaissant dans les petits gags faisant office d’interludes, sont donc « soignés » par une femme sévère qui agît comme une maîtresse d’école. Mais dénuée de toute empathie. Elle ne recherche pas de cause à leurs attitudes volages et traite ces hommes comme des patients atteints de maladies. Une vision volontairement réductrice car l’on reprend un point de vue féminin qui se fait ici la porte-parole des femmes bafouées. Ici, on ne recherche pas les causes pour « soigner », alors que ce sont de ces dernières que viennent pourtant la « solution » au problème, comme l’a démontré le court précédent.

Les Infidèles s’achève enfin sur un épilogue faisant suite au prologue. Les deux personnages débordant d’appétits sexuels décident de se livrer à une autre sorte de cure qui consiste à avoir des relations extraconjugales à la chaine pour tenter de s’en dégouter et rassasier définitivement cet instinct de « prédateur reproducteur ». Et quoi de mieux que Las Vegas, LA ville moderne de la luxure, du péché et du rêve artificiel ? Une cure efficace mais pas forcément de la façon que l’on croit puisque le film s’achève sur un gag résolveur faisant écho à une remarque du prologue. Un gag à l’image de l’humour du film : libre, un brin provocateur, un peu cru sans pour autant être obscène. Une « comédie » donc bien plus proche de son modèle américain que de la production locale basique produite par TF1 pour passer en première partie de soirée.

Partant du principe que la comédie n’est pas un genre plus minable que les autres et qu’elle peut par conséquent parler de choses sérieuses, Les Infidèles apparait comme le digne héritier de cette décennie qui a vu le triomphe de la bande d’Apatow. Derrière les blagues salaces, graveleuses et immatures (mais souvent réussies) se cache un fond plus sérieux, angoissé et adulte. Une dualité étonnante mais audacieuse qui manque beaucoup à ce cinéma comique français qui délaisse trop l’étape de l’écriture (alors qu’elle est survalorisée pour d’autres genres où elle est justement moins nécessaire) au profit de la redite fatigante des mêmes gags plus drôles du tout et vieux d’un demi-siècle. Rien que pour ça, la sortie des Infidèles est une excellente chose malgré la qualité vacillante de l’ensemble du long-métrage.

NOTE :  6,5 / 10

Le mélange était presqu’inévitable. Il est même surprenant qu’il n’ait pas eu lieu plus tôt. Chronicle est ainsi la fusion entre deux genres : le « film de super-héros » et le « found foutage movie ». La première catégorie est allée en décroissant après l’ère glorieuse qui avait vu les sorties de chef d’œuvres comme Spider-man 2, Hellboy, Les Indestructibles et bien évidemment Incassable. Depuis, il n’y a bien eu qu’un The Dark Knight (quoique bien plus proche du film policier), un Kick-Ass et à l’extrême limite le X-men : le commencement pour relever un niveau désespérément consternant.

La seconde catégorie, plus récente, s’est souvent définie comme le filon désespérément opportuniste pour des producteurs assoiffés de pseudo concepts ne coutant qu’une broutille mais rapportant un max. Il n’y avait eu que trois pierres fondamentales à l’élaboration de ce genre. Il y a d’abord eu le célèbre Projet Blair Witch, film qui lança le concept de « documenteur » dans une proportion encore jamais égalée. Un long-métrage fait avec presque rien et où on ne voyait presque rien, mais qui rapporta une somme phénoménale d’argent au point d’en faire l’un des films les plus rentables de tous les temps. La seconde marche fut l’espagnol [Rec], premier et presqu’unique « found footage » à avoir rendu crédible son parti pris de mise en scène et à « empêcher » le spectateur de se poser la question suivante : « pourquoi le protagoniste ne lâche-t-il pas cette satanée caméra ?! ». La troisième étape fut enfin le sud-africain District 9 qui avait eu l’audace payante de passer au cours de l’histoire du faux documentaire « neutre » et à points de vue multiples au film de fiction centré sur un seul personnage.

« Teen movie » super héroïque

Chronicle de Josh Trank peut ainsi apparaitre comme le quatrième pas, cette fois-ci plus théorique, du « found footage » (document retrouvé). Comme dans [Rec], la caméra fait très clairement parti du long-métrage ; elle « participe » à l’action. C’est d’ailleurs sur sa forme que le film de Trank se démarque. Car sa trame est basique au possible. Il n’y a qu’à voir comment les origines des superpouvoirs du trio principal sont expédiées en deux temps et trois mouvements. Le film souffre aussi de quelques problèmes de dialogues ainsi que d’un gros souci au niveau de l’interprétation de certains acteurs (notamment celui qui incarne Andrew et qui n’a clairement pas les épaules assez solides pour la dernière demi-heure).

La caractérisation des personnages est assez sommaire. Il y a Steve, jeune étudiant noir ultra populaire dans son lycée (devinez qui meurt en premier) ; Matt, jeune beau gosse qui a ravalé son arrogance pour devenir un philosophe ; et enfin Andrew. Ce dernier est le centre du film. C’est lui qui tient la caméra donc c’est en grande partie de son point de vue qu’elle est racontée. Andrew n’a vraiment pas de chance dans la vie. Le cadre familial dans lequel il vit n’est pas brillant : sa mère est alitée à cause d’une maladie très grave tandis que son père est devenu un alcoolique violent hanté par un passé de pompier traumatisant (un héros qui a donc mal tourné). Au lycée ce n’est pas vraiment plus glorieux. Andrew est l’archétype du souffre douleur insociable, semblable à un Peter Parker du pauvre. Une fois qu’il a découvert ses pouvoirs, il peut s’en servir de deux manières possibles : faire le bien et s’attirer les faveurs d’une foule qui le conspuait auparavant ; ou bien se venger en profitant de sa toute nouvelle supériorité.

Au départ, Andrew privilégiera évidemment la première option, non sans être aidé par Steve, expert ès en communication. En effet, se mettre derrière sa caméra n’a pas eu de valeur thérapeutique. Les autres le perçoivent comme un « freak » toujours aussi peu enclin à interagir aux autres. La caméra est un « bouclier » qui prend les coups à la place d’Andrew. Filmer le spectacle n’aide pas à se faire aimer par la masse. Il faut « être » le spectacle à filmer. Andrew apparait donc momentanément, aux côtés de Steve, comme un magicien hors pair capable de jouer avec son public (il triche évidemment par ses superpouvoirs qui lui permettent d’accomplir des actes impressionnants). Une séquence où Andrew acquiert une gloire éphémère qui lui donne l’illusion que tout a enfin changé et que tout n’ira que pour le mieux.

Je filme donc je suis

Il est vrai que ces soudains superpouvoirs n’ont pas eu pour effet de le démarquer d’une communauté, comme cela pouvait l’être d’un Superman, d’un Batman, d’un Spider-man ou d’un Hulk. Au contraire, c’est à partir du moment où il devrait être différent de façon efficiente qu’il se rapproche des autres. Auparavant tout seul, il forme désormais un trio où il est au moins mis sur un pied d’égalité avec les deux beaux gosses du lycée. Les meilleures séquences du film sont celles où ils sont en interaction tous les trois et qu’ils découvrent leurs superpouvoirs dans une allégresse assez perceptible. L’un des morceaux les plus savoureux est une partie de football américain dans le ciel qu’il s’amuse à filmer lorsqu’un avion de ligne jaillit soudainement d’un nuage pour leur passer juste au-dessus de la tête. Frissons garantis.

La grande nouveauté de cette mise en scène est de faire participer la caméra. On sent que Trank a rapidement eu envie de se débarrasser de ce côté « found footage », à la fois l’idée qui plombe le film mais qui en fait aussi son originalité. Comment éviter ce côté illisible de la caméra dû au fait que la scène soit toujours prise sur le vif donc sujette aux actions qui interviennent sans prévenir ? En faisant d’Andrew un réalisateur. En plus de se mettre en scène, il essaye d’apporter des effets de style à sa caméra. Et c’est là que réside la très grande idée de Chronicle : la caméra finie par être maniée par les pouvoirs télékinésiques sans cesse améliorés d’Andrew. Peu à peu, Andrew ne montre plus son point de vue : il devient le sujet. Il ne filme plus ; c’est lui qui est filmé.

L’évolution de la mise en scène va en se complexifiant et en s’harmonisant en fonction de l’évolution des superpouvoirs et de leur maîtrise par Andrew. Utilisant au départ des trépieds ou filmant tout à la main, Andrew va lentement stabiliser sa caméra pour lui permettre de tenir toute seule ou bien de s’envoler dans les airs pour accomplir un « impossible » mouvement de grue. Si Chronicle a clairement au départ l’apparence d’un film à petit budget, le long-métrage prend progressivement les apparats d’un blockbuster au fur et à mesure que la mégalomanie d’Andrew se développe. Et Josh Trank de se libérer peu à peu de ce parti pris de mise en scène initial clairement encombrant.

Côté obscur

Le tournant plus sombre s’opère lors de la fête où les étudiants célèbrent la fin de l’année et où Andrew est soudainement propulsé au sommet de sa gloire. Il a enfin dévoilé un talent qui lui vaut l’admiration de ses pairs. Après avoir tant souffert, Andrew cède à ce court rêve illusoire. Le réveil n’en sera que plus violent. Après une ultime désillusion, qui peut paraitre somme toute assez banale mais qui sera surement l’humiliation de trop, le film prend une autre dimension. La caméra s’élève de plus en plus, vole, fait des mouvements circulaires, mais toujours autour d’Andrew.  De plus en plus pour l’iconiser, le rendre majestueux. Ce dernier cède enfin à la violence et à la vengeance qui l’avaient maintes fois tentées auparavant. Chronicle apparait alors comme la version « super-héroïque » du Carrie de Brian de Palma. Mais la vengeance pyrotechnique du héros ne se rapproche pas de l’incendie infernal que la jeune Carrie déclenche pour éliminer tous ceux qui se sont moqués d’elle.  La vengeance d’Andrew ne concerne pas vraiment ceux qui lui ont fait du mal. Il en punira évidemment quelques uns au passage, mais il souhaite poursuivre un dessein bien plus large.

S’inspirant des sentences philosophiques que lui répète le désormais sage Matt, Andrew se voit au final comme le prédateur « alpha ». Celui qui n’est craint par personne. Celui qui n’est autre que l’échelon supérieur de l’évolution destiné à éradiquer la génération précédente. Une crise de mégalomanie qui lui permet de se venger de cette humanité avec laquelle il n’a jamais communiqué et qui n’a jamais voulu de lui. S’il faut chercher une influence, elle est à trouver du côté de la culture japonaise et de son célèbre Akira où un jeune garçon, Tetsuo, se découvrait des pouvoirs télékinésiques et finissait par se venger de ses malheurs en détruisant la ville de Néo-Tokyo. A l’heure où les remakes américains des œuvres précitées sont actuellement en cours de préparation, ils semblent clairement vains face à un Chronicle qui en offre d’originales relectures transposées à l’époque actuelle et à la culture américaine.

Némésis

Le dernier quart d’heure laisse néanmoins une drôle d’impression. D’un côté on ne peut qu’être admiratif par les images impressionnantes au vu du budget alloué au long-métrage. Chronicle vire dans une pyrotechnie qui n’a rien à envier aux films de super-héros de ces dernières années, bien avares en grands moments de bravoure. Ici, ça fonce dans tous les sens, les voitures et les bus s’envolent,… Mais c’est à partir de ce moment-là que le « found footage » trouve ses limites. La lisibilité de l’action ne peut plus se permettre un unique point de vue. Trank trouve une idée roublarde mais pertinente au vu du sujet. Dans un monde où l’on ne vit plus que par le biais d’écrans et d’images, Andrew, enfin devenu un surhomme invincible, vole toutes les caméras dans les alentours et les fait tournoyer autour de lui. Andrew est devenu le centre d’attention. Le sujet d’un blockbuster là où il n’était au départ qu’un jeune garçon timide et mal-aimé avec une caméra.

Face à la crise de démence irréversible d’Andrew, Matt va pouvoir au contraire s’imposer comme un héros. Andrew est sa némésis. Si ce dernier a volontairement décidé de couper les ponts avec les humains, Matt a surmonté sa vanité et son arrogance, s’est rapproché des gens (il a une relation avec une jeune fille, dont le rôle futile se limite à justifier un impressionnant plan séquence lors de la scène finale) et cherche à se lancer dans l’humanitaire (prémices de ses futurs bons actions). A l’inverse d’Andrew, il n’aime pas être filmé. Et lorsque ce dernier veut toujours aller plus loin dans l’exploration de ses pouvoirs, Matt est le premier à vouloir établir des règles. Il suit ainsi le parcours exactement inverse d’Andrew.

Chronicle est donc une pertinente relecture d’Akira et du mythe du « surhomme » et, malgré une dernière scène ratée vraiment de mauvais gout et quelques artifices narratifs outranciers visant à en rajouter une couche niveau pathos, il parvient à montrer de façon à peu près cohérente et crédible ce que George Lucas avait été incapable de représenter convenablement en six heures avec sa prélogie Star Wars : le parcours au départ prometteur d’un jeune homme qui finit par céder aux sirènes du mal. Josh Trank reste un talent à confirmer, et cela devra se faire sur un long-métrage plus classique et moins roublard. Mais il est très certainement inutile qu’il s’attèle au reboot des « Quatre Fantastiques » comme les rumeurs le sous-entendent tant il a déjà réussi à en montrer indirectement la substantifique moelle.

NOTE : 6,5  / 10

Titre original : Ghost Rider – Spirit of Vengeance

Film américain sorti le 15 février 2012

Réalisé par Mark Neveldine et Brian Taylor

Avec Nicolas Cage, Ciaran Hinds, Idris Elba,…

Action, Fantastique, Thriller

Danny, jeune garçon porteur d’une prophétie, suscite la convoitise de Roarke, un homme mystérieux possédant de grands pouvoirs. On fait alors appel à Johnny Blaze pour se lancer à la recherche de l’enfant en lui proposant comme récompense de le libérer de son alter ego, le Ghost Rider. Poussé par le désir de lever sa malédiction et celui de sauver le garçon, le Rider parviendra-t-il à s’affranchir de la menace de Roarke ?

On peut dire que la société Marvel dispose d’un certain talent quant il s’agit de flinguer littéralement ses super-héros dans des adaptations cinématographiques qui sont souvent au mieux très quelconques. L’homme araignée mis à part, notamment grâce à un très brillant second opus réalisé par Sam Raimi, on ne compte plus le nombre de victimes masquées lors de leurs passages sur grand écran : les Quatre Fantastiques, Hulk, Thor, Daredevil, Elektra, le Punisher… La société s’est depuis lancée dans la production de demi-films visant à l’introduction de divers super-héros célèbres afin de les réunir dans le « grand évènement cinématographique de l’année 2012 pour la communauté geek » qu’est l’adaptation des Avengers. Un gros blockbuster qui semble aligner toutes les tares des films précédents, à savoir être un long-métrage à la mise en scène passe-partout, au casting de stars venant cachetonner, avec quelques blagues ratées visant à mettre en avant un Robert Downey Jr. plus cabot que jamais, tout en étant avare en scènes d’action. Car, à moins que la production ne cache bien son jeu, il semble pour le moment n’y avoir qu’une seule même bataille qui transparait des bandes annonces déjà disponibles sur le net.

Bref, un grand évènement médiatique qui ferait presque oublier l’autre actualité de Marvel cette année : la sortie de Ghost Rider 2. Suite du premier opus de Mark Steven Johnson qui avait été laminé par les critiques et le public, ce Ghost Rider 2 se devait d’être le long-métrage qui rattraperait les errements du film précédent. Challenge normalement assez facile à remporter, pour peu qu’on en fasse au moins le strict minimum syndical. Mais l’annonce de Mark Neveldine et Brian Taylor au poste de metteurs en scène aurait dû mettre la puce à l’oreille quant à la volonté de nivellement par le bas des producteurs. Car si faire mieux était une tache facile, il parait presque plus glorieux et difficile de faire une suite encore plus médiocre que son modèle déjà exécrable.

Régression

Qui sont Mark Neveldine et Brian Taylor ? Les amateurs de péloches très déviantes qui ont pour règle d’or de ne jamais se départir de leur humour pipi/caca, de leur mise en scène incohérente et de la réduction de leur trame à un unique concept, ont forcément entendu parler de ce duo connu pour avoir livré deux maitres étalons du genre avec Hyper Tension 1 et 2. Deux étrons filmiques ayant trouvé des défenseurs sous prétexte que les deux jeunes metteurs en scène seraient des cinéastes anars et punks absolument subversifs qui transformeraient des films de genre bancals en long-métrages bruyants, vulgaires et terriblement régressifs. Mais voilà, à force de ressortir éternellement cette excuse du « 2^nd degré » pour dédouaner quelques incompétents d’avoir juste fait n’importe quoi avec leur caméra, les producteurs ont finit par les prendre malheureusement au sérieux.

Si notre génération a déjà eu droit à la promotion de quelques tacherons comme Robert Rodriguez, Zack Snyder, Paul W. S. Anderson ou encore Len Wiseman, qui ont réussis à obtenir la direction de quelques uns des blockbusters les plus friqués de notre époque (Watchmen, Man of Steel, Les Trois Mousquetaires, Die Hard 4, le remake de Total Recall… pour n’en citer que quelques uns), la suivante risque bien de se farcir des Darren Lynn Bousman ou encore des Neveldine/Taylor pour agrémenter ses sorties ciné pendant les étés à venir. C’est ainsi que ces deux derniers ont obtenu le poste de réalisateurs de Ghost Rider 2. Celui-ci est adapté d’une histoire de David S. Goyer, le scénariste qui a bousillé la saga Blade en réalisant un troisième épisode abscons et qui avait bénéficié de l’aide d’un Christopher Nolan pour pouvoir clamer les bons scripts de Batman Begins et The Dark Knight. Partant sur cette base, les deux cinéastes ont alors décidé de faire appel à tout leur talent pour réaliser le meilleur film possible afin de rendre hommage à un personnage héroïque adulé par des centaines de milliers de lecteurs.

En fait, non. Et il ne s’agit même pas de la version officielle qu’aurait donné le studio avant de montrer le film au public. Dès les bandes annonces, on pouvait déjà voir l’orientation qu’avait souhaitée donner l’équipe ; bien que celles-ci ne laissent quand même en rien présager l’étendue incommensurable des dégâts. Vous vouliez plus de noirceur et de profondeur ? Les seules que vous aurez proviennent de la 3D post produite à la va-vite. Vous vouliez plus de courses poursuite ? Les quelques scènes d’action sont illisibles, jamais immersives et jouissives. Seule une petite excitation pourra apparaitre quand la scène finale commencera enfin à pointer le bout de son nez. Alors plus d’humour peut-être ? Même graveleux ? Laissez-tomber, les seuls rires (moqueurs) que vous pourrez avoir ne viendront que de ce long plan grotesque de Nicolas Cage perdant le contrôle de lui-même sur sa moto et du surjeu abominable de Ciaran Hinds. Ce dernier, pourtant merveilleux acteur comme il l’avait déjà prouvé dans le Munich de Spielberg, ferait passer Nicolas Cage pour un enfant de chœur. Pour bien comprendre l’étendue de ce jeu abominablement consternant, il faut l’imaginer en train de singer à l’extrême le Robert de Niro post-année 2000.

Question de degrés

Là, un doute commence à s’installer. Est-ce vraiment du second, voire du trente-sixième degré ? Pour quelles raisons peut-on demander à un acteur comme Hinds de jouer comme « ça » ? Ou pour quelles raisons Hinds a-t-il décidé de jouer comme « ça » ? Dépression ? Désintérêt ? Compréhension du traquenard dans lequel il s’est retrouvé pour payer ses impôts ? Quoi qu’il en soit, la question la plus importante est la suivante : qui est assez tordu pour exhiber aussi fièrement des séquences tellement humiliantes pour un acteur de cette trempe ? La réponse ne peut être que deux gamins complètement décérébrés qui se croient impertinents en faisant n’importe quelle bêtise crasse. Il n’est pas permis de parler de mise en abime ou de méta-texte dans Ghost Rider 2. Non, cette laideur visuelle abominable, ce montage innommable et cette direction d’acteurs inexistante ne peuvent avoir été concertés au préalable dans le soi-disant but de la subversion d’une grosse production.

Quand Brian de Palma utilisait dans Body Double une esthétique tirée de la série Z et du porno 80s (donc dégradante), c’était pour mieux la confronter à l’héritage glorieux et classique d’un Hitchcock qui engendrait un contraste violent inattendu.  Quand William Friedkin exacerbait les tics et codes de cette même décennie (le disco, les jeans moulants, les lunettes de soleil, les postures cools,…) dans son  Police fédérale : Los Angeles, c’était pour mieux scléroser son esthétique kitsch de l’intérieur. Pour révéler derrière les oripeaux d’un « buddy movie » 80s classique, et donc politiquement correct, un long-métrage furieux, violent, fou et cynique. Quand Paul Verhoeven, le maître du second degré, filmait Starship Troopers, a priori l’archétype de l’actionner S.F. pour jeunes américains débiles, c’était pour faire de manière sous jacente la critique du totalitarisme, de l’uniformisation et de la dictature des corps avec l’argent même des gros studios hollywoodiens. Et lorsque ce dernier réalisait le génial Showgirls, que beaucoup considère encore comme un grotesque film vulgaire fait et écrit par des pervers, c’était en fait pour montrer le combat d’une jeune prostituée afin de se libérer de la domination masculine et de la commercialisation du corps féminin en utilisant son sexe comme arme pour devenir au final une « déesse » (le dernier plan montrant l’affiche du « show » dans lequel elle tient la vedette et qui a pour titre : « Goddess »).

Les films précités se sont fait les chantres du mauvais gout et du second degré car il pensait cette esthétique avant même de commencer le tournage. Des films subversifs qui osaient bousiller un film à gros budget en lui conférant des attributs « humiliants » ou condamné par l’opinion majoritaire. Ce n’est pas ce que font Neveldine et Taylor. Leur Ghost Rider 2 n’est pas un pervertissement du film de super-héros pour livrer un long-métrage vulgaire, violent et anarchique tellement vicieux que le MPAA ne s’en serait pas rendu compte et l’aurait malgré tout rendu « tout public » (PG-13). Leur film est bien une insulte, mais ni pour les studios ou l’establishment. La cible n’est autre que le spectateur qui se fait pisser (du feu) à la figure. Un spectateur réduit au niveau d’un porte-monnaie crétin. Après tout, qu’est-ce que l’équipe du film en a affaire de détails aussi insignifiants qu’une histoire, une mise en scène ou des émotions, puisque des spectateurs tomberont malgré tout dans la gueule du loup (parfois consciemment) ?

Vite fait, mal fait

C’est à se demander si toute cette équipe cachetonnait sur ce projet. Nicolas Cage très certainement, mais ce n’est plus une surprise depuis une dizaine d’années. Le directeur de la photographie et le monteur aussi. Par contre le scénariste n’a pas du le faire tout simplement parce qu’il ne devait pas y en avoir eu un. Quant aux réalisateurs, ils semblent surtout avoir été motivés par les cascades qu’ils ont fait eux-mêmes pour filmer les scènes d’actions (pour obtenir au final des images moins immersives que le blockbuster moyen). La trame, basique, se limite à ressortir les coups éculés de la « prophétie » et du « fils du Diable », ce qui permet de faire graviter dans une même séquence un gamin insupportable, une mère gitane qui ressemble à une top model roumaine, un Nicolas Cage en « Terminator du pauvre » cherchant à s’humaniser et à ressembler à une figure paternelle au cours d’une scène affligeante d’ébouriffage de cheveux, ainsi qu’un Idris Elba en moine noir français alcoolique (à sa décharge, il est presque bon).  Le quatuor est poursuivi par le pire méchant de l’histoire des super-héros (une vraie tête à claques dotée d’un pouvoir inutile mais assez révélateur : tout ce qu’il touche devient pourri…) et il croisera aussi un Christophe Lambert toujours aussi peu charismatique dans le rôle d’un moine chauve dont on a dû tatouer à trois reprises le scénario du film sur son visage.

Autre détail pour montrer que l’équipe de tournage n’a même pas pris la peine de camoufler son mépris du public en rendant un minimum crédible son long-métrage ? Pas une seule voiture, à l’exception de celles des protagonistes, ne passent sur les routes. Attention, on parle autant des petits sentiers paumés dans le désert (ce qui semble assez logique) que des autoroutes. L’équipe, qui a tournée en Roumanie pour faire des économies de budget, ne prend même pas la peine de faire illusion en refaisant passer, au cours de différentes scènes, une poignée de voitures qu’ils auraient conservés tout au long du tournage. Elle s’est juste contentée de fermer les routes. A coté de ça, Neveldine/Taylor sabotent les rares moments vraiment délirants de leur script. La scène de la grue enflammée avait un certain potentiel sur le papier mais elle est hachée au montage, trop courte et en grande partie incompréhensible. Autant de « beauferies » et d’incompétences crasses plongent d’ailleurs le spectateur dans une angoisse permanente. Il y a par exemple un suspense insoutenable lorsque le gamin demande au Rider si tout ce que celui-ci « monte » prend feu comme sa moto, y compris un chameau : on se prend à rêver (ou à cauchemarder) si les deux gus vont oser franchir le pas avant le générique de fin et nous montrer le squelette infernal chevauchant un camélidé en flammes.

Alors reconnaissons au moins une chose de bien dans cet abominable long-métrage : il y a une réelle intention d’iconiser le personnage vengeur. Du moins pendant sa toute première apparition, où une série de plans ingénieux permet d’anticiper son arrivée avant de voir sa moto infernale voler au-dessus des méchants que le Rider s’apprête à punir. Les effets spéciaux sont aussi assez réussis et permettent de recréer un Ghost Rider plus convaincant que dans le premier épisode. Hélas, cela ne dure qu’une toute petite minute car, lorsque le Rider se lance dans son massacre sur fond de hard rock (subversif !!!), ce dernier ne peut s’empêcher de prendre des postures cools qui le font plus ressembler à un « kéké » ou à un blaireau qu’à un ange de la mort véritablement classe et effrayant. On peut dans ce cas dire que le personnage numérique adopte de façon pertinente et convaincante le surjeu hystérique de sa doublure réelle, Nicolas Cage.

Le tout est enfin ponctué de quelques séquences animées moches visant à expliquer quelques détails antérieurs à l’histoire. Une idée intéressante mal exploitée, d’autant plus qu’elle est surlignée par une voix off pas convaincue de Cage qui ponctue les images de quelques blagues consternantes sur le téléchargement (on se croirait à la cérémonie des césars). Le dernier grand choc, l’insulte suprême arrive néanmoins après coup, lorsque l’on regarde le budget astronomique que l’on a donné à Neveldine et Taylor pour livrer un produit filmique aussi pauvre, incohérent et grotesque : 75 millions dollars. Six fois ce qu’il a fallu à Refn pour livrer un film d’action iconique du nom de Drive. Huit fois la somme qu’a nécessité le tournage de Chronicle, film de super-héros beaucoup plus riche en « money shot » et en scénario alors qu’il est pourtant écrit et réalisé par un « novice ». A l’heure où de vrais réalisateurs comme Paul Thomas Anderson ou James Gray galèrent pendant des années pour trouver des financements infiniment inférieurs au budget indécent du dernier film de Neveldine/Taylor, il est important de ne pas faire l’impasse ou de balayer d’un revers de la main ce Ghost Rider 2. Car il ne faut pas l’oublier. Et rappeler ainsi aux producteurs d’arrêter de filer un chèque astronomique à des incapables opportunistes.

NOTE :  0,5 / 10

Titre original : Tinker, Tailor, Soldier, Spy

Film britannique sorti le 08 février 2012

Réalisé par Thomas Alfredson

Avec Gary Oldman, John Hurt, Tom Hardy…

Espionnage, Thriller

En 1973, la guerre froide empoisonne toujours les relations internationales. Les services secrets britanniques sont, comme ceux des autres pays, en alerte maximum. Suite à une mission ratée en Hongrie, le patron du MI6 se retrouve sur la touche avec son fidèle lieutenant, George Smiley. Pourtant, Smiley est bientôt secrètement réengagé sur l’injonction du gouvernement, qui craint que le service n’ait été infiltré par un agent double soviétique. Epaulé par le jeune agent Peter Guillam, Smiley tente de débusquer la taupe, mais il est bientôt rattrapé par ses anciens liens avec un redoutable espion russe, Karla. Alors que l’identité de la taupe reste une énigme, Ricki Tarr, un agent de terrain en mission d’infiltration en Turquie, tombe amoureux d’une femme mariée, Irina, qui prétend posséder des informations cruciales. Parallèlement, Smiley apprend que son ancien chef a réduit la liste des suspects à cinq noms : l’ambitieux Percy Alleline, Bill Haydon le charmeur, Roy Bland qui, jusqu’ici, a toujours fait preuve de loyauté, le très zélé Toby Esterhase… et Smiley lui-même. Dans un climat de suspicion, de manipulation et de chasse à l’homme, tous se retrouvent à jouer un jeu dangereux qui peut leur coûter la vie et précipiter le monde dans le chaos.

Avec Millenium de David Fincher, il s’agissait sans aucun doute du film évènement de ce début d’année 2012. Pour plusieurs raisons. D’abord parce que La Taupe est l’adaptation cinématographique d’un roman phare d’espionnage écrit par John Le Carré, qui avait été adapté sous le format d’une série télévisée à la fin des années 70. Aussi parce qu’il réunissait rien de moins que l’un des plus beaux castings masculins de toute l’histoire du cinéma et qu’il était dirigé par un réalisateur suédois dont le précédent fait d’arme avait été le meilleur film de vampires de ces dix dernières années. Enfin parce qu’il a été un succès public et critique monstre en Grande Bretagne et qu’il a été à plusieurs reprises nominés dans des catégories prestigieuses aux oscars et aux BAFTAs.

Pourtant sa réception publique en France est nettement plus mitigée, beaucoup de spectateurs arguant que le long-métrage est à la fois obscur, austère et froid. A les entendre, le film serait presqu’au bord d’une certaine forme d’autisme qui l’enfermerait dans une bulle mettant soigneusement à l’écart le public. Etonnant pourtant quand on sait que sa structure en flash back est loin d’être audacieuse, un retour en arrière se faisant dès qu’un personnage pense (toujours annoncé par le gros plan d’un acteur perdu dans ses pensées) ou qu’un témoin raconte un récit. On est par exemple assez loin de la construction narrative abominablement labyrinthique du Prestige de Christopher Nolan, pour prendre un nom adulé au point que la majorité du public fait fi de la complexité de ses œuvres, qui enchainait un triple twist ancré dans des flash back de flash back de flash back.

Film anachronique

Le « problème » vient donc peut-être du rythme assez lent privilégiant longs silences et regards afin de permettre l’instauration d’une ambiance prenante et envoutante. Un rythme qui n’incite probablement pas le spectateur à rester éveillé et actif puisqu’il est à contre courant de la mouvance actuelle des films à gros budget. L’autre raison vient probablement de la base même du parti pris de mise en scène de La Taupe. Bien que le roman fleuve « Tinker Tailor Soldier Spy » (un bien meilleur titre que la traduction française) multiplie les personnages et les fausses pistes, la peinture du monde pour le moins très flou des services secrets n’aidant pas, le film n’excède pas les deux heures. Une gageure assez remarquable tant l’adaptation semble avoir enlevé tous le gras qu’il était possible de retirer et ne parait garder que le strict nécessaire pour faire avancer l’intrigue.

L’autre hérésie cinématographique par rapport à notre époque, en plus de la « lenteur », est donc l’amoindrissement de la quantité de dialogue. Beaucoup de silences et de non dits que viennent normalement pallier l’image et la mise en scène. Et si d’un point de vue personnel cela a admirablement marché (bien que je doive reconnaitre que quelques menus détails m’avaient échappé à la première vision ; mais cela arrive à n’importe quel film « choral »), il semble qu’une bonne partie du public soit passé à côté de ce procédé. Il n’est pas question de condamner le spectateur en le considérant comme un « idiot incapable de rester concentré pendant deux heures ». Mais l’on peut se demander les raisons pour lesquels le public a autant de mal à suivre un film pourtant pas si difficile à comprendre.

Question intéressante et complexe (bien plus que Tinker Tailor…). Il s’agit peut-être d’une habitude perdue du spectateur qui n’arrive plus à comprendre un film majoritairement par le biais d’une image, d’un travelling ou d’un enchainement de plans. A l’heure où de véritables nœuds scénaristiques mal ficelés comme  Sherlock Holmes 2 ou Pirates des Caraïbes 3 font un triomphe à leurs sorties et que l’on érige comme blockbuster de l’année 2011 ce monument d’incohérence scénaristique qu’est La Planète des Singes – les origines, peut-être qu’un film qui mise sur l’intelligence et non la passivité du spectateur est une sorte d’objet anachronique (d’ailleurs il l’est d’un strict point de vue esthétique). Pourtant un film aussi mystérieux et riche d’interprétations comme Inception avait fait la joie des spectateurs qui partaient dans des débats enflammés interminables pour expliquer tel évènement ou tel rebondissement. La clé peut venir de là : Tinker Tailor est un anti James Bond ou Jason Bourne. Il est donc dénué de toute séquence d’action à grand spectacle qui divertirait (dans le sens de faire diversion) le spectateur de ses questionnements.

L’enquête n’est pourtant pas plus compliquée que n’importe quel film d’espionnage « sérieux », à condition que l’on retienne dès le départ le nom des divers protagonistes qui interviendront au cours de l’intrigue. L’exemple flagrant de la passivité du spectateur sont les dix premières minutes qui posent pourtant parfaitement la situation initiale : le chef du « Cirque » (surnom donné au MI6), Control (John Hurt), suspecte l’existence d’une taupe soviétique au sein de son organisation. Il envoie Jim Prideaux (Mark Strong) en Hongrie, en plein bloc de l’Est, dans une mission officieuse qui consiste à prendre contact avec un général russe souhaitant passer à l’Ouest en l’échange de quelques informations. L’opération se révèle être un piège tendu par le KGB et Control se voit retirer le poste de chef du « Cirque » au moment où cette mission non officielle rejaillit sur lui telle une bourde embarrassante. Il quitte par conséquent l’organisation, non sans être accompagné par son fidèle second, George Smiley.

Control et Smiley : le maître et le disciple

Cette séquence muette de la sortie à priori définitive de Control et Smiley de cet immense bâtiment est aussi le moment que choisit Thomas Alfredson pour dérouler son générique de début. Certains spectateurs, peut-être plus fascinés par les noms qui défilent sur un fond musical jazzy absolument savoureux (la BO est clairement l’une des meilleures de ces derniers mois), ne semblent pas avoir remarqués ce qui se passe en arrière plan. Cette séquence permet d’abord la présentation de l’architecture de ce fameux « Cirque », bâtiment dans lequel se déroule près de la moitié du long-métrage. Mais c’est une séquence qui permet  avant tout de présenter les visages des divers protagonistes qui interviendront plus tard dans l’histoire et de montrer leurs positions dans l’échelle du MI6.

Pour cela, faisons d’abord le tour des six hommes qui étaient au départ à la tête du « Cirque ». Il y a Control, homme vieillissant qui veille à son organisation comme s’il s’agissait de son propre enfant. De fait, il s’agit presque de sa création ; une création qu’il défend farouchement au point de mettre en place des opérations officieuses dans le but d’éradiquer une menace intérieur qui tuerait son bébé. Control est un peu le « père » des cinq autres qui se battront indirectement, parfois sans pleinement en avoir conscience, pour obtenir la direction de ce qui leur a été légué. Si le personnage incarné par John Hurt décède dès la dixième minute, il réapparaitra lors de flash back assez réguliers. Comme Harriet Vanger dans Millenium et la mère dans The Descendants, son spectre ne cesse de hanter le « Cirque » et le personnage de George Smiley.

Ce dernier est le héros de Tinker Tailor… . C’est avec lui qu’on suit la progression de l’intrigue. Smiley est un homme éminemment mystérieux (son nom est ironique puisqu'au contraire il ne sourit jamais). Taciturne et mélancolique, c’est un solitaire. Et un observateur comme le laisse supposer aussi ses immenses lunettes à double foyer. Un homme difficile à percer, si bien que l’un des protagonistes demandera à un jeune garçon qui a toute les caractéristiques pour être un futur Smiley de savoir « qui il est vraiment ? ». Derrière ce « masque » figé se cache des blessures. Toutes causées par une femme. Sa femme Ann plus exactement, qui ne cesse de le quitter puis de revenir. Au début du film, Smiley se trouve dans une de ces périodes où il redevient un célibataire à durée indéterminée. Smiley souffre de toute évidence de cette relation car il est bien incapable de tenir rigueur à cette femme volage dont il est éperdument amoureux. C’est en parlant d’elle que Smiley révèle une part d’humanité. Et c’est celle-ci qui pourrait bien être le talon d’Achille de ce personnage impénétrable et diablement intelligent.

Profitant d’une retraite monotone après avoir quitté le « Cirque » par fidélité pour Control, Smiley est rappelé par le sous-secrétaire Lacan. Ce dernier a été contacté par Ricky Tarr (un Tom Hardy toujours aussi charismatique), un agent envoyé à Istanbul pour prendre contact avec un soi-disant diplomate russe souhaitant passer à l’Ouest. Tarr lui a révélé qu’il a appris qu’une taupe se cache actuellement au « Cirque » et que cette information lui vaut d’être pourchassé. La vieille théorie de Control, qui l’avait partagé à Lacan peu avant sa mort, refait ainsi surface. Une théorie que Control étudiait très sérieusement, au point qu’il avait réussi à limiter le champ à cinq suspects, dont Smiley lui-même. Mais celui-ci est désormais dédouané puisqu’il a quitté le MI6 depuis.

Organisation familiale

C’est alors un long jeu du chat et de la souris qui va s’organiser et qui a pour origine les pièces de jeux d’échecs de Control sur lesquels ce dernier avait accroché la photo de chacun des suspects. On retrouve cette idée de la manipulation et la stratégie transposée à l’écran par un jeu d’échecs comme l’avait fait récemment Guy Ritchie dans Sherlock Holmes 2. Reste donc quatre suspects potentiels. Ce quatuor de « jeunes » représente la nouvelle génération qui a directement succédé à Control grâce au désistement de Smiley. Il y a d’abord Percy Alleline (un bien inquiétant Toby Jones), tête de groupe à qui l’on doit la découverte de « Sorcière », un traitre soviétique anonyme dont il est fier et qui lui donne des informations a priori inestimables. Après une enquête concluant sur la fiabilité de cette source mystérieuse, Percy entend appâter les Américains jusque là dubitatifs quant à l’efficacité du « Cirque », surtout depuis l’échec de la mission officieuse en Hongrie. Percy veut leur montrer que le « Cirque » n’est plus « un bateau plein de trous » et, trop gourmand, espère avoir un accès complet aux services secrets américains.

Cette gourmandise l’aveugle cependant. Il écarte de l’organisation tous ceux qui pourraient compromettre l’opération « Sorcière » en établissant des faits condamnateurs. Connie Sachs, femme de l’ancienne génération qui perçoit plus que jamais le « Cirque » comme une famille dont elle serai la mère, est ainsi mise à la porte après avoir découvert que Poliakov n’est pas l’attaché culturel d’une ambassade comme il le prétend mais un militaire déguisé. Qui est ce Poliakov ? Ce n’est autre que le lien entre « Sorcière » et le « Cirque ». Personne n’est à l’abri d’un brusque retournement de situation en sa défaveur, et ce, peu importe son ancienneté. Comme dans le récent La Colline aux Coquelicots, la nouvelle génération s’arrange presque pour faire le ménage et se débarrasser de ses reliques passéistes et encombrantes. Le « Cirque » n’est plus cette « famille » réjouissante où tout le monde fêtait Noël ensemble ; l’immense bâtiment est froid dorénavant. Chaque employé peut-être espionné, condamné et jeté aux oubliettes par un Percy autoritaire dont la soif de pouvoir et de gloire est de plus en plus grande, surtout depuis que son unique contestataire, Control, n’est plus là pour lui remonter les bretelles et suggérer que « Sorcière » est une source bidon des Russes.

Les trois autres sont un peu plus effacés. Il y a Bill Haydon (Colin Firth), pur produit anglais élégant, raffiné et charmeur. Ce dernier détail est important puisque cela l’amène à avoir une relation avec Ann, la femme de Smiley ; ce dernier le découvre lors d’une scène brillante de sobriété et magnifiée par le jeu d’Oldman. Autre détail important, Bill et Jim Prideaux sont les meilleurs amis du monde (ils sont surnommés les « Inséparables » et l’on peut supposer que cela cache une relation bien plus qu’amicale) et il sera par conséquent fortement affecté par l’échec de la mission en Hongrie. Il y a aussi Roy Bland (Ciaran Hinds), personnage plus secondaire qui porte néanmoins un grand intérêt à l’opération « Sorcière ». Il est un peu à Percy Alleline ce que Smiley était à Control. Enfin, il y a Esterhase, recruté dans un musée hongrois par Control lors de l’après-guerre. Son habileté à changer de camp lui permet de ne pas être d’une grande fidélité et il restera bien confortablement à son poste lorsque l’employeur qui l’a sauvé pour l’emmener dans le bloc de l’ouest se retrouve obligé de partir. Il est donc le coupable tout désigné, son nom comporte même phonétiquement le mot « East » (Est en anglais), et bien trop évident.

Nouvelle génération

Pour faire tomber le traitre de la haute sphère, Smiley va donc faire appel à la « strate » inférieure. Il interrogera alors ceux qui font les écoutes (Connie) ou reçoivent les messages. Tous ceux qui n’ont pas accès à ce bureau à carreaux insonorisé et sans fenêtre où les pontes prennent leurs décisions, unique espace vierge et élémentaire du bâtiment qui pourrait s’apparenter au « cerveau » du « Cirque ». L’analogie au corps n’est d’ailleurs pas saugrenue tant l’organisation interne est très stricte et découpée : chaque individu est inclus dans un groupe lui-même bien défini et devant accomplir une tache précise sans se préoccuper des autres. Leur efficacité permette la bonne santé du « Cirque ». Il faut aussi noter un sexisme assez fort, inhérent évidemment à l’époque : les femmes sont pour la plupart réduites aux écoutes ou au transport des documents d’archives (pour le plaisir de tous les messieurs). Les hommes, même les agents les plus insignifiants, peuvent par contre être amené à aller sur le terrain.

L’adjoint le plus important de Smiley s’appelle Peter Guillam (formidable Benedict Cumberbatch qui est en train de se forger une belle petite carrière). C’est lui qui a envoyé Ricky Tarr en Turquie et est donc forcément concerné par l’enquête que mène Smiley. De prime abord, c’est un homme tout à fait normal si l’on se réfère à la société anglaise encore peu ouverte des années 70. Mais une scène apparemment anodine met la puce à l’oreille. Au cours d’une de ses virées dans le « Cirque », il croise une femme qui lui fait très clairement des avances. Mais il parait l’ignorer totalement. Ce n’est que plus tard, de façon très pudique et toujours en privilégiant l’image, que l’on apprend le secret du personnage, son homosexualité, qu’il tente constamment de cacher, particulièrement aux côtés de Bill Haydon où il font semblant de « chasser » les jeunes vierges du « Cirque ». Son couple officieux sera mis à mal avec sa nouvelle mission qui lui vaut d’être désormais épié par ses propres collègues.

Et dans cette grande galerie de personnage il y a enfin Ricky Tarr, un agent envoyé à Istanbul pour une mission qui se révèlera inutile puisqu’il découvrira rapidement que le russe qu’il est sensé approcher n’est qu’un leurre grossier. Mais un évènement inattendu va se produire : la concubine de ce dernier, battue et trompée, va approcher Tarr, avoir une liaison avec lui et lui révéler l’existence d’une taupe dans le « Cirque » (elle n’en dit pas plus pour se garantir un passage à l’ouest). Info qui entraine ensuite la capture de la jeune femme par le KGB, le meurtre sanglant du pseudo transfuge et d’un agent britannique infiltré ainsi que la longue traque à l’encontre de Ricky qui parvient à rejoindre Londres. L’unique condition de la coopération de ce dernier est la garantie de la libération de la jeune femme dont il est tombé amoureux et qu’il souhaite épouser afin de fonder une famille et ne pas finir comme les autres membres du « Cirque ». Si la plupart des « vieux » personnages sont déjà brisés dans Tinker Tailor…, le film montre aussi deux personnages sur le point de rejoindre « l’autre bord ». Deux personnages encore emprunts d’espoir et d’humanité, qui vont la perdre malencontreusement pour devenir à leurs tours des figures errantes et désincarnées.

Fantômes

Car plus qu’un film d’espionnage (les mots « MI6 » et « agent secret » ne sont presque jamais prononcés comme Le Parrain occultait sciemment le mot de « mafia), Tinker Tailor… est un film sur la solitude. Alfredson n’est pas un réalisateur spécifiquement intéressé par le film de genre. Il avait déclaré lors de la promotion de Morse qu’il n’était pas très sensible au film de vampire mais qu’il avait choisi de le réaliser car il était touché par cette incapacité des personnages à communiquer et à vivre avec les autres. Il poursuit ainsi sa réflexion avec ce long-métrage en peignant une galerie de personnages sans attache, perdus dans le brouillard londonien comme autant d’âmes en peine qui ne peuvent établir de liens durable avec les autres car ils vivent dans le monde du secret, du mensonge et de la trahison. Smiley vit seul et abandonné par sa femme ; un échec venant à la fois des propres secrets de celle-ci mais aussi de l’incapacité du héros à communiquer ou d’exprimer un sentiment. Guillam doit cacher sa relation homosexuelle qui, une fois révélée, pourrait faire souffrir les deux conjoints. On se rendra compte sur la fin que les « inséparables » ne l’étaient plus tellement. Et Esterhase vit tout seul dans la crainte d’être renvoyé,  tout en se sentant réellement à l’écart de ces anglo-saxons pur souche, tandis que Ricky Tarr deviendra cet espion abandonné, solitaire et hanté par son passé qu’il craignait de devenir.

L’intrigue passe donc au second plan pour privilégier les affres de ces individus seuls. Gary Oldman a le regard le plus triste au monde et livre une interprétation incroyablement dense et compliquée qui se hisse sans problème parmi les meilleures de sa carrière. Un homme qui cache ses blessures et qui ne les révèlera que sous l’emprise de l’alcool lors d’un monologue absolument fascinant où il raconte, ou refait plutôt, sa vieille rencontre avec Karla, autre fantôme, soviétique cette fois, qui hante le récit et le héros (à noter que l'on ne voit jamais le visage d'Ann comme si elle n'était qu'une ombre à peine identifiable pour Smiley car ne faisant pas directement parti du monde dans lequel il est enfermé). Karla est l’homme qui organise toutes les manigances contre le « Cirque » mais dont on ignore le visage ; idée brillante qui diffère de la série anglaise réalisée à la fin des années 70. Car si à cette époque les camps sont bien discernables en théorie, la pratique révèle que les apparences sont trompeuses et que rien n’est finalement plus difficile à certifier que l’appartenance à un de ces camps. Smiley avait déjà fait ce constat avec Karla en lui avouant que leurs systèmes sont complètement similaires et sans intérêt. L’unique chose à déterminer reste un point de vue personnel, moral et esthétique : lequel de ces deux côtés trouve-t-on le moins laid ? Les deux personnages sont liés malgré leurs camps opposés : Karla a gardé le briquet que Smiley lui avait prêté pendant leur unique rencontre. Un briquet offert par Ann avec l'inscription "All my love" (tout mon amour). Comme si ce Karla avait symboliquement enlevé l'amour entre les deux personnages qui vivent depuis une relation tumultueuse. Le moyen de la réccupérer ne serait-il donc pas de vaincre cet ennemi voleur ?

Il est étonnant de remarquer une critique récurrente sur le manque d’empathie qu’il y aurait dans Tinker Tailor… alors que chaque personnage est montré par le biais de détails ou de petites phrases comme des êtres profondément meurtris. Des hommes réduit à renier ou à cacher leur humanité car elle risque de les trahir à chaque instant. Au point qu’ils finissent par devenir des symboles ou des fonctions que l’on jette sans ménagement lorsque ceux-ci n’accomplissent plus leur tâche ou qu’ils se montrent trop « zélés ». Derrière cette mise en scène précise, au cordeau et follement élégante qui magnifie les visages fermés et les silences évocateurs, se cache en fait un bouillonnement d’émotions contenus qui n’a pas le droit de paraitre. C’est avant tout une histoire de solitude mais c’est aussi un film sur la chute et l'ascension. Des figures tombent de leurs piédestals tout du long de l’enquête, dont Smiley dès le départ, mais toujours au profit d’un autre qui accède alors temporairement au pouvoir.

Et pour bien montrer que Thomas Alfredson s’intéresse plus à ses personnages qu’à son intrigue principale, il utilise le même procédé narratif que Fincher dans Millenium : une fois la révélation faite, le film se termine par une longue séquence qui conclut le problème intime des personnages. Surligné par une musique anachronique assez audacieuse, la version de « La Mer » par Julio Iglesias, et à l’aide d’un montage extrêmement judicieux et elliptique ne montrant parfois une idée que par un unique plan ou travelling, Alfredson nous révèle si ses personnages ont réussi à surpasser leurs conditions d’hommes mélancoliques et brisés par la solitude. Le constat est souvent amer comme l’indique ce parallèle final fait entre une larme lacrymale et une larme de sang. Et tandis qu’une génération s’en va, après la découverte efficiente de la taupe qui confirme l’échec du sauvetage du navire, c’est au tour d’une nouvelle structure de voir le jour. Une restructuration permettant l’élévation d’un homme à la place qui lui était dû dès le départ et qu’il récupère, plus fort que jamais, après une ascension faisant un écho  à ce générique de début qui le montrait descendant les marches puis sortant du bâtiment. Après avoir cette fois fait le chemin inverse (il entre puis monte les marches avant d'atteindre la fameuse antichambre), Smiley, dans un ultime plan d’une force tétanisante, finit par succéder de manière efficiente à son vieux maître. Et Tinker Tailor... de s'imposer immédiatement comme le meilleur film d'espionnage de ces vingt dernières années au côté du Munich de Steven Spielberg, notamment grâce à cette mise en scène parfaite, ce scénario logique et intelligent, ce casting somptueux ou encore cette musique envoutante d'Alberto Iglesias. 

NOTE : 8,5 / 10

Titre original : Tucker & Dale vs. Evil

Film américano-canadien sorti le 1 février 2012

Réalisé par Eli Craig

Avec Tyler Labine, Alan Tudyk, Katrina Bowden,…

Comédie, Epouvante-horreur

Tucker et Dale sont deux gentils péquenauds venus se ressourcer en forêt. Ils y rencontrent des étudiants venus faire la fête. Suite à un quiproquo entraînant la mort d’un des jeunes, ces derniers pensent que Tucker et Dale sont des serial killers qui veulent leur peau, alors que nos héros pensent que les jeunes font partie d’une secte et qu’ils sont là pour un suicide collectif ! C’est le début d’un gigantesque malentendu dans lequel horreur et hilarité vont se mélanger.

Après avoir fait le tour, avec succès, de quelques festivals et après être presque directement sorti en Direct-to-DVD chez nous, le film d’Eli Craig a finalement droit à une sortie en bonne et due forme sur les écrans français, bien qu’il soit depuis quelques temps entièrement disponible sur le net par des voies « non autorisées ». Alors autant profiter de l’expérience en salle pour voir ce long-métrage étonnant, pas avare en défauts certes, mais suffisamment intelligent et bien pensé pour lui laisser une chance ; d’autant plus qu’au niveau « comédie » il sort en même temps que l’ultra-médiatique et pourtant assez consternant La Vérité si je mens 3.

La référence inévitable qui vient immédiatement en tête est le très grand Shaun of the Dead d’Edgar Wright. Tous les deux sont des parodies gores de films d’horreur qui, en reprenant les codes du genre, sont amenées à les redéfinir et à jouer avec. Les deux disposent aussi d’un duo comique assez similaire dont le physique et les interactions font inconsciemment écho. Mais leurs ressemblances s’arrêtent là. D’abord parce que le film d’Edgar Wright est clairement indépassable et que le long-métrage d’Eli Craig ne tient pas vraiment la distance. Tucker & Dale s’épuise effectivement à mis chemin là où un Shaun of the Dead parvenait à garder un rythme parfait tout du long. L’autre grand changement tient d’un point de vue plus culturel : le film de Wright est innervé par un humour anglais tandis que le film de Craig s’inscrit distinctement dans une mythologie américaine.

Retournement parodique

Les « slashers » que parodie Tucker & Dale font partis de la longue liste des films d’horreur U.S. Un groupe de jeunes californiens assez crétins et superficiels partent en camping pendant les vacances d’été, au choix dans le désert texan ou dans une forêt impénétrable au nord du pays. La population des villes rencontre celle de la « campagne ». Le choc entre la civilisation et la nature. Quoiqu’il en soit, ces jeunes gens se retrouvent confrontés à une bande de « bouseux », paysans consanguins plus proche de la bête que de l’humain, qui décide de les trucider afin de satisfaire leurs divers instincts. Une recette utilisée depuis des années, mais qui a eu comme porte-étendards les très célèbres Massacre à la Tronçonneuse de Tobe Hooper et Délivrance de John Boorman.

L’originalité de Tucker & Dale tient surtout dans son concept de base visant d’abord à inverser le point de vue. Pendant les dix premières minutes, tout est classique. La séquence d’introduction, qui ne servira à rien par la suite, parodie les « documenteurs » popularisés avec [Rec] et Projet Blair Witch. On suit l’éternel bande de décérébrés qui part se faire quelques frissons dans une forêt quelconque. L’unique détail qui peut mettre la puce à l’oreille est cette jeune blonde qui n’aurait rien de bien original si elle ne semblait pas faire preuve d’un minimum d’intelligence et de bons sens (surtout par rapport à ses compagnons de route). Ils rencontrent un duo de « bouseux » tout ce qu’il y a de plus classique dans le genre horrifique : physiques ingrats, chemises de bucheron, hygiènes douteuse, capacités intellectuelles relatives,… Un duo qui fait immédiatement peur aux étudiants.

La grande idée est donc le soudain renversement qui intervient dix minutes après le début du long-métrage. Le spectateur suit ensuite ce duo au départ inquiétant pour découvrir qu’il s’agit de deux très vieux amis, pas forcément gâtés par Mère Nature mais dont les particularités viennent avant d’une certaine naïveté et de leur côté assez « typique ». Loin d’être des idiots, Tucker étant assez raisonnable et Dale étant capable de retenir tout ce qu’il lit, ils apparaissent aussi comme des personnes aimables et serviables. Avec ce contrepoint, le groupe de jeune perd de son charisme. Leur physique de mannequin mis à part, leur psychologie est réduite à crier comme des hystériques et à s’enfermer dans leurs propres convictions et idées préconçues.

L’habit ne fait pas le moine

Comme Woody Allen avec Minuit à Paris et Alexander Payne plus récemment, mais de façon moins aboutie, dans The Descendants, le film d’Eli Craig est une déstructuration du cliché. Si les jeunes prennent peur, c’est qu’ils sont trop abreuvés de films, de fictions et d’images préfabriquées mais qu’ils manquent très cruellement de vécu. Confondant histoire et vie réelle, ils sont à la fois terrifiés de vivre une telle aventure (ils croient que l’une de leurs amies a été kidnappée par deux psychopathes) mais aussi paradoxalement assez excités (particulièrement le chef de bande). Et c’est pour cela qu’ils semblent se jeter si volontairement dans la « gueule du loup », ce qui amènera Tucker et Dale à supposer qu’il s’agit du suicide collectif d’une secte.

 C’est évidemment Allison, pourtant l’archétype de l’étudiante blonde américaine, qui va aller outre ses préjugés. Si elle est au départ effrayée par Dale, qui ne venait pourtant la voir que pour sympathiser après avoir été subjugué par sa beauté, elle va rapidement voir qu’il n’a pas l’air aussi méchant que son apparence le laissait supposer. C’était d’ailleurs elle qui s’était montrée la plus sensée dans la scène d’introduction en voiture. Elle est clairement le personnage référent pour le spectateur. Piégée au départ par les clichés, elle va avoir un mouvement de recul avant de comprendre en quoi son geste était à la fois stupide et déplacé. La caractérisation de ce trio est le point fort du film. C’est ce qui lui permet de se détacher du simple « film concept » ou de la parodie. Comme les films d’Edgar Wright mais aussi les productions de Judd Apatow, Tucker & Dale révèle une vraie profondeur émotionnelle derrière son apparat de fausse comédie  grasse et régressive.

Comme Shaun of the Dead, mais aussi des films comme 40 ans toujours puceau ou SuperGrave, Tucker & Dale parle de maturité. De deux amis qui décident d’arrêter d’agir comme des enfants. Si Tucker y est visiblement arrivé dès le départ, il a même réussi à acquérir une maison et entreprend de la retaper, Dale manque clairement d’assurance et a une certaine tendance à la dévalorisation. Cette dernière intervenant justement parce qu’il est lui-même conscient des clichés à travers lesquels les gens le voient. Tucker se charge donc de l’aider à passer ce cap et, non seulement à faire fi de ce que pensent les autres, mais surtout à leur prouver qu’ils se trompent sur son compte. Cette prise de conscience doit lui permettre de briser le cliché ultime et amener ainsi le « bouseux » à sortir avec la « jolie étudiante blonde ».

Campagnes meurtrières

Le principal rival n’est alors autre que le bellâtre qui fait office de chef de bande. Un jeune homme buté, enfermé dans ses convictions, jubilant à l’idée de se retrouver dans une de ses fameuses histoires horrifiques et de passer pour le héros de service. Par tous les moyens. Y compris les plus contestables. Le renversement est aussi de cet ordre : le psychopathe n’est pas dans le clan qu’on croit. Mais c’est à partir de cette révélation que le film commence à sérieusement patiner. La dernière demi-heure se met à suivre les traces de ses aînés en initiant la confrontation, certes inversée, entre un héros et un psychopathe afin de sauver une pauvre victime.

Il faut aussi ajouter que l’une des révélations de ce dernier tiers annihile quelques peu le message qu’entendait faire passer le film. Le psychopathe l’est parce qu’il a eu une origine de « bouseux » qu’il ignorait. Si elle est cohérente avec la thématique souvent employée de l’héritage ou de la malédiction, qui permettait à certaines séries de films d’horreurs de durer près de huit épisodes, et ce, même si le méchant mourrait à la fin, elle ramène à l’idée que le psychopathe est bien à la base ce campagnard arriéré traumatisé. Il aurait été plus original de garder le fait que ce psychopathe était un jeune éphèbe qui aurait grandi dans une banlieue américaine tranquille.

Et le long-métrage apparait au final comme assez anecdotique car étant tout simplement incapable de dépasser son concept pour en faire autre chose. Et sa structure uniquement fondée sur le quiproquo finit par apparaitre assez redondante et artificielle après une petite heure de film. Mais le film possède malgré tout d’excellentes séquences gore où quelques jeunes se font découper, embrocher ou exploser avec une violence jubilatoire. Autre bon point pour lui, il est assez hilarant malgré sa demi-heure finale poussive. Tucker & Dale est donc loin d’être une œuvre parfaite mais elle est suffisamment honnête et bien écrite pour qu’elle soit pleine de belles promesses concernant son metteur en scène et quelques uns de ses acteurs. Pas marquant mais bien divertissant et bourré de références, Tucker & Dale est idéal pour tous ceux qui veulent voir un film vraiment drôle plutôt que des comédies françaises prémâchées qui squattent pendant des semaines les cinémas du pays.

NOTE : 5,5 / 10